Archives par étiquette : portrait

Martin Schoeller, en mode portrait

Martin Schoeller, Christopher Walker

Christopher Walker par Martin Schoeller

L’exposition monographique « Up – Close » présentée au Fotografiska de Stockholm jusqu’au 7 février 2016 rassemble des portraits réalisés par le photographe allemand qui vit à New York depuis les années 1990. Des gros plans réalistes et implacables ouvrent l’exposition.

Martin Schoeller, Hillary Clinton

Hillary Clinton par Martin Schoeller

De Barack Obama à Kate Blanchett en passant par Jeff Koons ou Marc Jacob, Martin Schoeller parvient à diriger l’attention vers la brillance intrigante de regards bienveillants ou inquisiteurs, interrogatifs, crédules ou décidés. Mais ici, les célébrités ne ressemblent plus à l’image archétypale que les médias leur ont façonnée. En optant pour un dispositif technique récurrent, sans profondeur de champ, Martin Schoeller capte la singularité des expressions.

Martin Schoeller, Valentino Garavani

Valentino Garavani par Martin Schoeller

Il emploie deux éclairages néons placés de part et d’autre d’un appareil moyen format argentique et dirigés dans la partie médiane, au niveau du regard, puis il attend l’abandon du modèle. Le choix de formats imposants renforce leur charisme. Positionnées sur un même plan, des personnes anonymes sont intercalées. La posture identique et la similarité des protocoles employés est troublante. Ces portraits ont été effectués dans le cadre de commandes pour le magazine The New Yorker auquel le photographe est associé depuis 1999. Il collabore également à Vogue, Esquire et Vanity Fair.

Martin Schoeller, Usain Bolt at The Metropolitan Museum of Art, New York, 2009.

Martin Schoeller,
Usain Bolt at The Metropolitan Museum of Art, New York, 2009.

Puis, des portraits placés en situation impliquent des mises en scènes insolites ou inhabituelles. Admirateur d’Irving Penn, le photographe imagine des mises en scène loufoques ou inattendues tout en préservant la simplicité et l’économie de moyens formels. Sous un éclairage magistral, la scénographie privilégie les corps surprenants de bodybuildeuses. Enfin, une série de diptyques commandée par le National geographic sonde les mystères de la gémellité en juxtaposant les visages de jumeaux.

Vue de l'exposition "Martin Schoeller" au Fotografiska, Stockholm.

Vue de l’exposition « Martin Schoeller » au Fotografiska, Stockholm.

Si Martin Schoeller a fait de la ressemblance une règle de son travail, c’est pour mieux exacerber la complexité des êtres dont il cherche à pénétrer l’intériorité. Est-ce pour répondre au « close up » de William Klein (1989) qu’il cherche à s’approcher toujours plus près de la vérité des apparences ?

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Jean-Christian Bourcart : miroir, étrange miroir…

Jean-Christian Bourcart, Black Sheet, 2010-2011

Pénétrant dans l’exposition de Jean-Christian Bourcart à la galerie Vu’, le spectateur est immédiatement saisi par l’étrangeté des photos qui l’accueillent. Impressionné, il imagine les personnages en proie à des transes hypnotiques. Décomposés, ouverts ou repliés comme des feuilles froissées, à la fois puissants et vulnérables, les portraits (souvent autobiographiques) de l’artiste se présentent d’abord sous un aspect inconnu. Les expressions sont graves. Des taches, des éclats saccadés scandent la composition. La litanie des contorsions infligée à tous les membres paraît quelque fois effrayante. Souvent, les lignes sont franchement tracées, miroitantes, taillées dans le vif du papier. A cru. Ailleurs, elles ressortent auréolées, floues, noyées dans l’espace. Les couleurs se montrent d’autant plus intenses qu’elles sont absorbées par le noir luisant qui les révèle. Elles se répartissent comme pour dessiner la température des états d’âme. Disposées en cercle autour de nous, les différentes formes prises par le chamane nous invitent-elles à la cérémonie ?

La feuille noire ayant généré ces formes hybrides est placée à l’entrée de l’exposition Kailash (signifiant « Cristal » en Sanscrit, du nom de la montagne sacrée impossible à escalader dont la singularité de chacune de ses arêtes est telle qu’elles paraissent finalement impossibles à assimiler comme un ensemble). On se reflète dans la feuille pour devenir soi-même l’un de ces êtres diffractés, éclatés, plongés, peut-être, dans la révélation d’une sombre apocalypse.

Jean-Christian Bourcart, Black Sheet, 2010-2011

Dans les photos, la chair se rétracte, s’amplifie, se déforme à certains endroits. Un étrange génie semble s’être échappé d’une lampe magique où il s’était contorsionné. Ailleurs, le corps est comprimé, abîmé, contraint. L’enjeu paraît grave et les formes dansent comme de petits démons acharnés et vifs. Le dispositif est visible : il s’agit de photographier le reflet d’une personne métamorphosée par cette étrange feuille noire comme sur un fond dramatique. Au jeu du portrait chinois, c’est d’ailleurs Goya qui vient à l’esprit du photographe pour désigner sa référence la plus marquante en matière de peinture. Jean-Christian Bourcart parle de cette récente série comme d’une « machine à faire des monstres ». Les photos semblent bouger ou tout du moins, elles donnent par endroits la sensation du mouvement. Black Sheet nous fait vivre une expérience de remémoration, de dépossession, d’une présence invoquée par la nécessité d’une redéfinition de l’acte de voir.

Jean-Christian Bourcart, Bardo, 2003

L’exposition se prolonge au sous-sol, marque une rupture avec le reste. Deux vidéos sont présentées : d’abord, Bardo (2003) inspiré par le livre des morts tibétain. Les images défilent très vites. On distingue à peine ce qu’il voit, ce qui est vu de lui… Des images de La Jetée de Chris Marker semblent par moment habiter le déroulé insatiable du film dont jaillit presque une impression stroboscopique. La rapidité accumule les images qui se confondent par endroits. Suit la vidéo plus récente Fortune Teller (2011), résultant d’une caméra cachée. Le photographe a rencontré des chiromanciennes dont il confronte les vagues prédictions.

Jean-Christian Bourcart, I shot the Crowd, 2009-2011

Suit la série photographique dans laquelle Jean-Christian Bourcart a capturé plusieurs visages extraits du flot de la foule des métros du monde. Ils sont devenus la métaphore d’obscurs espaces mentaux. Extraction de quelques visages perdus dans la caverne des illusions du quotidien, produisant un effet de boucle. Enfin, avec Camden (2008-2009), il continue sa traque de l’humanité dans les lieux qui paraissent les plus reculés et extrêmes, jusque dans la misère apprivoisée. A nouveau, ne subsiste que son goût pour la rencontre primitive, instinctive, pulsionnelle avec l’autre et sa capture instantanée, entre chien et loup.

Liens : http://www.galerievu.com/detail_exposition.php?id_exposition=108

http://jcbourcart.com/p.php?p=pages%2F06-News

Taryn Simon : Prix « Découverte » des Rencontres d’Arles 2010

Taryn Simon, TROY WEBB Scene of the crime, The Pines, Virginia Beach, Virginia Served 7 years of a 47-year sentence for Rape, Kidnapping and Robbery, 2002. Courtesy Gallery Gagosian

« Le monde est tout ce qui arrive » écrit Wittgenstein dans son livre Tractatus (premier aphorisme). Encore s’agit-il, pour connaître les frontières de ce monde, de pouvoir le désigner, c’est-à-dire, d’une part, de le montrer et d’autre part, de le dire. Les photographies de Taryn Simon se positionnent dans cette marge qui relie deux pôles : l’image et le texte. Artiste américaine de « l’après 11 septembre », Taryn Simon, présentée par Philippe Parreno et Hans Ulrich Obrist aux Rencontres d’Arles, vient de recevoir le Prix « Découverte » 2010 doté de 25000 €.

The Innocent (2002) est issue d’une commande réalisée pour le New York Times magazine. Elle présente une série de personnes condamnées à tort – accusées de crimes – et ayant purgé plusieurs années de prison avant d’être innocentées et libérées grâce aux tests ADN. Chacune d’entre elles a fait l’objet d’un cliché particulier. Toute cette galerie de portraits d’innocentés rencontrés aux quatre coins des Etats-Unis a été photographiée dans des lieux coupables. Ils sont tour à tour intégrés dans la scène du crime ou à l’endroit de leur arrestation, etc. Dans ces représentations mensongères, la réalité et la fiction se brouillent dangereusement dans l’esprit du spectateur, témoin inéluctable des faits révolus dans l’apparence. Impossible de revenir en arrière. Le doute s’immisce, chaque fois, dans les rouages des dispositifs.

Taryn Simon, HECTOR GONZALEZ At home, Brooklyn, New York The week of his homecoming Served 6.5 years of a 15-to-life sentence for Murder 2002. Courtesy Gallery Gagosian

L’erreur fatidique a porté le plus souvent sur leur identification via des photographies. Interrogeant le rôle de ce médium dans le système de la police judiciaire, Taryn Simon en vient à formuler un questionnement déterminant sur le rôle du dispositif photographique dans le cadre des institutions. Elle révèle les méprises et les dévastations d’une mauvaise interprétation de l’image. L’évocation des dangers de la physiognomonie en prise avec l’histoire du médium photographique en serait-elle si lointaine (qu’il s’agisse des procédures de l’anthropologue Galton, cherchant à forger le portrait générique de la délinquance jusqu’aux images-types bien connues de Bertillon…) ? C’est surtout la confusion engendrée par les différents systèmes d’identifications qu’il s’agit de mettre en cause ici.

La mémoire a souvent été comparée à un appareil photo. Mais il a plus rarement été question de démontrer leur similitude du point de vue de la falsification du réel.

Freud associe l’inconscient à la métaphore de l’ardoise magique : une surface conservant à la fois la trace mnésique des impressions qu’elle enregistre, tout en permettant la réinscription illimitée de nouvelles traces. (Notes sur le bloc-notes magiques). Les épaisseurs se mélangent, sans distinction, dans la mémoire. Or, le processus photographique ne fait pas autre chose…

Taryn Simon, TIM DURHAM Skeet shooting, Tulsa, Oklahoma 11 alibi witnesses placed Durham at a skeet-shooting competition at the time of the crime. Served 3.5 years of a 3,220 year sentence for Rape and Robbery 2002. Courtesy Gallery Gagosian

Taryn Simon insiste sur la méprise existant dans l’esprit du témoin ayant vu différentes images (polaroïds, photos d’identités…) d’un homme ressemblant à l’agresseur, puis, l’apercevant de nouveau (lors d’un alignement), reconnaît la photographie qui devient alors le référent inconscient au lieu de la scène réelle du crime. L’erreur est humaine ou iconographique. Le contact avec l’injustice, toujours bouleversant. Car la photographie n’est pas menteuse. Elle jure de ne pas dire toute la vérité à condition qu’on veuille bien prendre le temps de l’interroger et de la remettre en contexte.

Dans sa plus récente série publiée sous forme d’ouvrage, The American Index of the Hidden and Unfamiliar (2007), Taryn Simon présente à nouveau des images narratives qui parlent alternativement de sécurité, de sciences, de politique gouvernementale, de problèmes éthiques mais aussi des mass médias. Les vues sont alignées. La démarche de l’artiste porte de façon systématique sur le pouvoir des photos mises en regard de leur utilisation. Il est alors moins question d’une transparence de l’image (au sens de Barthes) que de l’image de la transparence (comme d’un accès privilégié aux lieux habituellement cachés, favorisant un dessillement de notre regard). Ainsi accumule-t-elle pêle-mêle des épiphanies étonnantes ou choquantes, plus ou moins secrètes, afin de les révéler au grand jour.

Harcourt : « un brevet d’éternité »…

Laurent Terzieff, Harcourt, 1959

Les portraits du studio Harcourt sont progressivement diffusés sous licence (libre) Creative Commons Paternité. « Continuez le mythe », le propager ? Le slogan est frappant ; l’esthétique, immuable ; le concept, adaptable. R. Barthes lui a consacré des analyses minutieuses (Mythologies). Pour lui, « l’acteur d’Harcourt  est un dieu ».

Le rêve a désormais un visage. Il est traité en clair obscur et apparaît sculpté avec précision par l’éclairage. La chaleur des projecteurs n’a pas fini de poser des touches de lumière sur certains angles ou pommettes, soulignant tel caractère des traits. L’attention aux poses, aux cadrages est systématique. Pour chacun, Harcourt offre un « brevet d’éternité » dont Françoise Denoyelle a découvert l’histoire. Faisant la « biographie » de cette « manufacture de vedettes » initiée depuis 1934 par Cosette Harcourt et les frères Lacroix, l’auteur pénètre dans les coulisses de ses rites, à la recherche des fondations secrètes de cette légende.

Initiant un style reconnaissable entre tous, Harcourt a traversé les époques en conservant une esthétique inchangée. La propension artistique du studio a marqué le genre du portrait photographique, prenant un tour d’autant plus affirmé, à l’aune du développement massif des pratiques amateurs. Il s’en dégage, au-delà d’un véritable code de représentation associé au mythe du studio, une dimension inaltérable et magique.

Laurent Terzieff (1935-2010) immortalisé par Harcourt

Parmi les nombreux portraits d’artistes, on découvre le visage inspiré de Laurent Terzieff, pris dans la lumière en 1959. Il porte en lui une émotion magnétique qui transparaît dans l’esthétique Harcourt.

Neuf ans plus tôt, sa sœur aînée l’emmène voir « La Sonate des Spectres », une pièce à l’ « imagination libre, mais fondée sur l’observation, l’expérience, l’étude consciencieuse. Simple, mais pas simpliste », ainsi la décrivait déjà Strindberg. De ce jour, Laurent Terzieff a gardé un souvenir ému et la trace indélébile d’un amour pour le théâtre, la langue et la poésie : « Je me suis rendu compte que le visible pouvait rencontrer le monde invisible, par la magie d’un texte et des acteurs, l’alchimie du verbe. Je ne le disais pas ainsi, mais je le sentais » confiait-il.

Dix ans après avoir posé pour cette photo, il tourne « Le Révélateur » de Philippe Garrell, puis l’un des chefs d’œuvre cinématographiques de Bunuel, « La Voix lactée » ou encore Médée (Pasolini), et plus tard avec Jean-Luc Godard (Détective, 1985)…

Amateur éperdu de Rilke et Brecht, il n’a eu cesse de vouloir découvrir le talent des autres en adaptant les mises en scène de textes inédits (Andréiev « La Pensée », 1961, ou encore Mrozek…) Mais c’est le génie de sa propre sensibilité qu’il est alors parvenu à incarner avec force.

Il était dernièrement dans la peau de Philoctète (qui sera diffusé le 13 juillet sur France Culture).

Hommages télévisés : diffusion, « les Tricheurs » (Marcel Carné), mardi 6 juillet sur France 3 et L’Habilleur (Ronald Harwood), mercredi 7 juillet sur France 2.

Olivier Cadiot : d’après photo

Nan Goldin, Sharon in the River, Eagles Mere, PA, 1995, Courtesy Gallery Matthew Marks

C’est une photo de Nan Goldin qui a inspiré le nouveau livre d’Olivier Cadiot dont la parution est prévue en août chez P.O.L. Un mois avant sa sortie en librairie, Ludovic Lagarde met en scène son adaptation théâtrale au festival d’Avignon. Du jamais vu. La représentation d’Un Mage en été se présente d’ores et déjà comme un vertigineux système de chaîne icono-graphique conçu comme un exercice « dédisciplinarisant » (au sens de W.J.T. Mitchell). Des transferts se produisent entre la photo matrice (picture), l’image ainsi générée (****) et son interprétation écrite, puis sa représentation théâtrale, recouverte par le voile médiatique et parachevée dans l’esprit du spectateur qui reformule ce qu’il voit « dans l’autre sens, sur l’écran noir en soi qu’on regarde » (O. Cadiot, Retour définitif et durable de l’être aimé)…) Soient autant d’incarnations différentes des images… Aucun doute. Ce dispositif nourrit alors un ping-pong cérébral appliqué au champ du visible.

Gertrude Stein, la fée, le roi, Robinson, le lapin fluo, l’analyste, le dandy, le chasseur de têtes, le décorateur, le philosophe ou l’homme qui se fait cirer les chaussures (dans le célèbre daguerréotype, Boulevard du Temple)… peuplaient déjà l’univers romanesque d’Olivier Cadiot. Il semble que Sharon in the River ait – depuis peu – rejoint cette faune des plus culturelles…

Comment interpréter la fascination de l’auteur pour ce cliché de 1995 ? En plongé, Nan Goldin y montre une femme nue, seule, au premier plan d’une rivière. On pourrait presque deviner les rousseurs de la vase dans les profondeurs de l’image. C’est pourtant dans un bain de couleur émeraude qu’elle se tient, à demi immergée. Les pointes de ses cheveux platine semblent avoir absorbé cette tonalité acide et trouble par endroits. Le cours d’eau paraît stagnant, cependant quelques volutes réparties autour de ses hanches laissent supposer qu’un léger courant l’anime, peut-être. Aurait-elle amorcé un mouvement ? Le visage est absent, perdu dans les limbes du contre-jour. L’attitude paraît à première vue figée, contemplative. Optant pour le grand angle, Olivier Cadiot aurait-il cloné ce personnage pour en donner à voir plusieurs images possibles ? La découverte de l’ouvrage contiendra sans doute quelques révélations.

Dépeindre le visible pour « peindre l’ invisible » : voilà qui pourrait être l’un des tours de main de l’écrivain toujours prêt à proposer ses petites madeleines sur un plateau… Les sensations sont là, à portée d’œil. Les références se frictionnent. Dans les œuvres d’Olivier Cadiot, « on remonte le temps en arrière en spirale, c’est possible » (Fairy Queen)… Mais peut-on, à l’inverse, anticiper, redescendre le cours du **** en marche rapide ? Souvent, la grammaire claudique et la syntaxe se promène jusqu’au bout de la langue. Alors, des images apparaissent.

L’incipit d’ Un Mage en été est disponible en avant-première sur le site de P.O.L :

http://www.pol-editeur.com/pdf/6358.pdf

http://www.pol-editeur.com/index.php?spec=livre&ISBN=978-2-8180-0478-4

Du 21 au 27 juillet
Un mage en été d’Olivier Cadiot au Festival d’Avignon

21, 22, 23, 24, 26 et 27 juillet à 18h
Théâtre-Opéra
Place de l’Horloge
84000 Avignon
http://www.festival-avignon.com/

Supporter

Pieter Hugo, "Andrew Mfundis", série Orlando Pirates Football Club supporters. Courtesy galerie Michael Stevenson

L’habit fait-il le supporter ? La violence visuelle de certains accoutrements régit les codes synonymes d’appartenance à un groupe, à une équipe. Ainsi, la série photographique des « Orlando Pirates » (club sud-africain) signée Pieter Hugo semble fomenter des liens habiles avec certains sujets d’actualité. Intervenant en écho à la coupe du monde de football et au cinquantenaire des Indépendances africaines (2010), elle est actuellement présentée chez « colette » avec d’autres tribus contemporaines… Lauréat du World Press photo (2006) et du prix découvertes des Rencontres d’Arles (2008), le photographe n’a de cesse de vouloir mettre en images les maux de l’Afrique, et au-delà… 

Certains aspects du continent africain présentés par Pieter Hugo sont choquants : vestiges du génocide rwandais, ravages du sida, massacres… Mais il nous donne à voir une autre facette – plus énigmatique – de cette culture : charmeurs de serpent, dresseurs de hyènes, chamanes et  magistrats composent autant de portraits-masques, représentant des microcosmes fédérés à partir d’uniformes, de costumes ou accessoires. C’est sur ce versant que colette a logiquement construit sa présentation, articulée autour de trois séries ou castes : supporters, Boy scouts, catcheurs. L’apparence morbide des vêtements sombres des supporters – impressionnants – joue-t-elle un rôle d’intimidation ou bien d’invocation de forces occultes ?

Les photographies sont en couleurs, rejoignant ainsi la fonction symbolique associée à chaque type de vêtements. Dès 1982, Michel Pastoureau remarque, à ce sujet, que « les historiens du vêtement ont rarement parlé de couleurs. A cela des raisons documentaires (pendant longtemps, la documentation photographique a été formée de photographies en noir et blanc et bon nombre d’historiens, y compris des historiens de l’art, ont pris l’habitude d’envisager les faits de société et les faits artistiques comme des faits incolores, ou pire, comme des faits « en noir et blanc » […]) » Implantées au sein d’une structure notamment axée sur la vente de vêtements haut de gamme, les photographies de Pieter Hugo revêtent tous les attraits d’une étude sociologique…

Exposition : Pieter Hugo, Selected Works, colette, (213, rue Saint Honoré, 75001 Paris), 31.05 – 03.07. 2010.

http://www.colette.fr/#/page/5056/pieter-hugo/

http://www.michaelstevenson.com/contemporary/artists/hugo.htm

http://www.pieterhugo.com/