Parution du dictionnaire « Roland Barthes » (Dir. Claude Coste) aux éditions Honoré Champion

J’ai le plaisir de vous annoncer la parution aux éditions Honoré Champion du « Dictionnaire Roland Barthes ».

Roland Barthes assimile le dictionnaire à « une machine à rêver » (Extrait de la préface au dictionnaire Hachette.) Claude Coste démontre dans son introduction qu’il s’agissait aussi pour lui d’un « outil ambivalent » dont il fallait mesurer l’« incontestable dimension idéologique ». En réunissant les plus grands spécialistes internationaux autour de ce projet de très longue haleine, l’universitaire explore les vertus de cet objet littéraire singulier. Il en fait, en dépit des réserves du sémiologue, un fabuleux outil pour décrypter son univers et déployer sa pensée. Ainsi choisit-il de nous accompagner dans les arcanes de la pensée barthésienne à partir de mots-clés soigneusement répertoriés : le dictionnaire débute par « Acteur », « Adjectif » et « Adunata » ; il s’achève avec l’entrée consacrée à Emile Zola… Dans le prolongement du Roland Barthes par Roland Barthes, « autoportrait intellectuel fragmentaire » pour lequel R. B. avait déjà choisi cette structure de pensées par « mots-clés », ce type d’ouvrages jadis synonyme de « vocabulaire » au XIIIème siècle, renoue avec cet art de la dispositio elle-même à l’œuvre dans les projets d’écriture de Barthes. Ainsi avait-il décelé dans cette forme d’organisation intellectuelle un potentiel expressif infini. De même pourrions-nous aborder également les enjeux de cette organisation par « mots-clés » autour de ce « dictionnaire des affects » tel que Roland Barthes définit les Fragments d’un discours amoureux en 1978 : « sous chaque mot, explique-t-il, il y a des paquets d’affects, des paquets de mouvements psychologiques ». Et ces « paquets » à déballer comme on le ferait de cadeaux, ce sont les phrases, les citations, les analyses, les commentaires de l’auteur qui élucident « ce dictionnaire de sentiments ».
Cf. interview filmée de Barthes ici :

Ce « dictionnaire Roland Barthes » aborde certes ces multiples entrées et leurs définitions en leur octroyant toute la rigueur sémantique qu’elles requièrent. Cependant, elles n’en restent pas moins ancrées dans une sensibilité toute barthésienne, attentive à la constellation d’auteurs, d’artistes, de lectures et d’émotions constitutives de sa pensée, prise dans d’incessants échanges de regards.
On parle familièrement d’une personne cultivée comme étant un « dictionnaire ». Roland Barthes, métaphoriquement, aurait pu revendiquer cette assimilation. Littéralement, il en est maintenant un…


Notices rédigées en tant que contributrice : « Affiche/publicité », « Arcimboldo », « Arts plastiques », « Butor, Michel », « Dandysme », « Masson, André », « Numen », « Peinture hollandaise », « Pop Art », « Publicité », « Secret », « Tautologie », « Tel », « Visage ».

 

RENCONTRE AVEC FRANCK SORBIER A L’ECOLE DUPERRE

Le 7 octobre, j’ai invité à l’école Duperré Franck Sorbier, grand couturier et maître d’art figurant parmi les rares maisons de Haute couture labellisées, aux côtés de Christian Dior, Chanel, Schiaparelli, Jean-Paul Gaultier, Giambatista Valli, Stéphane Rolland et Alexis Mabille.

En perpétuant des savoir-faire liés au métiers d’art tout en inventant des procédés tels que la compression – technique déposée dont il est propriétaire, Franck Sorbier définit déjà cet art funambule de la haute couture au regard de celui de la sculpture, en rendant hommage à César. Il développe des collections qui donnent une large place à l’imaginaire, au merveilleux et à la féérie : qu’il s’agisse de créer le costume d’Académicien du peintre Zao Wou-Ki avec François Lesage en 2004, de réaliser des costumes de scène pour plusieurs opéras, d’écrire le scénario d’un film en 2009 « la Haute Couture n’est plus ce qu’elle était ! SO WHAT ! » il s’agit chaque fois de repousser les limites du possible.

En 2012, il imagine déjà une « peau d’âne des temps modernes » grâce à un système de mapping 3D mis au point avec Intel. Dans un autre registre, il conseille le Grand Chef étoilé Alain Passard et les équipes de son restaurant L’Arpège dans le style des tenues professionnels. Quel que soit les projets, il ne cesse de mettre son talent au service d’une conception de la mode intemporelle, absolue et éthique, avec notamment un engagement en faveur de la cause animale, élevant toujours en maître les valeurs de la beauté, de la grâce et de l’élégance. 

Comme l’arbre éponyme, le sorbier des oiseleurs dit aussi sorbier des oiseaux, Monsieur Sorbier aime les couleurs chatoyantes.

Fervent esthète, il perçoit l’histoire de l’art comme un matériau inventif, à l’échelle de mouvements mais aussi de personnalités marquantes ; en 2013, il lance par exemple la collection « Livre d’Heures », véritable ode à la Renaissance ; ou encore « Poème » en 2015, hommage aux grands courants de la fin du 19ème siècle ; en 2021, il célèbre Tamara de Lempicka, Leonore Fini, Nicky de Saint Phalle… On le définit souvent comme un poète de la couture.

Atelier Franck Sorbier © Jeff Guiot

Depuis 1987 où il a lancé sa première collection expérimentale, il démontre chaque fois que le fait de perpétuer des savoir-faire traditionnels (tels que l’incrustation de dentelles, la lirette, ou encore la broderie…) est une source inépuisable de nouveautés pour la mode et la Haute couture en particulier.

Nommé Chevalier des Arts et des Lettres en 2004, maître d’art en 2010 et « Talent de l’originalité 2011 » lors du « Prix du Sommet du Luxe et de la création », il affirme que la Haute couture permet de « réfléchir différemment » et qu’elle implique une gymnastique d’esprit spécifique. Aussi, sa présence inspirante auprès des étudiants de « collection » et de « savoir-faire du luxe » lui a permis de partager avec eux quelques-uns de ces mouvements de pensée, tout en présentant ses récentes collections « nuages », « le Chant des guérisseuses », « Pérégrinations », « Ode à la vie » ou encore « Muse en scène ».

collection FRANCK SORBIER hiver 2005 LA TRAVIATA

De son enfance au Pays basque, le créateur a retenu l’art de la récupération et du recyclage dont il avait été le témoin. Il ressurgit avec force dans ses créations de Haute couture. Ainsi a-t-il entrepris de raconter des histoires avec des robes. Rendant hommage aux rencontres qui ont été décisives pour la définition de sa signature théâtrale, il est ensuite revenu sur toutes les étapes de réalisation d’une collection, allant des premiers croquis esquissés dans ses cahiers jusqu’aux enjeux de communication liés à ses défilés, en passant par les phases de moodboard. Il a mis l’accent sur la dimension collective de sa création en rendant hommage au rôle majeur de son épouse et directrice de studio (Isabelle Sorbier).

 

RENCONTRE DES ETUDIANTS DU DSAA PROSPECTIVE I AVEC GUILLIAN GRAVES, DESIGNER (école Duperré)

Designer industriel et bio-concepteur, Guillian Graves parvient à concilier les qualités pragmatiques de construction du castor avec l’intelligence du corbeau et la détermination du saumon (si l’on reprend la symbolique des amulettes propre à la civilisation des « Zuni », tribu d’indiens basée au Nouveau Mexique). Parmi les différents animaux qui l’inspirent, ceux qui peuplent l’univers marin occupent une place privilégiée dans la conception de ses projets. Ainsi, la mise en place d’un « maillot de bain du futur » (en collaboration avec « Le Slip français ») doit permettre la conception d’un textile respectueux des écosystèmes marins ; de même, il a pu créer des sandales compostables réalisées à partir de coquilles d’huitres (Eti O’ri) parmi de nombreux autres réalisations questionnant les matériaux, les formes et les façons de vivre. Continuer la lecture

Intervention de Jaïna Ennequin et Baptiste Sévin auprès des étudiants de céramique de l’Ecole Duperré

Passionnés par les arts du feu, Jaïna Ennequin et Baptiste Sévin ont entamé depuis 2017 une collaboration artistique renouvelant les propositions créatives autour de la céramique. Inspirés par la nature et les paysages grandioses de la Guadeloupe dont Jaïna est originaire, ils déploient des propositions plurielles dans le champ du mobilier, des arts de la table, de la décoration, etc.

Baptiste et Jaïna, “Lichen”, 2019. Faience chamottée, engobe texturée, couverte. ©Atelier Baptiste & Jaïna

Les étudiants de céramique (1ère / 2ème et 3ème années) ont ainsi eu l’occasion de développer leurs observations et leurs questionnements autour des techniques utilisées. Elles leur permettent de générer d’étonnants effets de matières (e. g. l’engobe à texture granuleuse, couverte transparente mate sur une faïence chamottée pour la coupe « Vestiges » ou encore le Biscuit porcelaine pour la patère « Dorsale »).

Baptiste & Jaïna, Tabourets, 2020. Grès. Premiers exemplaire réalisés au sein des Ateliers Du Faire de la Fondation d’Entreprise Martell. ©Atelier Baptiste & Jaïna

Nourris de références aux avant-gardes artistiques et aux icônes du design moderne, ils conjuguent des effets de flockage et des dispositifs picturaux avec des allusions aux formes antiques et aux patrimoines régionaux. Leurs gestes procèdent du détournement dadaïste lorsqu’ils réinvestissent un siège de tracteur pour en faire une assise indépendante, à l’occasion de leur résidence à la Fondation Martell.

Les créations résultant de l’atelier Baptiste & Jaïna ont déjà été récompensées lors de la Biennale internationale de Vallauris et de celle de Carouge en 2019. Leurs créations figurent notamment dans les collections du Musée Magnelli.

Conférence de Marco Lavit auprès des étudiants du DSAA Mode – Prospective (1) de l’Ecole Duperré

Dans le cadre du cours d’histoire des arts à l’école Duperré, nous avons reçu Marco Lavit, architecte et designer. Fondateur de l’agence éponyme créée en 2014 avec un parti-pris cosmopolite, il engage un dialogue entre Paris et Milan tout en s’inspirant des autres cultures. Il allie les partis-pris de simplicité esthétique des pavillons de thé japonais avec une observation attentive des trabucco, ces cabanes de pêcheurs sur pilotis emblématiques de la côte italienne. Son travail s’inscrit dans une optique résolument pluridisciplinaire associant l’architecture, la scénographie, le design d’objet et d’espace, avec des incursions dans le champ du mobilier, des ecolodges, du design textile également. La variété de ses inspirations permettra aux étudiants de 1ère année du « DSAA Mode – Prospective, matériaux, art de vivre » de réaliser un moodboard qui découle de l’observation de ses créations, à partir des références à l’histoire des arts dont l’architecte s’inspire.

Continuer la lecture

Hommage à Jean-Luc Parant (1944-2022)

« La vue nous a mis en mouvement dans l’espace sans fin et nous nous sommes perdus dans l’infini ». Ainsi répondait Jean-Luc Parant à ma question de savoir comment échapper au temps (si ce n’est pas par l’art ?)

J’aimais bien l’idée qu’il ait fini son texte par le mot d’infini.

Sa disparition me rappelle la réaction incrédule de mon éditeur alors que je venais de renvoyer les épreuves de mon livre L’art amoureux de nature : il pensait qu’il y avait une erreur dans le nombre de publications de Jean-Luc Parant : « 200 : mais comment est-ce possible ? » Je confirmais pourtant, justifiant qu’il s’agissait d’un cas à part. Le chiffre était bien exact. Il s’étonnait aussi de la forme de l’entretien… « Un poème » lui répondais-je. Car celui qui s’était inventé le métier unique de « fabriquant de boules et de textes sur les yeux » expliquait modestement qu’il suffisait de faire quoi que soit, en y consacrant quelques heures tous les jours pour accomplir en définitive une Œuvre : la constance comptant apparemment parmi ses muses…

«Portrait de Jean-Luc Parant en Grande Amphore de la Mer » de Robert COMBAS et «Amphores et brisures de boules », 2019 Jean-Luc PARANT – Courtesy Galerie Pierre-Alain CHALLIER © Photo Éric Simon

Page 360 du Bout des Bordes (15) : quelques vues de l’exposition « Entre quatre zieux » à la galerie Pierre-Alain Challier, Hiver 2019-2020. A cette occasion, Jean-Luc Parant avait repris les questions que je lui avais adressées pour les transfigurer en œuvres d’art exposées, vif dialogue polyphonique en images agrémenté de peintures et dessins signés Robert Combas et de poèmes de Jean-Luc Parant. Nouvelle performance donnée à cette occasion… Le poète égrenant ses idées dans un rythme saccadé dont il avait fait sa signature, sans laisser place au silence : petits fragments de son monde quotidien captés dans la gravité de sa voix singulière. À l’image des amours félines qui semblaient proliférer dans cette « maison de l’art vivant » (envahie de chatons à donner comme de livres auxquels il avait consacrée une maison entière), j’imaginais l’effervescence et l’esprit de liberté qui pouvait régner en ce Bout des Bordes.

Le Bout des Bordes, n°15

Supervisé par Kristell Loquet dont l’œil bienveillant ouvre le 15ème numéro, cette dernière livraison du Bout des Bordes se présente comme un précipité de créations, d’envies, de rapprochements, de souvenirs et d’idées autour desquelles Jean-Luc Parant a gravité entre le 29 octobre 2011 et 2021. Invitant selon ses principes d’autres sensibilités à investir ce gros volume constitué au gré des amitiés, des rencontres, du hasard et des nécessités, ce journal de sa vie fait naturellement ressurgir Robert Combas, concentré d’énergie à l’instar de ses deux félins, intrépides acrobates de l’atelier venant s’enchâsser dans les toiles du maître, devenus motifs ahuris. Jean-Luc Parant explique, p. 368 : « Créer avec Robert Combas c’est comme renaître avec d’autres yeux et d’autres mains, c’est faire exister en moi celui qui a vu et touché ce que je n’ai moi-même jamais vu ni jamais touché. Comme si je voyais et que je touchais alors un monde que je ne connaissais pas, un monde qui était le monde, pas plus éloigné de moi que les œuvres de Robert Combas le sont sous mes yeux et sous mes mains. »

Continuer la lecture

Intervention de matali crasset auprès des étudiants en CPGE de l’Ecole Duperré

Designer française reconnue internationalement pour l’aspect novateur de ses propositions alliant créativité, humanisme et convivialité, matali crasset s’affirme depuis les années 1990 comme une créatrice polymorphe. Lors de cette présentation à l’École Duperré, elle a partagé sa vision de l’histoire du design avec les étudiants de CPGE tout en revenant sur la genèse de plusieurs de ses créations emblématiques, en particulier “Quand Jim monte à Paris” (1998) ou encore l’hôtel “Hi Matic” (2011), offrant ainsi un regard personnel et audacieux sur la thématique annuelle du concours de l’ENS « De l’Objet à l’environnement » qui résonne particulièrement bien avec son univers. Elle a abordé avec beaucoup d’émotion l’expérience décisive de sa formation à l’ENSCI / Les Ateliers puis sa collaboration avec Philippe Starck ; elle a expliqué également ses processus de création appliqués à des projets plus récents, en particulier sa création in situ pour l’ENS Paris- Saclay intitulée “L’Archipel tonique” (réalisée dans le cadre du 1% artistique en 2020). Son vocabulaire plastique s’y développe à une grande échelle. matali crasset parvient alors à marier sa gamme chromatique intense et vive en élevant le défi de la modularité à son paroxysme. C’est cet univers ludique, simple et frais, immédiatement reconnaissable qui fait sa signature bien qu’elle varie systématiquement les logiques d’intervention, au cas par cas.

Continuer la lecture

LES QUATRE SAISONS DE PIERRE GONALONS À L’HÔTEL DE SULLY

Vue d’exposition. Crédits : Stephan Julliard. © Studio Pierre Gonalons.

Rares sont les designers osant mesurer leurs créations à l’opulence et au faste du Grand Siècle. Investissant l’Hôtel de Sully à l’occasion de la Paris Design Week 2021, Pierre Gonalons relève ce défi avec élégance. Déjà avait-il manifesté l’année dernière un don pour se métamorphoser en Janus au double visage, capable de regarder à la fois vers le passé et l’avenir, lors d’une présentation exceptionnelle à l’Hôtel de Soubise. L’esthète décorateur perpétue à nouveau le rêve en all-over, conjuguant les savoir-faire ancestraux des métiers d’art à une approche visionnaire du design en s’associant aux plus grandes maisons de luxe, telles que Féau et Cie pour les boiseries, Fortuny pour les textiles, Tai Ping pour les tapis, Masiero pour les luminaires « Horo » repensés dans une nouvelle finition de verre marbré.

Continuer la lecture

Publication du livre : UN ART AMOUREUX DE NATURE. LE LAND ART ET SES MUTATIONS. Editions Ides et Calendes, Lausanne.

J’ai le plaisir de vous informer de la publication de mon livre “Un Art amoureux de nature. Le Land Art et ses mutations” aux éditions Ides et Calendes, Lausanne [Code ISBN: 978-2-8258-0295-3]
 
Lorsqu’un dialogue s’établit entre l’artiste et la nature, cela donne lieu à des œuvres dont la beauté sert souvent la profondeur des idées : parfois, les artistes écoutent la terre, la projettent, la déplacent, la scarifient ; ils explorent les états de l’eau, solides ou liquides, dans des installations grandioses ou intimistes ; ils jouent avec le feu, observent les frémissements de l’air, sondent l’espace éthéré et composent des œuvres avec la lumière. Ils s’inscrivent en symbiose avec la nature ou défient ses capacités de résistance. Rares sont les témoignages de ces artistes naturophiles. Ce livre propose à la fois d’analyser leurs œuvres et de recueillir leurs pensées, leurs propos inédits pour comprendre pourquoi ils ont assimilé les pratiques originelles du Land Art en creusant de nouveaux sillons. Comment parviennent-ils à tisser des liens privilégiés avec l’environnement naturel, dans une démarche holistique, incluant tous les éléments de la création ?
 
Qu’ils subliment la nature, affirment sa force ou révèlent ses fragilités, les Land Artists et leurs successeurs engagent tout leur être dans le passé d’une photographie, le présent d’une action ou l’avenir d’un projet à long terme. 
 
Muriel Berthou Crestey

Présentation du livre “L’Invisible photographique” mardi 2 juillet à la librairie du Jeu de Paume

Dans le cadre de la publication du livre “L’Invisible photographique. Pour une histoire intime de la photographie”, je serai heureuse de vous retrouver demain (mardi 2 juillet) pour une présentation à la librairie du Jeu de Paume à 19h : http://www.jeudepaume.org/index.php?page=article&idArt=3437
 

Depuis les origines de la photographie jusqu’à ses développements actuels, cet essai propose une redécouverte complète de l’histoire de la photographie à partir de la clé de lecture paradoxale de l’invisible.

Concrètement, la photographie est un outil de représentation qui induit un choix primordial : que verra-t-on dans le cadre de l’image ? Qu’est-ce qui est montré ou volontairement éliminé de la scène, voire censuré ? Les photographes suggèrent le hors-champ. Ils se rendent parfois invisibles pour capter la vérité d’une situation. Ils défient les limites de la perception humaine en se faisant nyctalope, en montrant l’envers du décor ou en dénonçant les zones volontairement dissimulées par les pouvoirs politiques. Ils nous font voir l’absence, redonnent vie à des images. Ils capturent les sentiments. Deux photographes réalisent un cliché pour un même évènement : il en résulte deux expressions différentes qui révèlent – chacune à leur manière – leur sensibilité. Certains photographes travaillent sur des phénomènes optiques provoquant l’éblouissement. Le vocabulaire plastique de l’invisible photographique se déploie autour de l’agrandissement, la découpe et le prélèvement. Enfin, des net-reporters infiltrent les cybermondes pour en restituer des représentations du « jamais vu ».

À partir d’études de cas précis, il s’agit de déployer toute une typologie des formes d’invisibilité allant du non-vu qui s’applique plutôt à la technique jusqu’à l’anti-visible, lié à l’anthropologie visuelle.

 
 

Publication : “Au coeur de la création photographique” (Ides et Calendes). Entretiens avec Sabine Weiss, Lucien Clergue, Sarah Moon, Peter Lindbergh, Christian Boltanski, Pierre et Gilles, Philippe Parreno, Valérie Belin, Alain Fleischer, etc.

Quels sont les regrets ou les surprises qui ponctuent une vie de photographe ? 

En nous ouvrant les portes de leurs ateliers et de leurs imaginaires, les artistes nous ont donné accès aux arcanes de la création.

Qu’ils innovent avec les technologies numériques, s’affranchissant parfois des normes, ou qu’ils optent pour des techniques traditionnelles, les photographes nous ont transmis des informations qui éclairent et approfondissent la compréhension de leurs démarches.

La variété des approches expérimentales, conceptuelles ou esthétisantes donne une pluralité de sens à l’image photographique. Mais toujours, elle cristallise la personnalité de son auteur.

J’ai sélectionné des photographes et artistes utilisant cet outil d’expression pour leur faculté à ménager une réflexion sur les procédures invisibles. Au fil de nos dialogues, je cherche à découvrir toutes les strates temporelles qui se sont cristallisées dans la mince pellicule photographique. Comment se sont forgés les points de départ, le thème, les formes, la composition, les couleurs, la recherche du modèle et les consignes qui lui sont données, le décor et l’inscription géographique ou environnementale ?

L’entretien d’artistes permet d’entrer dans l’intimité de l’acte de création. Il s’agit de sonder les mécanismes à partir desquels se construisent les idées artistiques, les méthodes créatives et les œuvres.

Frank Horvat, Autoportrait avec un ami, Milan, Italie, 1947.

D’où vient le vocabulaire plastique ?

J’examine la diversité des dispositifs liés au médium photographique pour montrer son potentiel créatif et ses formes de préméditation lors de la prise de vue. Peut-on prévoir le résultat au moment du déclic ? En quoi l’instantané s’inscrit-il dans la durée ? Comment les images mentales, les inspirations et les fantasmes se transforment-ils potentiellement au contact du réel et de l’illusoire machine à enregistrer les contours du monde ?

Quels sont les états d’âme des photographes ? En quoi les nouvelles technologies ont-elles modifié leurs pratiques ? Que feraient les photographes s’ils pouvaient devenir invisibles ?

Les rencontres ont lieu le plus souvent dans l’atelier de l’artiste. La durée fixée au préalable installe des rythmes variés dans le cheminement de ces dialogues, du plus saccadé aux réponses fleuves. La singularité de leurs démarches se révèle progressivement dans la manière dont ils réfléchissent au dédoublement de l’intention ou de l’intuition qui déclenchent leurs pratiques.

Ce livre comprend 24 entretiens avec les artistes suivants : Renaud Auguste-Dormeuil, Patrick Bailly-Maître-Grand, Valérie Belin, Christian Boltanski, Jean-Christian Bourcart, Thibault Brunet, Denis Darzacq, Vincent Debanne, Lucien Clergue, Laurent Grasso, Alain Fleischer, Joan Fontcuberta, Frank Horvat, Dominique Issermann, Edouard Levé, Peter Lindbergh, Anna Malagrida, Sarah Moon, Philippe Parreno, Pierre & Gilles, Susanna Pozzoli, Eric Rondepierre, Patrick Tosani, Sabine Weiss.

Chaque dialogue est introduit par un texte biographique éclairant la démarche de l’artiste ainsi que les conditions dans lesquelles se sont déroulées les entretiens.

“Au coeur de la création photographique”, Ides et Calendes, 212 p. 24 portraits couleurs de photographes. 

Code ISBN: 978-2-8258

Publication : “Apparitions fantastiques”, Presses Universitaires de Rennes (Lauric Guillaud et Gérald Préher (dir.)), Juillet 2018

Je publie mon article sur “Les Spectres de la lumière” dans le volume consacré aux “Apparitions fantastiques” faisant suite au colloque organisé à Angers sous la direction de Lauric Guillaud et Gérald Préher.

Continuer la lecture

Dialogue à quatre mains à la galerie « Camera obscura »

Sarah Moon, Coquelicot. 1998 Tirage charbon couleur 58 x 44 cm.

Les photographies de Sarah Moon ont le charme d’anciens miroirs dont le tain en partie corrodé libère l’objet de sa fonction pour devenir simple sujet de contemplation. Les effets du hasard et du temps s’y révèlent. Ses images s’émancipent de leurs sujets. Ainsi, des bouquets de fleurs représentent – sinon la nature – des allégories de la grâce ou de la vie, peut-être… Les mariages chromatiques des pivoines, pavots et tulipes les font basculer dans un univers parallèle qui ressemble à la peinture. Ses photographies donnent une impression de mouvement quand une baigneuse s’immobilise. Ici se joue la rencontre avec l’univers pictural et instinctif d’Ilona Suschitszky.

Ilona Suschitszky, Bouquet, 2017. Dessin, fusain. 57 x 82cm.

Dans ces représentations où l’évanescence se dispute à la beauté, les champs picturaux et photographiques se fertilisent. La peintre déploie des projets minutieux, délicats, où la broderie vient apporter un rythme différent aux livres ainsi ponctués de petites saillies vermillon. La photographe conjure la fixité de son médium par le floutage des contours. Indéniablement, des secrets d’ateliers s’y jouent, s’inscrivant par là-même dans la tradition des peintres. Leurs œuvres ont – avant tout – pour point commun d’être gracieuses mais aussi froissées, comme on le dirait de manière figurée d’une personne blessée qui veut sauver les apparences. Sarah Moon parvient à photographier le rouge, plus encore que la fleur de coquelicot. Le tirage charbon donne à cette composition uniflore une radicalité manifeste.

Vues de l’exposition à la galerie Camera obscura, 2018.

Une dimension narrative émane forcément dans l’évanescence des silhouettes, la superposition de textures venues l’on ne sait d’où, la nature enfin, dans ses plus belles parures. Si l’on avait déjà eu un aperçu de la relation artistique qui unit depuis longtemps les deux artistes lors de l’exposition « Alchimies » à la Grande galerie de l’évolution, elle s’exprime ici avec une logique désarmante, où un médium s’imprègne des codes de l’autre pour détourner le classique vers l’étrangeté. Dans le projet « Hidden », la peintre réinterprétait déjà la photographie de S. Moon en dessin… La rencontre peut se rejouer puisqu’elles partagent certainement un même objectif : réenchanter un monde quand bien même il conserverait les stigmates – cachés ou pas – de ses afflictions. Le frôlement des lumières participe de ces histoires denses et grainées, souvent mélancoliques, mais chaque fois d’une grave beauté.

Exposition « Convergence » à la galerie « Art district »

Vue de l’exposition “Convergence”, Art District gallery.

Autour de la réunion des médiums (photographie et peinture) peuvent se nouer parfois des rencontres inattendues : celle de Liu Bolin et David Lachapelle qui occupent le fond de la galerie « Art district » située dans le Royal Monceau en est un exemple. D’un côté, l’artiste chinois pointe la censure en se faisant recouvrir de peinture pour confondre son corps – en trompe l’œil – dans un arrière-plan (série « Hiding in the city »). De l’autre côté, David Lachapelle – célèbre pour ses images stéréotypées, saturées, retouchées à l’extrême, déploie une gamme chromatique jonglant entre stéréotypes publicitaires et expressionnisme baroque. Le photographe Tomaas extrapole les effets de la surimpression pour leur donner une dimension fantastique, fantasque et fantasmée. Sentinelles ou gardiennes ? Des enfers ou du paradis ? Ses modèles font corps avec les plafonds du Louvre dont il a soigneusement restitué la profondeur des reliefs, la précision des détails et les ouvertures sémantiques qu’ils abritent. Les noirs, très denses, s’assemblent aux ors et rouges incandescents de ces êtres aériens, « superficiels et légers ». Les motifs entrecroisés de ses images pigmentées se conjuguent à la brillance du diasec, apportant aux textures, matières et détails des contrastes décuplés. Il y a une humanisation des architectures à mesure que ces déesses imaginaires arborent leurs attributs.

Vue de l’exposition “Convergence”, Art District gallery

La recherche de mouvement est un fil rouge dans l’exposition. Initialement danseur, Grégoire A. Meyer insuffle de l’énergie dans ses compositions défragmentées où les représentations se délitent progressivement. Plus que photographe, il se définit comme un « digital artist » puisqu’il parvient à créer ces effets avec les logiciels informatiques. Dans une esthétique post-industrielle, Javier Martin associe l’image photographique au néon – devenu un topos récurrent de l’art contemporain depuis l’époque du minimalisme américain.

Plus connus pour ses interventions musicales (i. e. Buddha Bar), Arno Elias convoque une faune de références… Il présente des photographies, certes, mais agrémentées de poudres de diamant, dégoulinures, drippings maîtrisés, avec quelques feuilles d’or glissées par-ci par-là indépendamment du motif : dans cette jungle pop et abstraite, les animaux sauvages en noir et blanc camouflent les craquelures de leurs peaux (éléphant) ou leur fourrure voluptueuse (lion) sous les jets de couleurs qui les révèlent d’autant plus par effet d’opposition.

Dan Tague explore un nouveau thème : celui des natures mortes pécunières. Le photographe basé à la Nouvelle Orléans plie des billets de banque et joue avec ces origamis qui deviennent les métaphores de son activisme. Ces représentations percutantes interpellent par leurs cadrages serrés sur ces billets qui deviennent le support de nouvelles transactions.

Entretien avec Sépànd Danesh, le 24 janvier à l’EHESS (Séminaire de recherche en arts, CRAL)

Mercredi de 15 h à 17 h (salle BS1_28, 54 bd Raspail 75006 Paris)

Sépànd Danesh, Jack and the Industrial Magic Beanstalk, 2017. Acrylique sur toile. 120 x 90 cm.

L’artiste Sépànd Danesh m’a invitée à être « répondante » dans le cadre d’une intervention au « séminaire de recherche en arts » du CRAL. Cette rencontre sera notamment l’occasion de mettre en perspective les jeux de contrastes qui régissent sa pratique autour de trois principaux verbes : imaginer, construire et extrapoler. À chaque étape correspond un médium différent : d’abord il dessine, ensuite, ses idées s’incarnent via un logiciel 3D (C4D) où des vues d’intérieurs prennent forme – enfin ses mises en scène sont projetées par l’intermédiaire d’un rétroprojecteur sur des toiles apprêtées par ses soins. Alors, il peint ce réel reconfiguré où les formes géométriques s’intègrent dans des rectangles… Ailleurs, l’artiste s’autorise le dynamisme de châssis triangulaires, voire circulaires, etc. Les mises en abyme décuplées sont des clins d’œil, référenciations, échos, miroirs… Toile dans la toile, accrochages en tous genres dans toiles accrochées… Les rebonds sont partout. C’est ainsi que la tridimensionnalité rejoint le domaine du pictural. Les équerres ne sont plus d’équerre dans ces effets de perspective réinventés par l’ordinateur. Les damiers se prêtent à des distorsions inattendues. La géométrie s’évade de ses principes. L’œil albertien se mêlerait-il au bionique ou à l’ingénu ? Picasso disait avoir mis « toute sa vie à peindre comme un enfant ».

Sépànd Danesh, Ulysse, 2016. Acrylique et spray sur toile. 140 x 200 cm.

L’exposition monographique de Sépànd Danesh à la galerie Backslash présente jusqu’au 24 février les trompe l’œil techno-picturaux du jeune artiste sorti diplômé des Beaux-arts de Paris en 2010. Les référents d’origine (tableaux, sculptures, iconographie populaire et médiatique, etc.) se transforment en avatars dont les échelles perturbent l’identification. Des pixels aux pinceaux se trame une métamorphose où les Ménines de Vélasquez, les protagonistes de l’Annonciation, le Minotaure, le Penseur de Rodin deviennent des personnages au même titre que d’autres passants de notre quotidien. Difficile de reconnaître ici la pose de la statue, ailleurs, la référence au labyrinthe devenu all-over. Fond et forme empiètent parfois l’un sur l’autre. A l’instar d’Internet où les hiérarchies se brouillent et les images se formatent dans une succession de rectangles aux formats identiques, les personnages qui circulent dans ces environnements ceints de grands motifs, naviguent entre deux eaux… A moins que les vagues ne se changent parfois en flammes rougeâtres… Dans une scène de déluge, une architecture à la Escher trône au centre de la toile comme un havre en retrait, sans présence humaine.

Sépànd Danesh, Hubtopia, Vue d’exposition à la galerie Backslash, 2018.

Tout est réversible dans le monde hyperconnecté d’Hubtopia où les références sympathisent. Les toiles deviennent des territoires clôts dont les motifs répétitifs semblent pouvoir se prolonger hors-cadre, tant ils suggèrent un mouvement régulier, réplicable à l’infini. Les tapisseries prendraient-elles l’ascendant ? Une révolution picturale s’organise peut-être. Quand Matisse voulait annuler la profondeur pour composer avec l’ornemental, Sépànd Danesh fait basculer l’horizon à quatre-vingt-dix degrés, restreint les crépuscules au cadre d’une représentation « sur place ou à emporter ? »… L’ornemental acquiert une importance égale aux sujets dont il concurrence l’attention. La superposition des couches préserve parfois les repentirs. Au creuset des cultures, des tours évoquent des panoptiques où le contrôle s’exerce tout en protégeant son habitant des regards. Les pixels agrandis redessinent les silhouettes, les perdent dans un anonymat temporaire (jusqu’à la lecture du titre !) et quelquefois les suspendent au rêve d’une petite étagère aux fixations invisibles venue dessiner une ombre légère sur des aplats acryliques. Car il y a bien un vocabulaire plastique récurrent dans les œuvres de Sépànd Danesh qui remplace souvent la tonique – cette petite touche de couleur vive qui renforce la profondeur des nuances dans un tableau – par un élément naïf qui vient faire basculer les codes de représentation et brouiller les interprétations… Le regard en coin, espiègle !

Sépànd Danesh, Architecture, 2017, Acrylique sur toile.

“Une œuvre d’art est un coin de la création vu à travers un tempérament ” selon les mots d’Émile Zola. Sépànd Danesh a placé cet espace illimité, aux frontières sémantiques et physiques floues, au centre de son travail. Il a modifié sa fonction. L’artiste a fait de ces lieux où habituellement, le regard se dérobe, un espace centrifuge où la composition s’organise. Placés à contre-jour, des panneaux indicateurs laissent toute liberté au spectateur d’imaginer les destinations de ses rêves. Des peintures comme les siennes, on n’en voit pas à tous les coins de rue !

Sépànd Danesh, Encyclopédie de l’imagination #423, 2015. Techniques mixtes sur papier, 29,7 x 21cm.

Parallèlement à cette pratique picturale qui emprunte aux technologies ses ressources, il se prête à une activité quotidienne de dessins fractionnés, rapides, agrégeant des micros symboles. Ce carnet de notes graphiques est au service d’une “encyclopédie de l’imagination”. La répétition en sera alors peut-être la clé. Car Sépànd Danesh se livre parfois à un autre geste, mêlant cette fois performance et objet : celui de réécrire à la main les mêmes phrases typographiées d’un ouvrage proustien. À nouveau, l’intelligence de la main rejoint la technologie, le présent contamine ce qui a été écrit. C’est une autre expression du mème qui se met en œuvre.

« France augmentée » à la galerie Binome

Eric Tabuchi, Artemare, Bugey. Série Peintures figuratives. Atlas des régions naturelles, 2017.Impression pigmentaire sur papier baryté Canson.

Le paysage serait-il une « parcelle arrachée à la réalité » ? Un point de vue sur une scène bucolique ? Un moyen de restituer les collines, les forêts et les dunes en perspective atmosphérique ? Déjà, la théoricienne Anne Cauquelin avance, en 1989, qu’il serait un équivalent construit de la nature, nécessitant toujours le filtre de la représentation. La peinture est bavarde et en propose quantité d’incarnations. Est-il parfois champêtre, boisé, agraire ou « théâtre de verdure » ? Vous ne verrez pas ces poncifs à la galerie Binome et pourtant, il est partout question de paysages d’un genre nouveau.

Thibault Brunet, sans titre #74, série Typologie du virtuel, 2016. Tirage jet d’encre sur papier Hahnemühle Fine art Harman contrecollé sur aluminium.

L’exposition propose jusqu’au 22 décembre des définitions inédites du paysage au double sens conceptuel et physique : tout en élargissant cette notion à des territoires inédits, le recours au virtuel ainsi que la reprise d’images numériques créent des effets de pixels et de résolutions différentes de l’esthétique analogique. Tout est changé et surprend ici : des formats carrés, des photographies de paysages qui n’existent pas, des paysages plus culturels enfin, avec une vidéo de Robin Lopvet qui joue la carte de la reprise portée à saturation. L’entremêlement des références les défait de leur réalité : sur la bande-son de Voyage Voyage (Desireless) une voix monocorde égrène les titres d’ouvrages du catalogue Gallimard alors que les références aux tableaux qui peuplent les imaginaires collectifs s’entrechoquent. Les ambiances – souvent rurales – sont méconnaissables une fois prises dans ce nouveau flux qui les enchaîne et morcelle les représentations. Il nous parle de l’accumulation de stimuli visuels et narratifs. Les hiérarchies s’effacent dans le nivellement des informations et la circulation favorisée des images. Répertoire vernaculaire et muséal sont placés – littéralement – sur un même plan.

Robin Lopvet, Voyage Voyage (photogramme), 2017.

L’artiste français né en 1990 a retravaillé grossièrement ces tableaux trouvés avec des systèmes de remontages, de copier-coller rapide et d’images intriquées, dans une esthétique qui manie les contrastes. Les aplats de couleurs primaires faussées par le logiciel de retouche s’affrontent aux nuances plus ou moins perceptibles dans les tableaux choisis. Allusion à la méthode des « ciels rapportés » de Gustave Le Gray, il efface, décontextualise, réintroduit les acteurs dans d’autres environnements. Le fond de transparence crée des petits carrés rythmés où les silhouettes des personnages se découpent. Dans cet océan de représentations, Robin Lopvet déplace les montagnes et les mers.

Emprunté à la tradition picturale, ce genre académique impliquait jadis la prise en compte de codes déterminés allant jusqu’à donner son nom à un format horizontal particulier. Les artistes présentés ici s’en emparent pour mieux les déconstruire. L’intérêt des œuvres réunies par Valérie Cazin, directrice de la galerie, et Emilie Traverse, réside dans l’ouverture de sens et de pratiques suggérées par les artistes d’aujourd’hui : en proposant des approches singulières et très différentes autour de ce thème repensé, les artistes élaborent – chacun à leur manière – un chantier nouveau pour reconstruire l’idée de paysage.

Marc Lathuillière, Le Transformateur, série Fractal spaces, 2017. Duraclear sur miroir.

Il s’agit d’un déplacement littéral : avec Fractal spaces (2016), Marc Lathuillière nous plonge dans un bain de végétation sauvage ayant envahi des zones périphériques, désaffectées, comme le château de la belle-au-bois-dormant, avec un jeu de miroirs qui interroge la place du spectateur comme un acteur de l’environnement.

Michel Le Belhomme, sans titre #106, série Les deux labyrinthes 2014-17

Michel Le Belhomme s’affronte à l’évocation graphique d’un paysage suggéré. Les traits saccadés ont l’esthétique – encore ici – des images fractales. Elles définissent les composants habituels de ce type de représentation : une montagne ? Et pourtant, les traits évasifs de cette photographie qui brouille la ressemblance extrapolent l’inaperçu.

Thibault Brunet, sans titre, série Typologie du virtuel, 2013-16
édition de 5 – 36 photographies 20x20cm
tirages jet d’encre sur papier Hahnemühle Fine Art Harman
encadrement blanc, verre anti-reflet

C’est une expression péri-urbaine du paysage que nous offre cette fois Thibault Brunet, habitué depuis dix ans à photographier des « images mentales », en ce sens qu’elles n’existent que dans la tête des modélisateurs ou concepteurs de jeux vidéo et d’images dont ils s’inspirent eux-mêmes pour composer des reconstitutions. Ses prises de vue sont souvent faites dans des environnements virtuels. C’est le cas ici puisqu’il expose quelques images de sa série « Typologie du virtuel » (2013-2016), réalisée peu après qu’il ait rejoint la Mission Photographique “France(s), Territoire Liquide”. Ce flâneur d’une nouvelle ère a trouvé dans les architectures modélisées sous pseudonyme sur Google Earth, un motif ready-made. Ce sont des images en latence, puisqu’elles n’existent pas – physiquement – en dehors du contexte où elles se trouvent et du bâtiment qu’elles tentent de reconstituer fidèlement en 3D. La force du geste artistique de Thibault Brunet consiste à les transposer dans l’univers des possibles, en leur donnant une vie réelle, une matérialité inespérée avec le tirage photographique. Il suit un protocole précis pour y parvenir : après l’étape de la sélection et captation vient le passage en post-production. Le choix de la couleur principale définit la gamme chromatique et fédère l’aspect sériel. Mais surtout, l’ajout d’une ombre leur donne une présence incarnée. Celle-ci correspond à l’horodatage où l’image a été postée. La lumière utilisée par Thibault Brunet n’a rien de réel ; elle est plus qu’artificielle : elle est virtuelle. Où positionner alors le curseur entre illusion et réalité, trois dimensions et photographie, fiction et science, matériel et virtuel ?

Frédéric Delangle, sans titre, Paris 10-1 par Angelica Cordero, série Paris-Medellin, 2017. Tirage pigmentaire sur papier mat peint à la main.

Cette manière de mettre à contribution le travail d’autrui est aussi présente chez Fred Delangle qui interroge le regard culturel porté sur les territoires. Que se passerait-il si des peintres de rues indiens recoloraient les villes ? Le photographe s’est prêté au jeu. Il a donné ses photographies noir et blancs du Grand Paris à recolorier en Inde puis en Colombie. Avec Paris-Medellin (2017), les questions de mondialisation et le rapport à notre environnement urbain est repensé de façon étonnante et stimulante.

Corinne Vionnet, Budapest, series Photo opportunities, 2017.

Cette préoccupation est aussi très présente chez Corinne Vionnet dont la pratique de récupération et d’assimilation d’images à partir de mots-clés tapés dans un moteur de recherche est devenu symptomatique de notre civilisation du regard. « Photo opportunities » questionne le point de vue, la subjectivité, la distance, le chœur des représentations qui nous construit. Les images accumulées des mêmes monuments les font vibrer à l’unisson, comme les voix qui répètent les mêmes paroles avec des octaves différentes dans un orchestre. Internet devient un terrain d’exploration pour observer la dialectique entre collectif et singularité. Avec ses « peintures figuratives », Eric Tabuchi réalise un cadre dans un cadre, une mise en abyme de la peinture dans la photographie : des fresques effectuées par des peintres en lettre colorent des lieux ordinaires ou pas. Centrées dans l’image, elles sont des respirations où le regard peut s’évader pour échapper à l’ordinaire ou offrir un prolongement à des espaces pittoresques. Les trois images présentées s’inscrivent dans un vaste projet encyclopédique – Atlas des régions naturelles qu’il mène actuellement à travers toute la France.

L’accrochage « France augmentée » est conçu comme un prolongement à la rétrospective « Paysages français. Une aventure photographique (1984 – 2017) » actuellement présentée à la BnF dont elle creuse le versant numérique.

Claude Iverné à la Galerie Agathe Gaillard

L’objectif de Claude Iverné est-il de nous promener dans ces chaudes contrées qu’il arpente depuis de nombreuses années ? L’horizon recouvre une continuité dans un sobre photomontage associant deux photographies – légèrement disposées en décalage – d’un désert distant. Quelquefois, les perspectives s’écrasent. Loin de la démarche du reporter, le photographe français ne se contente pas de documenter la réalité difficile du Soudan dont il est le témoin, encore moins d’en révéler une vérité.

Continuer la lecture