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Exposition « Convergence » à la galerie « Art district »

Vue de l’exposition « Convergence », Art District gallery.

Autour de la réunion des médiums (photographie et peinture) peuvent se nouer parfois des rencontres inattendues : celle de Liu Bolin et David Lachapelle qui occupent le fond de la galerie « Art district » située dans le Royal Monceau en est un exemple. D’un côté, l’artiste chinois pointe la censure en se faisant recouvrir de peinture pour confondre son corps – en trompe l’œil – dans un arrière-plan (série « Hiding in the city »). De l’autre côté, David Lachapelle – célèbre pour ses images stéréotypées, saturées, retouchées à l’extrême, déploie une gamme chromatique jonglant entre stéréotypes publicitaires et expressionnisme baroque. Le photographe Tomaas extrapole les effets de la surimpression pour leur donner une dimension fantastique, fantasque et fantasmée. Sentinelles ou gardiennes ? Des enfers ou du paradis ? Ses modèles font corps avec les plafonds du Louvre dont il a soigneusement restitué la profondeur des reliefs, la précision des détails et les ouvertures sémantiques qu’ils abritent. Les noirs, très denses, s’assemblent aux ors et rouges incandescents de ces êtres aériens, « superficiels et légers ». Les motifs entrecroisés de ses images pigmentées se conjuguent à la brillance du diasec, apportant aux textures, matières et détails des contrastes décuplés. Il y a une humanisation des architectures à mesure que ces déesses imaginaires arborent leurs attributs.

Vue de l’exposition « Convergence », Art District gallery

La recherche de mouvement est un fil rouge dans l’exposition. Initialement danseur, Grégoire A. Meyer insuffle de l’énergie dans ses compositions défragmentées où les représentations se délitent progressivement. Plus que photographe, il se définit comme un « digital artist » puisqu’il parvient à créer ces effets avec les logiciels informatiques. Dans une esthétique post-industrielle, Javier Martin associe l’image photographique au néon – devenu un topos récurrent de l’art contemporain depuis l’époque du minimalisme américain.

Plus connus pour ses interventions musicales (i. e. Buddha Bar), Arno Elias convoque une faune de références… Il présente des photographies, certes, mais agrémentées de poudres de diamant, dégoulinures, drippings maîtrisés, avec quelques feuilles d’or glissées par-ci par-là indépendamment du motif : dans cette jungle pop et abstraite, les animaux sauvages en noir et blanc camouflent les craquelures de leurs peaux (éléphant) ou leur fourrure voluptueuse (lion) sous les jets de couleurs qui les révèlent d’autant plus par effet d’opposition.

Dan Tague explore un nouveau thème : celui des natures mortes pécunières. Le photographe basé à la Nouvelle Orléans plie des billets de banque et joue avec ces origamis qui deviennent les métaphores de son activisme. Ces représentations percutantes interpellent par leurs cadrages serrés sur ces billets qui deviennent le support de nouvelles transactions.

Colloque « Leurrer la nature », 25 et 26.01.12

Dans le cadre du colloque « Leurrer la nature », j’interviens à propos de l’artiste Liu Bolin le jeudi 26 janvier au Collège de France (salle Halbwachs).

Liu Bolin, série "Hide in the City", Nine Dragons Screen, 03-2010

Comme les buissons de Dante ou Daphné métamorphosée par l’imagination d’Ovide, l’artiste contemporain Liu Bolin se défait temporairement de son apparence humaine. Le plus souvent, c’est dans les villes qu’il se fond, faisant du mimétisme un langage plastique. Le temps d’une photographie, il compose un ensemble de mises en scène afin de dissoudre sa propre image dans le tissu urbain. Voulant mettre au jour certaines préoccupations politiques et culturelles, il a choisi un code singulier pour faire passer ses idées : en 2005, Liu Bolin découvre son atelier pékinois dévasté. En se dissimulant dans le paysage, il donne un voir une représentation collective qui dénonce le statut de l’artiste dans son pays. Parfois imperceptible, sa présence dans l’image sollicite une attention particulière. Liu Bolin se cache dans l’oppression pour ne pas y disparaître, ne pas y laisser sa peau. Ses mues sont labiles, donnant parfois à sa détection une forme ludique. Intégré au centre culturel et politique de la Chine, le plasticien occupe volontairement des lieux chargés d’histoire et de sens, se métamorphose en fonction des diktats des lieux. L’artiste est pris dans le tissu conjonctif de l’image. Se pourrait-il qu’il devienne invisible aux yeux d’Argos ? Paradoxalement, Liu Bolin s’enferme dans l’image pour ne pas être prisonnier d’un système. Depuis cinq ans, celui-ci parait infatigable dans ce jeu de cache-cache et d’inclusion visuelle, produisant un art de la dissimulation et de la feinte, assimilant le fond et la forme pour fusionner avec l’environnement. La ville se présente comme un curieux théâtre où l’acteur devient invisible, pour reprendre le titre de l’ouvrage de Yoshi Oida, acteur japonais prônant l’art de disparaître dans le personnage qu’il incarne. Une leçon appliquée depuis longtemps par les adeptes du théâtre traditionnel chinois (canjunxi). Une fois photographiés, ces montages génèrent un nouveau type de trompe l’œil évoquant une mise en abyme du dispositif photographique, à savoir ce procédé « caméléon » en perpétuelle adaptation face aux innovations. Néanmoins, il y a un certain paradoxe à l’utiliser aujourd’hui comme un leurre mimétique alors même que l’on ne croit plus à une vérité photographique ou à la théorie du référent.

Liu Bolin : Des corps décors

Liu Bolin, Hiding in the City No. 85, 2009. Courtesy Gallery Eli Klein, NY

Liu Bolin vit à Pékin (Beijing), dans la « capitale du nord », fief de la République populaire de Chine. Ce jeune artiste a été diplômé en 2001 de la Central Academy of Fine Arts de Pékin. C’est dans cette mégalopole connaissant une croissance économique exponentielle depuis les années 2000 (plus de 10% par an) qu’il a mis au point, en 2006, un système d’ « incorporations photographiques ». Il a ainsi composé un ensemble de mises en scène afin de dissoudre sa propre image dans le tissu urbain. Son exposition new yorkaise conçue autour de la série « Hiding in the city » vient de s’achever à la galerie Eli Klein.

Il convient de s’interroger sur les motivations du plasticien. Voulant mettre au jour certaines préoccupations politiques et culturelles, il a choisi un code singulier pour faire passer ses idées : le langage de l’image. En 2005, Liu Bolin découvre son atelier pékinois dévasté.

Pour se mettre dans la peau d’un habitant de Beijing, il faut d’abord imaginer le smog imprégnant les rues pékinoises jusqu’à la grande muraille qui jouxte la ville. Il s’agit surtout de se représenter la course économique à laquelle cette grande puissance, parfaitement assimilée à notre société de la vitesse et de l’accélération, se livre. Au contraire, les mises en œuvre de Liu Bolin relèvent littéralement d’une politique de la décélération : l’artiste attend souvent plusieurs heures, statique, afin d’être imprégné progressivement des couleurs du lieu, de l’espace. Les gestes de ses collaborateurs sont minutieux et tendent à un réalisme maximum. Où est l’être humain dans ces environnements urbains ?

La réception d’une image de Liu Bolin nécessite de prendre du temps. Parfois imperceptible, la présence de l’artiste sollicite une attention particulière. Il s’agit de s’habituer au caractère ambiant des atmosphères pour discerner la figure humaine, à la manière dont le regard perdu dans l’obscurité requiert un temps d’adaptation pour y discerner les contours des objets. Liu Bolin se cache dans l’oppression pour ne pas y disparaître, ne pas y laisser sa peau. Ses mues sont labiles, donnant parfois à sa détection une forme ludique.

Réclusion stratégique

Liu Bolin, Hiding in the City No. 17- People's Policeman, 2006. Courtesy gallery Eli Klein, NY

Intégré au centre culturel et politique de la Chine, le plasticien occupe volontairement des lieux chargés d’histoire et de sens, qu’ils soient intérieurs ou extérieurs. Incrusté au sein de panneaux électoraux, dans des drapeaux, des murs ou des barrières, des symboles de la Chine (cité interdite, mausolée de Mao Zedong) ou de l’industrialisation (bulldozer, panneaux publicitaires), il se métamorphose en fonction des diktats des lieux. On en voit de toutes les couleurs. L’artiste, lui, est pris dans le tissu conjonctif de l’image. Se pourrait-il qu’il devienne invisible aux yeux d’Argos ? Paradoxalement, Liu Bolin s’enferme dans l’image pour ne pas être prisonnier d’un système. Depuis quatre ans, celui-ci paraît infatigable dans ce jeu de cache-cache. Liu Bolin aura le dernier mot.

Inclusion visuelle et photographique

L’art de la dissimulation mis en œuvre par Liu Bolin repose d’abord sur une séduction visuelle. Son équipe d’assistants reproduit les tracés de l’environnement afin qu’ils se prolongent sur son visage et ses vêtements. Dix heures sont parfois nécessaires pour que l’illusion soit parfaite. Il s’agit alors d’assimiler le fond et la forme, de fusionner avec l’environnement. Une fois photographiés, ces montages génèrent un nouveau type de trompe l’œil.

Intimement intégré à la société, le dispositif photographique pourrait lui même être envisagé comme un procédé « caméléon », en perpétuelle adaptation face aux innovations. « La photographie se fond dans le décor » pour reprendre l’expression de Philippe Ortel (La littérature à l’ère de la photographie). Néanmoins, il y a un certain paradoxe à l’utiliser aujourd’hui comme un leurre mimétique alors même que l’on ne croit plus à une vérité photographique ou à la théorie du référent. Pourtant, l’artiste chinois est bien loin de fomenter un complot ontologique. L’appareil photo est pour lui un outil ; une façon de donner à voir des sculptures humaines dont les métamorphoses se confondent avec le paysage. Il n’y a pas de retouche. La puissance de ces photographies réside dans leur capacité à dissimuler un questionnement politique au sein d’une apparence attrayante.

Exclusion

Liu Bolin, Teatro alla Scala, 2010. Courtesy Gallery Eli Klein, NY

Pour sa plus récente série, en 2010, Liu Bolin se rend en Italie afin d’y appliquer ses stratagèmes de fusion temporaire avec l’environnement. C’est le confort écarlate des fauteuils de velours du Teatro alla Scala qu’il photographie comme une allusion aux couleurs du drapeau chinois. Le théâtre est vide ? Pourtant, un échange de regards se produit. La présence d’un spectateur se révèle alors. Et c’est nous qu’il regarde. La perspective est accusée, suivant une direction oblique.

Ailleurs, il se fond au milieu de vues touristiques, réalisant de nouveaux camouflages. La ville se présente comme un curieux théâtre où l’acteur devient invisible, pour reprendre le titre de l’ouvrage de Yoshi Oida, acteur japonais prônant l’art de disparaître dans le personnage qu’il incarne. Une leçon appliquée depuis longtemps par les adeptes du théâtre traditionnel chinois (canjunxi). Ils utilisent des maquillages expressifs et stylisés en guise de masque. A grand renfort de peintures, Liu Bolin poursuit cet art du déguisement en lui attribuant une destination nouvelle. En apparence, la vue de ces clichés éveille à l’esprit la farce de ses ancêtres. Rien à voir pourtant avec les acrobaties et les danses savantes auxquelles se prêtent ces acteurs, prêts à tout pour capter l’attention. Au contraire, la position de Liu Bolin est droite, frontale, fortement ancrée dans le sol. Il disparaît et la tradition s’estompe. Quelquefois à cheval entre des piliers d’architectures et l’eau du canal, il n’est pas étranger au monde. Il en fait partie intégrante.

Son art est engagé. Il vise à parler du corps politique justement parce qu’il a trait à l’esthétique, au régime du visible et de ce qui est vu. Il pose la question de l’humain dans un monde en mutation. Comment se découpent les corps dans les villes ? Quelles sont les répartitions et leur marge d’émancipation au regard d’une société ? Autant de questions abordées de front par l’art saisissant de Liu Bolin.