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REMY MARLOT, Le veilleur du Val – Arles, Voies Off (10.07) – Lectoure (à partir du 17.07)…

L’actualité particulièrement riche de Rémy Marlot nous renvoie un reflet miroitant avec la publication récente de sa monographie. La lumière du jeune photographe semble s’écrire avec des pleins et des déliés. Car « chaque homme dans sa nuit s’en va vers sa lumière » (V. Hugo, les Contemplations).

Les images de Rémy Marlot sont belles. Belles sont les images de Rémy Marlot… Ainsi le spectateur pourrait-il se répéter indéfiniment la petite litanie d’une réalité qui ne se discute pas. Mais un regard attentif décèle un détail faisant soudain basculer vers une autre lecture. Dans la série « Sans titre », une photo montre un trou urbain transformé en havre de verdure ; au centre, une construction. Disséminés dans cette première scène, il y a cinq points rouges qui se distribuent dans l’espace de la représentation : au côté gauche, le panneau indicateur dont la flèche taguée d’une bombe vermillon amène le regard vers un feu de signalisation. Au bas du lieu marqué « refuge », une tache de lumière fait écho à la petite cabine pointillée de rouge, comme un signal d’alarme. Enfin, au côté droit de l’image, un panneau d’interdiction émerge de l’obscurité dense et profonde.

On attend toujours l’action.

Cette image est aussi la couverture du livre. Regardant ce cliché format paysage semblant tout droit sorti d’un film en cinémascope, on se demande si la pratique artistique de Rémy Marlot est si éloignée de celle de Marlow détective (peut-être une image double ?), incarné à l’écran par Humphrey Bogart et Robert Mitchum… Ce n’est pas une nuit américaine (procédé cinématographique donnant l’illusion de la nuit), mais une scène nocturne, qui a lieu en Suisse. Boîtier moyen format, émulsion « vivid color », poses longues. Les couleurs sont brillantes. Elles luisent. Car Rémy Marlot inverse les positions : ici, c’est une émulsion « lumière du jour » posée la nuit qui produit cette atmosphère irréelle où, plus qu’un rayon vert, c’est un éclairage – infravert – fantastique qui enveloppe ces lieux périurbains. Sans titre (2002) pourrait alors s’appeler 100 titres. Décrire cette seule photographie ne permet pas de comprendre la démarche de Rémy Marlot. Ce serait comme décrire au dos d’une carte postale ce qu’elle représente visuellement plutôt que d’y inscrire le message qu’elle est censée véhiculer. Le photographe a beau figer des objets, des architectures, des statues, des lieux, il produit, chaque fois, des images vivantes. Comment les voir ? La lumière dans laquelle elles sont exposées, elle-même, les transforme. Leurs conditions de production les révèlent sous un nouveau jour.

VERT

« Au départ, il y a la nuit » écrit Quentin Bajac au sujet de « Sans titre ». Cela sous-entend aussi : la sensation. Les photographies de Rémy Marlot parlent d’abord du contexte de leur production : une impression de solitude, une déambulation nocturne dans une ville aux allures de western contemporain. Mais ce n’est pas un cow boy suisse postmoderne qui semble vouloir émerger, à tout instant, de l’image. On s’attend plus à voir débarquer les couples de personnages du Songe d’une nuit d’été de Shakespeare, eux-mêmes échappés, fugitifs, de la forêt pour faire intrusion dans notre époque. Au sujet de ses premières oeuvres, le plasticien affirme qu’il « voulait interroger le discours sur la photographie plus que la photographie elle-même ». Maintenant, c’est un propos autour de la photographie qui s’installe dans ces univers semblant provenir d’un film de Fellini ou David Lynch. Rémy Marlot veut « tricoter des histoires avec ce qui existe » : les endroits qu’il observe, méticuleusement, les images de son cinéma mental peuplé de ses phobies enfantines et de ses fantasmes de fiction. Voilà donc la raison de cet éclairage « vert » qui transfigure chacun des signes faisant image. Qui aurait pu imaginer qu’un panneau signalétique puisse porter son étrange flèche tel un Cupidon réincarné, cherchant à pointer le grand carré bleu sur fond noir du refuge, dans un coin de l’image ? Le refuge, c’est le mot. Le ciel disparaît alors en un immense monochrome aux contours découpés par la lumière des bâtiments qui l’encadrent.

Si Rémy Marlot accorde une importance essentielle au tirage des photos, durant lequel Ariane Chopard Guillaumot constitue une aide précieuse, c’est parce que cet effet de terre de Vérone n’a pu être obtenu qu’à cette étape. Or, c’est cette teinte calme et mystérieuse qui parvient à colorer véritablement le sens de l’image. J. Chevalier et A. Gheerbrant insistent en effet sur la nature ambivalente de la couleur verte « qui amène à penser que cette couleur cache un secret, qu’elle symbolise une connaissance profonde, occulte, des choses et de la destinée. […] l’ambivalente signification du rayon vert : s’il est capable de tout transpercer, il est porteur de mort aussi bien que de vie. Car, et c’est bien ici que s’inverse la valorisation du symbole, au vert des pousses printanières s’oppose le vert de la moisissure, de la putréfaction ; il y a un vert de mort, comme un vert de vie […] L’émeraude qui est une pierre papale est aussi celle de Lucifer avant sa chute. » (Dictionnaire des symboles).

Le caractère mystérieux de cette image provient également de la construction de la perspective : le point de fuite est hors champ. Les lignes de force convergent vers un ailleurs, en deçà de l’image dont on peut se forger une représentation. La scène est vide, certes, mais quelqu’un s’apprête à entrer dans le champ, à tout instant ; ça tourne. Rémy Marlot tourne autour de son sujet comme on tourne autour d’un objet esthétique.

LE SURNATURALISME

Comme décors, il y a des cathédrales aux étonnantes arêtes prismatiques, des maisons trop grandes pour pouvoir entrer dans le champ de l’image. Ainsi prélevés, un balcon, une échelle, des escaliers de rêve et des statues semblant vivantes, improbables. Ailleurs, des zones en friches, des barrières, des obstacles à la vue ; franchis. Soudain, les sculptures du musée Rodin donnent l’impression d’ectoplasmes nageant dans le reflet des miroirs consumés par les morsures du temps. Des morceaux de musique ineffables par leur beauté (empruntés au répertoire de Bach, Schubert, Villa-Lobos, Gould,…) accompagnent la grâce des images, dans les vidéos. Chaque fois, se produit pourtant un décalage salutaire. Les photographies de Rémy Marlot ressemblent à la musique de Purcell chantée par Klaus Nomi, pertinemment convoquée par Ariane Chopard-Guillaumot dans « Dream ». Les codes de lecture sont les mêmes. Le sublime est utilisé comme architecture ou comme matériau (la musique de Purcell, comme le soin esthétique porté par R. Marlot au traitement formel, par exemple dans la série de l’Opéra, 2009). Il s’en dégage une impression de mystère. Quelle est cette sculpture qui célèbre la réunion des arts et des médiums ? Pas un Laocoon, certes. Plutôt une nymphe échappée de l’imaginaire de Charles Garnier. En guise de figurants, il y a parfois des arbres, aux abords d’un périphérique. La nature, des jardins. Les sièges vides de l’opéra, témoins privilégiés de la beauté. La salle déserte semble emplie du mystère des sensations des spectateurs qu’elle devra bientôt abriter.

Rémy Marlot, The Valley, 2005-2009, photographie couleur, 80 x 100 cm, © Rémy Marlot

La série intitulée The Valley (2005-2009) applique à nouveau cet effet de déséquilibre aux constructions les plus massives, solides. L’étagement des plans construit des compositions complexes, qui s’affirment dans l’évidence du visible. La nature se présente à nous sous un tout autre visage. Positionnée en vis-à-vis des constructions humaines, elle irradie. Dans la nuit de la conscience, Rémy Marlot apporte alors son attention patiente aux choses, à leur évolution. Il est fasciné par le moment magique qui sépare l’input de l’output (au sens de V. Flusser) dans la machine à voir et la façon dont les choses se transforment dans le boîtier du temps.  Ainsi apparaît La Nuit telle qu’elle est envisagée par Franz Kafka dès 1920 : « Abîmé dans la nuit. Comme on laisse parfois retomber sa tête pour réfléchir, être de la même façon entièrement abîmé dans la nuit. Alentour, les hommes dorment. […] Et toi tu veilles, tu es l’un des veilleurs, tu repères le suivant en agitant le brandon tiré du fagot, près de toi. Pourquoi veilles-tu? Il faut que quelqu’un veille, dit-on. Il faut que quelqu’un soit là ». Inlassablement, Rémy Marlot continue de garder les yeux ouverts.

Muriel Berthou Crestey

MONOGRAPHIE :

Rémy Marlot, 112 pages français / anglais, 60 photographies couleurs et noir et blanc.

Textes de Quentin Bajac / Michel Poivert / Ariane Chopard-Guillaumot / Valerie Pugin. Éditions ANALOGUES.

EXPOSITION EN COURS :

Dans un jardin, Trafic FRAC Haute-Normandie, 29.05.2010 / 10.10.2010

EXPOSITIONS A VENIR :

Man & Nature, Curated by Philippe de Boucaud, Fourth Free International Forum, Bolognano (It). 02.07.2010 / 04.07. 2010

Picto 1950 – 2010 : 60 ans de complicité avec les photographes, Curated by Christian Caujolle, Les rencontres d’Arles. 3.07.2010 / 19.09.2010

For intérieur (projection), Curated by Michel Poivert, Voies Off, Arles – Cour de l’Archevêché, 10.07.2010

Shadows, (Exposition personnelle), L’été photographique de Lectoure, Centre de photographie de Lectoure, Curated by François Saint Pierre. 17.07. 2010 / 22.08. 2010

Balmoral Blend – 15 years Kunstlerhaus Schloss Balmoral Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen (DE). 5.08.2010 / 21.11.2010

Olivier Cadiot : d’après photo

Nan Goldin, Sharon in the River, Eagles Mere, PA, 1995, Courtesy Gallery Matthew Marks

C’est une photo de Nan Goldin qui a inspiré le nouveau livre d’Olivier Cadiot dont la parution est prévue en août chez P.O.L. Un mois avant sa sortie en librairie, Ludovic Lagarde met en scène son adaptation théâtrale au festival d’Avignon. Du jamais vu. La représentation d’Un Mage en été se présente d’ores et déjà comme un vertigineux système de chaîne icono-graphique conçu comme un exercice « dédisciplinarisant » (au sens de W.J.T. Mitchell). Des transferts se produisent entre la photo matrice (picture), l’image ainsi générée (****) et son interprétation écrite, puis sa représentation théâtrale, recouverte par le voile médiatique et parachevée dans l’esprit du spectateur qui reformule ce qu’il voit « dans l’autre sens, sur l’écran noir en soi qu’on regarde » (O. Cadiot, Retour définitif et durable de l’être aimé)…) Soient autant d’incarnations différentes des images… Aucun doute. Ce dispositif nourrit alors un ping-pong cérébral appliqué au champ du visible.

Gertrude Stein, la fée, le roi, Robinson, le lapin fluo, l’analyste, le dandy, le chasseur de têtes, le décorateur, le philosophe ou l’homme qui se fait cirer les chaussures (dans le célèbre daguerréotype, Boulevard du Temple)… peuplaient déjà l’univers romanesque d’Olivier Cadiot. Il semble que Sharon in the River ait – depuis peu – rejoint cette faune des plus culturelles…

Comment interpréter la fascination de l’auteur pour ce cliché de 1995 ? En plongé, Nan Goldin y montre une femme nue, seule, au premier plan d’une rivière. On pourrait presque deviner les rousseurs de la vase dans les profondeurs de l’image. C’est pourtant dans un bain de couleur émeraude qu’elle se tient, à demi immergée. Les pointes de ses cheveux platine semblent avoir absorbé cette tonalité acide et trouble par endroits. Le cours d’eau paraît stagnant, cependant quelques volutes réparties autour de ses hanches laissent supposer qu’un léger courant l’anime, peut-être. Aurait-elle amorcé un mouvement ? Le visage est absent, perdu dans les limbes du contre-jour. L’attitude paraît à première vue figée, contemplative. Optant pour le grand angle, Olivier Cadiot aurait-il cloné ce personnage pour en donner à voir plusieurs images possibles ? La découverte de l’ouvrage contiendra sans doute quelques révélations.

Dépeindre le visible pour « peindre l’ invisible » : voilà qui pourrait être l’un des tours de main de l’écrivain toujours prêt à proposer ses petites madeleines sur un plateau… Les sensations sont là, à portée d’œil. Les références se frictionnent. Dans les œuvres d’Olivier Cadiot, « on remonte le temps en arrière en spirale, c’est possible » (Fairy Queen)… Mais peut-on, à l’inverse, anticiper, redescendre le cours du **** en marche rapide ? Souvent, la grammaire claudique et la syntaxe se promène jusqu’au bout de la langue. Alors, des images apparaissent.

L’incipit d’ Un Mage en été est disponible en avant-première sur le site de P.O.L :

http://www.pol-editeur.com/pdf/6358.pdf

http://www.pol-editeur.com/index.php?spec=livre&ISBN=978-2-8180-0478-4

Du 21 au 27 juillet
Un mage en été d’Olivier Cadiot au Festival d’Avignon

21, 22, 23, 24, 26 et 27 juillet à 18h
Théâtre-Opéra
Place de l’Horloge
84000 Avignon
http://www.festival-avignon.com/

Supporter

Pieter Hugo, "Andrew Mfundis", série Orlando Pirates Football Club supporters. Courtesy galerie Michael Stevenson

L’habit fait-il le supporter ? La violence visuelle de certains accoutrements régit les codes synonymes d’appartenance à un groupe, à une équipe. Ainsi, la série photographique des « Orlando Pirates » (club sud-africain) signée Pieter Hugo semble fomenter des liens habiles avec certains sujets d’actualité. Intervenant en écho à la coupe du monde de football et au cinquantenaire des Indépendances africaines (2010), elle est actuellement présentée chez « colette » avec d’autres tribus contemporaines… Lauréat du World Press photo (2006) et du prix découvertes des Rencontres d’Arles (2008), le photographe n’a de cesse de vouloir mettre en images les maux de l’Afrique, et au-delà… 

Certains aspects du continent africain présentés par Pieter Hugo sont choquants : vestiges du génocide rwandais, ravages du sida, massacres… Mais il nous donne à voir une autre facette – plus énigmatique – de cette culture : charmeurs de serpent, dresseurs de hyènes, chamanes et  magistrats composent autant de portraits-masques, représentant des microcosmes fédérés à partir d’uniformes, de costumes ou accessoires. C’est sur ce versant que colette a logiquement construit sa présentation, articulée autour de trois séries ou castes : supporters, Boy scouts, catcheurs. L’apparence morbide des vêtements sombres des supporters – impressionnants – joue-t-elle un rôle d’intimidation ou bien d’invocation de forces occultes ?

Les photographies sont en couleurs, rejoignant ainsi la fonction symbolique associée à chaque type de vêtements. Dès 1982, Michel Pastoureau remarque, à ce sujet, que « les historiens du vêtement ont rarement parlé de couleurs. A cela des raisons documentaires (pendant longtemps, la documentation photographique a été formée de photographies en noir et blanc et bon nombre d’historiens, y compris des historiens de l’art, ont pris l’habitude d’envisager les faits de société et les faits artistiques comme des faits incolores, ou pire, comme des faits « en noir et blanc » […]) » Implantées au sein d’une structure notamment axée sur la vente de vêtements haut de gamme, les photographies de Pieter Hugo revêtent tous les attraits d’une étude sociologique…

Exposition : Pieter Hugo, Selected Works, colette, (213, rue Saint Honoré, 75001 Paris), 31.05 – 03.07. 2010.

http://www.colette.fr/#/page/5056/pieter-hugo/

http://www.michaelstevenson.com/contemporary/artists/hugo.htm

http://www.pieterhugo.com/

Jean-Christian Bourcart : prix Niépce 2010

Jean-Christian Bourcart, série "Stardust", New York, 2005-2006, © Jean-Christian Bourcart

Depuis 1955, le prix Niépce organisé par l’association Gens d’images a notamment récompensé Robert Doisneau (1956), Keiishi Tahara (1988) Patrick Tosani (1997), etc… En 2010, il est décerné à Jean-Christian Bourcart. Le photographe français installé depuis 1997 à New York est un fervent adepte des œillades volées et autres « lapsus visuels », collectionnant, depuis les années 1980, les images clandestines d’une intimité parfois underground. D’abord photographe de mariage puis acteur actif de la presse quotidienne (membre de l’agence Rapho, il participe à l’aventure « Libération » avant de rejoindre la galerie « Vu’ » à laquelle il est aujourd’hui associé), il mène de front des projets plus personnels et artistiques, étendant son champ d’expérimentation à d’autres médiums (vidéo…). Ses moteurs de recherche ? Le web, les marges, les frontières, la pulsion de voir, le risque de l’image (disséquée, observée sous tous les points de vue, comme dans une vision cubiste), l’engagement (physique, politique, psychologique…), les interdits de représentation qu’il brave, les visions hallucinatoires du réel, voire kaléidoscopiques, le contre-courant, les masques sociaux, l’interférence entre celui qui voit / celui qui est vu et leur relation en miroir… Soit une foule de modalités possibles d’échanges de regards.

Regardant par le trou de la serrure sociétale, Jean-Christian Bourcart promène l’objectif de son appareil photo dans les zones les plus obscures (parfois sordides ou sulfureuses) entre évocation, invasion, indécence ou provocation. Dénonçant les troubles perceptifs ou éthiques (de façon intrusive, engagée ou distanciée), les dérives mais aussi les ambiguïtés, cet aventurier de l’image prône souvent une esthétique crue, celle du choc visuel. Allusion à la méthode thérapeutique du « Photolangage », à l’instrument de travail de sa mère, le « Photo Quizz » ? Tragiques ou magiques, les images de Jean-Christian Bourcart, comme le système psychique freudien, sont des palimpsestes. Des couches innombrables les composent et fournissent des clés de lecture multiples.

La genèse de son projet « Camden » est désormais célèbre : il recherche sur Internet le nom de la ville la plus dangereuse des Etats-Unis. Il s’y rend – photographie.

D’autres séries, moins brûlantes, affirment le même parti pris ascétique dans le traitement formel de l’image. Traffic ? Il dévisage les New Yorkais suspendus dans l’attente, pris au piège des embouteillages, emprisonnés dans le cadre de son téléobjectif. Souvent plongés dans un abyme de perplexité, en proie au regard technologique, ces visages semblent exprimer une autre temporalité, déstructurée, transitionnelle : en suspens. Des non-temps, des espaces-temps vacants.

The most beautiful day of my life ? Recomposition d’une famille d’anonymes à partir des photographies de mariages dites « ratées », loin des clichés traditionnellement associés à cet événement : flous, indistinctions, surimpressions. Ainsi décrit-il notamment sa fascination pour les « milliers d’images qui sortent de la grosse développeuse » dans son autobiographie intitulée « Sinon la mort te gagnait » parue en 2008 au Point du Jour : « Parfois, parmi tous ces moments de bonheur préfabriqué, je découvre une image belle par son étrangeté ou sa cruauté (dans le sens d’Antonin Artaud : près de la vie) ou son absurdité, et j’ai envie de la garder. Plus tard, je fouille dans les cartons remplis de quantité de photos invendues, patiemment, extrayant de la masse des souvenirs abandonnés, ma nouvelle famille quelque peu monstrueuse mais choisie » (p. 56).

Stardust ? Il infiltre une salle de cinéma pour photographier « l’image laissée par la projection quand elle traverse la vitre ». Il en résulte des « échographies spectrales ».

Chez Jean-Christian Bourcart, l’appareil photographique est tantôt un bouclier, tantôt un fardeau à cacher, nécessaire à l’accession d’une vérité du visuel, du visible, de la visualité, au regard du voyant, du voyeur, de ce qui est vu : autant de paramètres cristallisés par une optique obscure mais lucide, sur des milieux clôts, avec une perspective ouverte. Du brouillon et du flou, émerge une mise au net.

Liens :

http://gensdimages.com/index.php/wiki/read/t04_niepce.html

http://www.galerievu.com/evenements.php?id_evenement=5

http://jcbourcart.com/

Les travaux du lauréat seront présentés lors de l’Atelier de Gens d’images ouvert au public qui se déroulera le mercredi 23 juin à 18h30, à l’Institut Michelet, 3, rue Michelet 75006 Paris. Cette manifestation est reportée en septembre.

Exposition à la galerie Vu’, du 24 septembre au 6 novembre 2010.