Designer industriel et bio-concepteur, Guillian Graves parvient à concilier les qualités pragmatiques de construction du castor avec l’intelligence du corbeau et la détermination du saumon (si l’on reprend la symbolique des amulettes propre à la civilisation des « Zuni », tribu d’indiens basée au Nouveau Mexique). Parmi les différents animaux qui l’inspirent, ceux qui peuplent l’univers marin occupent une place privilégiée dans la conception de ses projets. Ainsi, la mise en place d’un « maillot de bain du futur » (en collaboration avec « Le Slip français ») doit permettre la conception d’un textile respectueux des écosystèmes marins ; de même, il a pu créer des sandales compostables réalisées à partir de coquilles d’huitres (Eti O’ri) parmi de nombreux autres réalisations questionnant les matériaux, les formes et les façons de vivre. Continuer la lecture
Archives de catégorie : Billets
Intervention de Jaïna Ennequin et Baptiste Sévin auprès des étudiants de céramique de l’Ecole Duperré
Passionnés par les arts du feu, Jaïna Ennequin et Baptiste Sévin ont entamé depuis 2017 une collaboration artistique renouvelant les propositions créatives autour de la céramique. Inspirés par la nature et les paysages grandioses de la Guadeloupe dont Jaïna est originaire, ils déploient des propositions plurielles dans le champ du mobilier, des arts de la table, de la décoration, etc.

Baptiste et Jaïna, “Lichen”, 2019. Faience chamottée, engobe texturée, couverte. ©Atelier Baptiste & Jaïna
Les étudiants de céramique (1ère / 2ème et 3ème années) ont ainsi eu l’occasion de développer leurs observations et leurs questionnements autour des techniques utilisées. Elles leur permettent de générer d’étonnants effets de matières (e. g. l’engobe à texture granuleuse, couverte transparente mate sur une faïence chamottée pour la coupe « Vestiges » ou encore le Biscuit porcelaine pour la patère « Dorsale »).

Baptiste & Jaïna, Tabourets, 2020. Grès. Premiers exemplaire réalisés au sein des Ateliers Du Faire de la Fondation d’Entreprise Martell. ©Atelier Baptiste & Jaïna
Nourris de références aux avant-gardes artistiques et aux icônes du design moderne, ils conjuguent des effets de flockage et des dispositifs picturaux avec des allusions aux formes antiques et aux patrimoines régionaux. Leurs gestes procèdent du détournement dadaïste lorsqu’ils réinvestissent un siège de tracteur pour en faire une assise indépendante, à l’occasion de leur résidence à la Fondation Martell.
Les créations résultant de l’atelier Baptiste & Jaïna ont déjà été récompensées lors de la Biennale internationale de Vallauris et de celle de Carouge en 2019. Leurs créations figurent notamment dans les collections du Musée Magnelli.
Conférence de Marco Lavit auprès des étudiants du DSAA Mode – Prospective (1) de l’Ecole Duperré
Dans le cadre du cours d’histoire des arts à l’école Duperré, nous avons reçu Marco Lavit, architecte et designer. Fondateur de l’agence éponyme créée en 2014 avec un parti-pris cosmopolite, il engage un dialogue entre Paris et Milan tout en s’inspirant des autres cultures. Il allie les partis-pris de simplicité esthétique des pavillons de thé japonais avec une observation attentive des trabucco, ces cabanes de pêcheurs sur pilotis emblématiques de la côte italienne. Son travail s’inscrit dans une optique résolument pluridisciplinaire associant l’architecture, la scénographie, le design d’objet et d’espace, avec des incursions dans le champ du mobilier, des ecolodges, du design textile également. La variété de ses inspirations permettra aux étudiants de 1ère année du « DSAA Mode – Prospective, matériaux, art de vivre » de réaliser un moodboard qui découle de l’observation de ses créations, à partir des références à l’histoire des arts dont l’architecte s’inspire.
Hommage à Jean-Luc Parant (1944-2022)
« La vue nous a mis en mouvement dans l’espace sans fin et nous nous sommes perdus dans l’infini ». Ainsi répondait Jean-Luc Parant à ma question de savoir comment échapper au temps (si ce n’est pas par l’art ?)
J’aimais bien l’idée qu’il ait fini son texte par le mot d’infini.
Sa disparition me rappelle la réaction incrédule de mon éditeur alors que je venais de renvoyer les épreuves de mon livre L’art amoureux de nature : il pensait qu’il y avait une erreur dans le nombre de publications de Jean-Luc Parant : « 200 : mais comment est-ce possible ? » Je confirmais pourtant, justifiant qu’il s’agissait d’un cas à part. Le chiffre était bien exact. Il s’étonnait aussi de la forme de l’entretien… « Un poème » lui répondais-je. Car celui qui s’était inventé le métier unique de « fabriquant de boules et de textes sur les yeux » expliquait modestement qu’il suffisait de faire quoi que soit, en y consacrant quelques heures tous les jours pour accomplir en définitive une Œuvre : la constance comptant apparemment parmi ses muses…

Page 360 du Bout des Bordes (15) : quelques vues de l’exposition « Entre quatre zieux » à la galerie Pierre-Alain Challier, Hiver 2019-2020. A cette occasion, Jean-Luc Parant avait repris les questions que je lui avais adressées pour les transfigurer en œuvres d’art exposées, vif dialogue polyphonique en images agrémenté de peintures et dessins signés Robert Combas et de poèmes de Jean-Luc Parant. Nouvelle performance donnée à cette occasion… Le poète égrenant ses idées dans un rythme saccadé dont il avait fait sa signature, sans laisser place au silence : petits fragments de son monde quotidien captés dans la gravité de sa voix singulière. À l’image des amours félines qui semblaient proliférer dans cette « maison de l’art vivant » (envahie de chatons à donner comme de livres auxquels il avait consacrée une maison entière), j’imaginais l’effervescence et l’esprit de liberté qui pouvait régner en ce Bout des Bordes.
Le Bout des Bordes, n°15
Supervisé par Kristell Loquet dont l’œil bienveillant ouvre le 15ème numéro, cette dernière livraison du Bout des Bordes se présente comme un précipité de créations, d’envies, de rapprochements, de souvenirs et d’idées autour desquelles Jean-Luc Parant a gravité entre le 29 octobre 2011 et 2021. Invitant selon ses principes d’autres sensibilités à investir ce gros volume constitué au gré des amitiés, des rencontres, du hasard et des nécessités, ce journal de sa vie fait naturellement ressurgir Robert Combas, concentré d’énergie à l’instar de ses deux félins, intrépides acrobates de l’atelier venant s’enchâsser dans les toiles du maître, devenus motifs ahuris. Jean-Luc Parant explique, p. 368 : « Créer avec Robert Combas c’est comme renaître avec d’autres yeux et d’autres mains, c’est faire exister en moi celui qui a vu et touché ce que je n’ai moi-même jamais vu ni jamais touché. Comme si je voyais et que je touchais alors un monde que je ne connaissais pas, un monde qui était le monde, pas plus éloigné de moi que les œuvres de Robert Combas le sont sous mes yeux et sous mes mains. »
Continuer la lecturePublication de l’article : “Constant Crestey : un aviateur engagé”
Merci à Xavier Cotton pour son bel article sur mon grand-père – Constant Crestey – consultable sur “Passion aviation” via ce lien : https://www.passionpourlaviation.fr/2021/10/06/constant-crestey-un-aviateur-engage/
Intervention de matali crasset auprès des étudiants en CPGE de l’Ecole Duperré
Designer française reconnue internationalement pour l’aspect novateur de ses propositions alliant créativité, humanisme et convivialité, matali crasset s’affirme depuis les années 1990 comme une créatrice polymorphe. Lors de cette présentation à l’École Duperré, elle a partagé sa vision de l’histoire du design avec les étudiants de CPGE tout en revenant sur la genèse de plusieurs de ses créations emblématiques, en particulier “Quand Jim monte à Paris” (1998) ou encore l’hôtel “Hi Matic” (2011), offrant ainsi un regard personnel et audacieux sur la thématique annuelle du concours de l’ENS « De l’Objet à l’environnement » qui résonne particulièrement bien avec son univers. Elle a abordé avec beaucoup d’émotion l’expérience décisive de sa formation à l’ENSCI / Les Ateliers puis sa collaboration avec Philippe Starck ; elle a expliqué également ses processus de création appliqués à des projets plus récents, en particulier sa création in situ pour l’ENS Paris- Saclay intitulée “L’Archipel tonique” (réalisée dans le cadre du 1% artistique en 2020). Son vocabulaire plastique s’y développe à une grande échelle. matali crasset parvient alors à marier sa gamme chromatique intense et vive en élevant le défi de la modularité à son paroxysme. C’est cet univers ludique, simple et frais, immédiatement reconnaissable qui fait sa signature bien qu’elle varie systématiquement les logiques d’intervention, au cas par cas.
Publication : “DU FANTÔME. UN PARADIGME CONTEMPORAIN”, Editions de la Sorbonne
Mon article sur “Alain Fleischer. Une esthétique fantomatique” vient de paraître dans l’ouvrage intitulé “Du Fantôme. Un paradigme contemporain“, suite au colloque organisé à la Sorbonne sous la direction d’Anne Dietrich et Miguel Egaña.
LES QUATRE SAISONS DE PIERRE GONALONS À L’HÔTEL DE SULLY
Rares sont les designers osant mesurer leurs créations à l’opulence et au faste du Grand Siècle. Investissant l’Hôtel de Sully à l’occasion de la Paris Design Week 2021, Pierre Gonalons relève ce défi avec élégance. Déjà avait-il manifesté l’année dernière un don pour se métamorphoser en Janus au double visage, capable de regarder à la fois vers le passé et l’avenir, lors d’une présentation exceptionnelle à l’Hôtel de Soubise. L’esthète décorateur perpétue à nouveau le rêve en all-over, conjuguant les savoir-faire ancestraux des métiers d’art à une approche visionnaire du design en s’associant aux plus grandes maisons de luxe, telles que Féau et Cie pour les boiseries, Fortuny pour les textiles, Tai Ping pour les tapis, Masiero pour les luminaires « Horo » repensés dans une nouvelle finition de verre marbré.
Publication du livre : UN ART AMOUREUX DE NATURE. LE LAND ART ET SES MUTATIONS. Editions Ides et Calendes, Lausanne.

Présentation du livre “L’Invisible photographique” mardi 2 juillet à la librairie du Jeu de Paume
Depuis les origines de la photographie jusqu’à ses développements actuels, cet essai propose une redécouverte complète de l’histoire de la photographie à partir de la clé de lecture paradoxale de l’invisible.
Concrètement, la photographie est un outil de représentation qui induit un choix primordial : que verra-t-on dans le cadre de l’image ? Qu’est-ce qui est montré ou volontairement éliminé de la scène, voire censuré ? Les photographes suggèrent le hors-champ. Ils se rendent parfois invisibles pour capter la vérité d’une situation. Ils défient les limites de la perception humaine en se faisant nyctalope, en montrant l’envers du décor ou en dénonçant les zones volontairement dissimulées par les pouvoirs politiques. Ils nous font voir l’absence, redonnent vie à des images. Ils capturent les sentiments. Deux photographes réalisent un cliché pour un même évènement : il en résulte deux expressions différentes qui révèlent – chacune à leur manière – leur sensibilité. Certains photographes travaillent sur des phénomènes optiques provoquant l’éblouissement. Le vocabulaire plastique de l’invisible photographique se déploie autour de l’agrandissement, la découpe et le prélèvement. Enfin, des net-reporters infiltrent les cybermondes pour en restituer des représentations du « jamais vu ».
À partir d’études de cas précis, il s’agit de déployer toute une typologie des formes d’invisibilité allant du non-vu qui s’applique plutôt à la technique jusqu’à l’anti-visible, lié à l’anthropologie visuelle.
Publication : “Au coeur de la création photographique” (Ides et Calendes). Entretiens avec Sabine Weiss, Lucien Clergue, Sarah Moon, Peter Lindbergh, Christian Boltanski, Pierre et Gilles, Philippe Parreno, Valérie Belin, Alain Fleischer, etc.

Quels sont les regrets ou les surprises qui ponctuent une vie de photographe ?
En nous ouvrant les portes de leurs ateliers et de leurs imaginaires, les artistes nous ont donné accès aux arcanes de la création.
Qu’ils innovent avec les technologies numériques, s’affranchissant parfois des normes, ou qu’ils optent pour des techniques traditionnelles, les photographes nous ont transmis des informations qui éclairent et approfondissent la compréhension de leurs démarches.
La variété des approches expérimentales, conceptuelles ou esthétisantes donne une pluralité de sens à l’image photographique. Mais toujours, elle cristallise la personnalité de son auteur.
J’ai sélectionné des photographes et artistes utilisant cet outil d’expression pour leur faculté à ménager une réflexion sur les procédures invisibles. Au fil de nos dialogues, je cherche à découvrir toutes les strates temporelles qui se sont cristallisées dans la mince pellicule photographique. Comment se sont forgés les points de départ, le thème, les formes, la composition, les couleurs, la recherche du modèle et les consignes qui lui sont données, le décor et l’inscription géographique ou environnementale ?
L’entretien d’artistes permet d’entrer dans l’intimité de l’acte de création. Il s’agit de sonder les mécanismes à partir desquels se construisent les idées artistiques, les méthodes créatives et les œuvres.

D’où vient le vocabulaire plastique ?
J’examine la diversité des dispositifs liés au médium photographique pour montrer son potentiel créatif et ses formes de préméditation lors de la prise de vue. Peut-on prévoir le résultat au moment du déclic ? En quoi l’instantané s’inscrit-il dans la durée ? Comment les images mentales, les inspirations et les fantasmes se transforment-ils potentiellement au contact du réel et de l’illusoire machine à enregistrer les contours du monde ?
Quels sont les états d’âme des photographes ? En quoi les nouvelles technologies ont-elles modifié leurs pratiques ? Que feraient les photographes s’ils pouvaient devenir invisibles ?
Les rencontres ont lieu le plus souvent dans l’atelier de l’artiste. La durée fixée au préalable installe des rythmes variés dans le cheminement de ces dialogues, du plus saccadé aux réponses fleuves. La singularité de leurs démarches se révèle progressivement dans la manière dont ils réfléchissent au dédoublement de l’intention ou de l’intuition qui déclenchent leurs pratiques.

Ce livre comprend 24 entretiens avec les artistes suivants : Renaud Auguste-Dormeuil, Patrick Bailly-Maître-Grand, Valérie Belin, Christian Boltanski, Jean-Christian Bourcart, Thibault Brunet, Denis Darzacq, Vincent Debanne, Lucien Clergue, Laurent Grasso, Alain Fleischer, Joan Fontcuberta, Frank Horvat, Dominique Issermann, Edouard Levé, Peter Lindbergh, Anna Malagrida, Sarah Moon, Philippe Parreno, Pierre & Gilles, Susanna Pozzoli, Eric Rondepierre, Patrick Tosani, Sabine Weiss.
Chaque dialogue est introduit par un texte biographique éclairant la démarche de l’artiste ainsi que les conditions dans lesquelles se sont déroulées les entretiens.
Publication : “Apparitions fantastiques”, Presses Universitaires de Rennes (Lauric Guillaud et Gérald Préher (dir.)), Juillet 2018
Dialogue à quatre mains à la galerie « Camera obscura »
Les photographies de Sarah Moon ont le charme d’anciens miroirs dont le tain en partie corrodé libère l’objet de sa fonction pour devenir simple sujet de contemplation. Les effets du hasard et du temps s’y révèlent. Ses images s’émancipent de leurs sujets. Ainsi, des bouquets de fleurs représentent – sinon la nature – des allégories de la grâce ou de la vie, peut-être… Les mariages chromatiques des pivoines, pavots et tulipes les font basculer dans un univers parallèle qui ressemble à la peinture. Ses photographies donnent une impression de mouvement quand une baigneuse s’immobilise. Ici se joue la rencontre avec l’univers pictural et instinctif d’Ilona Suschitszky.
Dans ces représentations où l’évanescence se dispute à la beauté, les champs picturaux et photographiques se fertilisent. La peintre déploie des projets minutieux, délicats, où la broderie vient apporter un rythme différent aux livres ainsi ponctués de petites saillies vermillon. La photographe conjure la fixité de son médium par le floutage des contours. Indéniablement, des secrets d’ateliers s’y jouent, s’inscrivant par là-même dans la tradition des peintres. Leurs œuvres ont – avant tout – pour point commun d’être gracieuses mais aussi froissées, comme on le dirait de manière figurée d’une personne blessée qui veut sauver les apparences. Sarah Moon parvient à photographier le rouge, plus encore que la fleur de coquelicot. Le tirage charbon donne à cette composition uniflore une radicalité manifeste.
Une dimension narrative émane forcément dans l’évanescence des silhouettes, la superposition de textures venues l’on ne sait d’où, la nature enfin, dans ses plus belles parures. Si l’on avait déjà eu un aperçu de la relation artistique qui unit depuis longtemps les deux artistes lors de l’exposition « Alchimies » à la Grande galerie de l’évolution, elle s’exprime ici avec une logique désarmante, où un médium s’imprègne des codes de l’autre pour détourner le classique vers l’étrangeté. Dans le projet « Hidden », la peintre réinterprétait déjà la photographie de S. Moon en dessin… La rencontre peut se rejouer puisqu’elles partagent certainement un même objectif : réenchanter un monde quand bien même il conserverait les stigmates – cachés ou pas – de ses afflictions. Le frôlement des lumières participe de ces histoires denses et grainées, souvent mélancoliques, mais chaque fois d’une grave beauté.
« France augmentée » à la galerie Binome

Eric Tabuchi, Artemare, Bugey. Série Peintures figuratives. Atlas des régions naturelles, 2017.Impression pigmentaire sur papier baryté Canson.
Le paysage serait-il une « parcelle arrachée à la réalité » ? Un point de vue sur une scène bucolique ? Un moyen de restituer les collines, les forêts et les dunes en perspective atmosphérique ? Déjà, la théoricienne Anne Cauquelin avance, en 1989, qu’il serait un équivalent construit de la nature, nécessitant toujours le filtre de la représentation. La peinture est bavarde et en propose quantité d’incarnations. Est-il parfois champêtre, boisé, agraire ou « théâtre de verdure » ? Vous ne verrez pas ces poncifs à la galerie Binome et pourtant, il est partout question de paysages d’un genre nouveau.

Thibault Brunet, sans titre #74, série Typologie du virtuel, 2016. Tirage jet d’encre sur papier Hahnemühle Fine art Harman contrecollé sur aluminium.
L’exposition propose jusqu’au 22 décembre des définitions inédites du paysage au double sens conceptuel et physique : tout en élargissant cette notion à des territoires inédits, le recours au virtuel ainsi que la reprise d’images numériques créent des effets de pixels et de résolutions différentes de l’esthétique analogique. Tout est changé et surprend ici : des formats carrés, des photographies de paysages qui n’existent pas, des paysages plus culturels enfin, avec une vidéo de Robin Lopvet qui joue la carte de la reprise portée à saturation. L’entremêlement des références les défait de leur réalité : sur la bande-son de Voyage Voyage (Desireless) une voix monocorde égrène les titres d’ouvrages du catalogue Gallimard alors que les références aux tableaux qui peuplent les imaginaires collectifs s’entrechoquent. Les ambiances – souvent rurales – sont méconnaissables une fois prises dans ce nouveau flux qui les enchaîne et morcelle les représentations. Il nous parle de l’accumulation de stimuli visuels et narratifs. Les hiérarchies s’effacent dans le nivellement des informations et la circulation favorisée des images. Répertoire vernaculaire et muséal sont placés – littéralement – sur un même plan.
L’artiste français né en 1990 a retravaillé grossièrement ces tableaux trouvés avec des systèmes de remontages, de copier-coller rapide et d’images intriquées, dans une esthétique qui manie les contrastes. Les aplats de couleurs primaires faussées par le logiciel de retouche s’affrontent aux nuances plus ou moins perceptibles dans les tableaux choisis. Allusion à la méthode des « ciels rapportés » de Gustave Le Gray, il efface, décontextualise, réintroduit les acteurs dans d’autres environnements. Le fond de transparence crée des petits carrés rythmés où les silhouettes des personnages se découpent. Dans cet océan de représentations, Robin Lopvet déplace les montagnes et les mers.
Emprunté à la tradition picturale, ce genre académique impliquait jadis la prise en compte de codes déterminés allant jusqu’à donner son nom à un format horizontal particulier. Les artistes présentés ici s’en emparent pour mieux les déconstruire. L’intérêt des œuvres réunies par Valérie Cazin, directrice de la galerie, et Emilie Traverse, réside dans l’ouverture de sens et de pratiques suggérées par les artistes d’aujourd’hui : en proposant des approches singulières et très différentes autour de ce thème repensé, les artistes élaborent – chacun à leur manière – un chantier nouveau pour reconstruire l’idée de paysage.
Il s’agit d’un déplacement littéral : avec Fractal spaces (2016), Marc Lathuillière nous plonge dans un bain de végétation sauvage ayant envahi des zones périphériques, désaffectées, comme le château de la belle-au-bois-dormant, avec un jeu de miroirs qui interroge la place du spectateur comme un acteur de l’environnement.
Michel Le Belhomme s’affronte à l’évocation graphique d’un paysage suggéré. Les traits saccadés ont l’esthétique – encore ici – des images fractales. Elles définissent les composants habituels de ce type de représentation : une montagne ? Et pourtant, les traits évasifs de cette photographie qui brouille la ressemblance extrapolent l’inaperçu.

Thibault Brunet, sans titre, série Typologie du virtuel, 2013-16
édition de 5 – 36 photographies 20x20cm
tirages jet d’encre sur papier Hahnemühle Fine Art Harman
encadrement blanc, verre anti-reflet
C’est une expression péri-urbaine du paysage que nous offre cette fois Thibault Brunet, habitué depuis dix ans à photographier des « images mentales », en ce sens qu’elles n’existent que dans la tête des modélisateurs ou concepteurs de jeux vidéo et d’images dont ils s’inspirent eux-mêmes pour composer des reconstitutions. Ses prises de vue sont souvent faites dans des environnements virtuels. C’est le cas ici puisqu’il expose quelques images de sa série « Typologie du virtuel » (2013-2016), réalisée peu après qu’il ait rejoint la Mission Photographique “France(s), Territoire Liquide”. Ce flâneur d’une nouvelle ère a trouvé dans les architectures modélisées sous pseudonyme sur Google Earth, un motif ready-made. Ce sont des images en latence, puisqu’elles n’existent pas – physiquement – en dehors du contexte où elles se trouvent et du bâtiment qu’elles tentent de reconstituer fidèlement en 3D. La force du geste artistique de Thibault Brunet consiste à les transposer dans l’univers des possibles, en leur donnant une vie réelle, une matérialité inespérée avec le tirage photographique. Il suit un protocole précis pour y parvenir : après l’étape de la sélection et captation vient le passage en post-production. Le choix de la couleur principale définit la gamme chromatique et fédère l’aspect sériel. Mais surtout, l’ajout d’une ombre leur donne une présence incarnée. Celle-ci correspond à l’horodatage où l’image a été postée. La lumière utilisée par Thibault Brunet n’a rien de réel ; elle est plus qu’artificielle : elle est virtuelle. Où positionner alors le curseur entre illusion et réalité, trois dimensions et photographie, fiction et science, matériel et virtuel ?

Frédéric Delangle, sans titre, Paris 10-1 par Angelica Cordero, série Paris-Medellin, 2017. Tirage pigmentaire sur papier mat peint à la main.
Cette manière de mettre à contribution le travail d’autrui est aussi présente chez Fred Delangle qui interroge le regard culturel porté sur les territoires. Que se passerait-il si des peintres de rues indiens recoloraient les villes ? Le photographe s’est prêté au jeu. Il a donné ses photographies noir et blancs du Grand Paris à recolorier en Inde puis en Colombie. Avec Paris-Medellin (2017), les questions de mondialisation et le rapport à notre environnement urbain est repensé de façon étonnante et stimulante.
Cette préoccupation est aussi très présente chez Corinne Vionnet dont la pratique de récupération et d’assimilation d’images à partir de mots-clés tapés dans un moteur de recherche est devenu symptomatique de notre civilisation du regard. « Photo opportunities » questionne le point de vue, la subjectivité, la distance, le chœur des représentations qui nous construit. Les images accumulées des mêmes monuments les font vibrer à l’unisson, comme les voix qui répètent les mêmes paroles avec des octaves différentes dans un orchestre. Internet devient un terrain d’exploration pour observer la dialectique entre collectif et singularité. Avec ses « peintures figuratives », Eric Tabuchi réalise un cadre dans un cadre, une mise en abyme de la peinture dans la photographie : des fresques effectuées par des peintres en lettre colorent des lieux ordinaires ou pas. Centrées dans l’image, elles sont des respirations où le regard peut s’évader pour échapper à l’ordinaire ou offrir un prolongement à des espaces pittoresques. Les trois images présentées s’inscrivent dans un vaste projet encyclopédique – Atlas des régions naturelles qu’il mène actuellement à travers toute la France.
L’accrochage « France augmentée » est conçu comme un prolongement à la rétrospective « Paysages français. Une aventure photographique (1984 – 2017) » actuellement présentée à la BnF dont elle creuse le versant numérique.
Le 17.06.17 : “Centre Pompidou at 40”, Parsons, Paris, [ European Postwar and Contemporary Art Forum ]
Je donnerai une conférence sur “les expositions-ateliers au Centre Georges Pompidou” dans le cadre de la journée d’études “Pompidou at 40” samedi 17 juin à Parsons Paris (45 rue Saint-Roch, 75001 ) :
Les « expositions-ateliers » sont un genre curatorial hybride, associant les lieux de la création au temps de la diffusion muséale. Elles donnent à voir l’art en gestation, à un moment donné. Ce choix d’accrochage s’accorde particulièrement bien à l’identité du lieu, véritable « porte ouverte » sur l’art vivant. L’atelier Brancusi est inauguré le 27 juin 1977. De surcroît, le centre Georges Pompidou organise une programmation triennale intitulée « Ateliers d’aujourd’hui » dédiée spécifiquement à des présentations monographiques (Jean de Gaspary, Deidi von Schaewen, Christian Fossier, Denis Rivière, Louis Quilici, Max Reithmann, Georges Jeanclos, Ivan Theimer).
Convoquer l’imaginaire associé aux ateliers de Man Ray (1982), Alessi (1989), Christian de Portzamparc (1996) ou Lucian Freud (2010) donne de la force à cette démarche qui va à l’encontre du contexte institutionnel traditionnel. Reconstituer l’atelier du sculpteur Alberto Giacometti en intégrant des murs d’origine dans l’exposition représente une prouesse mise en œuvre en 2007 sous le commissariat de Véronique Wiesinger.
L’atelier se définit comme un espace intime ou dédié au cercle étroit de l’artiste ou du designer dans lequel l’œuvre prend vie. Il occupe une place majeure dans les collections photographiques du Centre Pompidou et ses représentations sont des sources d’information pour les historiens de l’art. Ils peuvent ainsi restituer les conditions et modalités matérielles de la création. Ces documents seront mis en perspectives avec les restitutions « en volume » sous formes d’« expositions-ateliers ».
En quoi cette forme curatoriale répond-elle aux partis-pris d’ouverture et de transdisciplinarité du Centre Georges Pompidou ? Quelles en sont les particularités ? Et comment s’adapte-t-elle chaque fois au lieu ?
Programme de la journée d’étude :
EPCAF – European Postwar and Contemporary Art Forum
Second June Colloquium – Parsons Paris
Saturday, June 17, 2017
Des « accrochages abécédaires »
« […] l’ordre alphabétique – qui est, comme chacun le sait, tout à la fois un ordre et un désordre, un ordre privé de sens, le degré zéro de l’ordre. »
Roland Barthes, « Les sorties du texte », Œuvres complètes, t. IV, p. 366.
A l’occasion du symposium « Icônes de l’art moderne », Daniel Buren a présenté le film d’une exposition dont il avait la responsabilité au Bozar de Bruxelles. En préambule de son intervention, l’artiste est revenu sur l’idée qui était à l’origine du projet : organiser un accrochage des œuvres par ordre alphabétique. Ce parti-pris a suscité entre-temps certains doutes chez l’activiste de « support-surface ». Cependant, le résultat l’a convaincu des vertus du « hasard objectif », là où l’aléatoire d’un rythme linéaire rencontre la fantaisie subjective des choix artistiques.
Dès lors que l’on présente une collection, on opère un classement. Personnelle ou imaginaire, au départ, elle peut être l’objet d’un fantasme. C’est le cas de l’exposition bruxelloise pour laquelle Buren a rassemblé des œuvres ayant pour seul critère de lui plaire. L’installation constitue en soi une proposition artistique, tout en éclairant ce qui a forgé ses goûts et construit son univers. La présentation alphabétique apporte un contrepoint impersonnel, une forme d’équivalence textuelle à la neutralité graphique des rayures qui sont sa signature.
Dans le même temps, Fabrice Hergott a fait un choix similaire. Invité à relire la collection de Carla Sozzani, l’actuel directeur du MAMVP propose une sélection raisonnée des photographies de la galeriste et éditrice de mode (Vogue Italia, Elle Italie) : « La disposition alphabétique du catalogue et de l’exposition participe à cette volonté de ne pas sur-interpréter quelque chose qui par sa richesse tisse des liens signifiants » écrit-il. La simplicité de l’accrochage conforte la cohérence d’associations judicieuses, ménageant des zones de suspense notamment lorsque le visage de Cecilia Chancellor surgit, surpris par Steve Hiett (1996).
Le portrait flouté d’Azzedine Alaïa en compagnie de Naomi Campbell (Althur Elgort, 1987) côtoie ceux de Marlène Dietrich et son mari par Alfred Eisenstaedt (1929). L’enchaînement des images de William Claxton montrant Peggy Moffitt en Rudi Gernreich, Jean Clemmer pour Paco Rabanne, Louise Dahl-Wolfe pour Dior et de The Cup du Baron de Meyer donne la sensation d’une osmose dans la définition du genre de la photographie de mode. Les juxtapositions exaltent l’inventivité des cadrages et la signature graphique de chacun. Ces univers dominés par le noir et blanc attisent les nuances de leurs voisines en couleurs.
Le tirage Fresson d’une tulipe prise en gros plan par Sheila Metzner (Flowers, 2000) et un tirage chromogénique de Richard Misrach (Road Blockade an Pyramides, 1989) encadrent le storytelling de Duane Michals – Now becoming then (1978) – et fournissent de possibles prolongements à son histoire.
Ainsi, le commissaire fait la démonstration de l’unité de la collection.
Traditionnellement, les accrochages répondent à des classifications thématiques, monographiques ou chronologiques. Ce parti-pris normatif apparaît dès lors comme une alternative offrant une place de choix à l’impromptu. L’exposition « Entre l’art et la mode : la collection Carla Sozzani » est visible jusqu’au 26 février à la galerie Alaïa.
Invité par l’espace Topographie de l’art à exprimer la nature polymorphe de l’arbre, Paul Ardenne se livre à un exercice curatorial foisonnant dans ce lieu d’échanges pensé par Clara Djian et Nicolas Leto pour capter l’air du temps.
La « femme à la bûche » est devenue un classique de l’univers lynchéen. Elle permet ici une introduction intéressante aux brouillages des registres auxquels plusieurs artistes s’adonnent. Le travail sur les matériaux rejaillit avec force dans la scénographie : les souches (2007) de Fabrice Langlade sont en résine epoxy, silicate d’aluminium et peinture PU. De petites branches tentaculaires ont été réalisées par Clorinde Coranotto avec du papier d’aluminium et des couvertures de survie (2016). Réunies avec du fil électrique, leur apparence conserve le mystère de tirages photographiques précédemment réalisés sur des étiquettes d’expédition transparentes. L’assemblage circulaire est rehaussé avec des stylos à encre gel or et argent, donnant à cette installation sculpturale l’aspect lustré dont certaines fleurs se parent pour attirer les insectes. Les troncs de Laurent Perbos sont en tuyaux d’arrosage PVC ; ses palmiers en frites de piscine.
Abdul Rahman Katanani crée un olivier avec du fil de fer barbelé dont les torsions donnent à l’ensemble un effet rutilant. Le matériau est utilisé dans sa version la plus rustique avec Laurent Tixador, lauréat du prix COAL Art et environnement 2013, qui donne une vision pittoresque des « réseaux électriques » (2016) réinterprétés en platane. Adepte de la récupération, il a recyclé les rebuts de l’élagage pour concevoir ces structures paradoxales.

Iris Crey, “Les Trois arbres / The Three trees”, série de 15 triptyques, impressions photographiques sur bois, 2016.
Iris Crey a détourné le bois de peuplier – symbole de souvenir et de liberté – pour en faire un support photographique. Sa pâleur harmonise les contrastes. Il permet d’expérimenter une gamme de nuances autour de quinze triptyques : partant d’un test psychologique qui consiste à cerner la personnalité du patient en lui demandant de dessiner un arbre, Iris Crey a associé ces « images de la pensée » à des photographies parfois prélevées dans son album de famille.

Iris Crey, “Les Trois arbres / The Three trees”, série de 15 triptyques, impressions photographiques sur bois, 2016 (détail).
La superposition emboîte plus ou moins les contours, marquant l’écart entre la réalité et le filtre subjectif. La troisième phase reprend alternativement des représentations d’arbres sur lesquels les croyances et superstitions ont projeté des pouvoirs magiques, des évocations artistiques (avec la performance emblématique de Beuys à la Documenta de Kassel) ou prosaïques (avec les photos commerciales des pépinières). Enfin, la technologie s’inspire du mimétisme (par exemple avec l’arbre éolienne).
Aurélie Gravas a élaboré une composition de papiers découpés aux couleurs vives et reflets métalliques où s’accrochent des silhouettes d’oiseaux parfois découpés en creux ou en aplat. L’effet de la peinture aérosol donne un équilibre volontairement instable à cette tribu volatile. Les variations de noirs apportent une densité certaine aux univers de Thomas Lévy-Lasne. Le dessinateur répartit savamment la lumière pour créer des compositions dynamiques. Il donne libre cours à l’effervescence de la foule dans le cadre retenu de la végétation (Manifestation, 2015). Attentif aux événements quotidiens comme aux mouvements sociaux, l’artiste fait de l’arbre un compagnon urbain, témoin de la marche du monde, au jour le jour.
Kandinsky a découvert l’abstraction en voyant l’un de ses tableaux figuratifs à l’envers. Askhat Akhmedyarov transpose cette propriété en sculpture. Il reprend la thématique de l’arbre inversé comme le proposait Rodney Graham en photo. Avec ce dévoilement hors sol, il exhume la forme fascinante des racines qui se déploient, ondulent avec une grâce ornementale. Les impressions jet d’encre d’archives du duo Ackroyd & Harvey supposent un face à face implacable avec la plante exhibée dans sa globalité, la renvoyant à sa dimension biologique. Le fond blanc ne laisse aucune échappatoire. Les artistes anglais s’inscrivent dans la lignée de l’art écologique, en faisant de l’image un instrument de responsabilisation (notamment dans le cadre de la COP21 avec Beuys’ Acorns: Trees on Tour).
Khvay Samnang exprime lui-aussi des préoccupations environnementales dans la vidéo « L’Homme caoutchouc » (2015). Au cœur de la forêt cambodgienne, l’artiste s’identifie à l’hévéa en s’aspergeant de latex frais. Il dénonce ainsi les nuisances de la monoculture pour la biodiversité. Tout semble envisageable, y compris un « Arbre aux quarante fruits », imaginé par Sam Van Aken comme un remède à l’aporie… A moins qu’il ne s’agisse d’une énième tentative de contraindre la nature ? La figure de l’artiste se déplace vers celle de l’inventeur. L’“Arboretum” (2013) de Patrick Van Caeckenbergh l’assimile quant à lui au rôle de collectionneur, recherchant ici et là, les espèces rares, objets plus ou moins curieux qu’il assemble, trie, hiérarchise… avec le soin méticuleux d’un lépidoptériste qui épingle des papillons.
Inspirée par l’univers de la BD et du street art, Sara Conti a réalisé de grandes fresques d’une dizaine de mètres (collage papier sur mur), suscitant la curiosité dès l’entrée. Réinterprétant le thème de la fusion de l’arbre avec l’humain, elle soumet ses créatures à d’étranges germinations. Le ton est ludique. D’abord dessinées à l’aide de logiciels informatiques, les galipettes de ses personnages découpés acquièrent sur les cimaises une dimension nouvelle. Sean Capone interprète lui aussi le mythe de la métamorphose pour donner corps à ses déformations numériques, en incarnant Daphné sous les traits d’une mutante. Les vidéos de Margit Lukács & Persijn Broersen nous baignent dans un environnement surnaturel et idyllique. L’arbre est planté dans le décor d’un jeu vidéo où les héros ont plusieurs vies.
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75003 Paris
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Du mardi au samedi
14h – 19h
ENTRÉE LIBRE
T. 01 40 29 44 28
F. 01 40 29 44 71
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M° : St Paul ou
St Sébastien-Froissart
Publication : “Circulation entre les arts. Interroger l’intersémioticité”
Suite au colloque organisé par Muriel Adrien, Marie Bouchet et Nathalie Vincent-Arnaud, mon article “Généalogie du roman-photo : origines, détournements et perspectives” est désormais disponible sur Fabula.
Inspiré par l’esthétique cinématographique de l’après-guerre, le roman-photo connaît d’abord un succès florissant en Italie avant de devenir le sujet incontournable de certaines revues populaires dans toute l’Europe, adaptant son contenu au secteur de la presse féminine. C’est un genre souvent tourné en dérision et critiqué, qui s’adresse aux lecteurs de revues à grand tirage telles que Nous Deux, magazine dont Barthes répète qu’il est « plus obscène que Sade ». Il induit le développement d’une esthétique spécifique reposant sur l’usage combiné de gros plans sur des « têtes » dites « parlantes » aux expressions marquées et de vues plus générales donnant un effet de miniaturisation. Son apparence est directement empreinte des stéréotypes hollywoodiens qui sont caricaturés.
VIK MUNIZ, EN TOUT OU PARTIE (MEP)
Depuis les années 1990, Vik Muniz concilie divers médiums, faisant du détournement et de la récupération un dénominateur de son travail. Les combinaisons entre reprises et citations s’apparentent à du recyclage iconographique, impliquant une transformation à l’œuvre. La vingtaine de photos exposée à la Mep évoque le regard des collectionneurs Géraldine et Lorenz Bäumer tout en donnant un aperçu significatif de l’évolution stylistique du photographe. C’est un principe de reconstitution qui anime Vik Muniz lorsqu’il s’attelle à un paysage réalisé par le peintre Claude Lorrain à partir d’écheveaux de fils entremêlés ou lorsqu’il dessine les silhouettes d’individus perdus dans une foule en chocolat liquide (1998). C’est un geste de diffraction qui intervient ensuite lorsqu’il reproduit une composition picturale d’Odilon Redon (vase avec fleurs, 2004) la Nuit étoilée d’après Van Gogh ou une baigneuse peinte par Degas. Il nous donne l’illusion de voir les atomes qui composent les êtres ou les objets en utilisant des fragments de papiers extraits de magazines. Il réfléchit sur les matériaux, en recréant le tableau de Goya (Incendit, Feu de nuit 1793)
composé uniquement à partir de pigments. La photographie stabilise la composition éphémère. Il travaille patiemment sur la sédimentation, l’accumulation et la juxtaposition et privilégie le cibachrome pour la vivacité des couleurs. Il mise sur la tautologie en reproduisant un paysage parisien à partir de cartes postales glanées ici et là (2013).
La tradition picturale a fait de la reproduction des œuvres un passage obligé. L’artiste brésilien puise dans des registres iconographiques éclectiques ; il place les chefs d’œuvre et la culture visuelle sur un plan d’égalité. En se donnant pour contrainte de produire des impressions visuelles avec des matériaux composites, Vik Muniz rejoint le principe de l’Ouliphopo, mouvement construit d’après le groupe littéraire presque éponyme.
Vik Muniz construit parfois ses œuvres avec des rebuts pour en faire des rébus. Il engage son musée imaginaire pour créer de nouveaux chaînons de signifiants. L’identité de l’auteur se confond avec la figure de l’interprète.