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« Paris – haut-lieu urbain, institutionnel et artistique de la photographie », Paris, Centre allemand d’histoire de l’art – DFK, 3 – 7 juillet 2017

Léon Gimpel, Grand Prix de l’Aéro-Club à l’Esplanade des Invalides [Paris], 26 septembre 1909. Autochrome, 9x12cm. Collection Société française de photographie (coll. SFP). FRSFP_0806im_A_1014, © SFP – Droits réservés
J’ai le plaisir de participer à l’atelier de recherche  « Paris – haut-lieu urbain, institutionnel et artistique de la photographie » organisé par par Ulrike Blumenthal, Julia Drost et Astrid Köhler (DFK Paris) avec Christian Joschke (Université Paris Nanterre) et Helen Westgeest (Universiteit Leiden) au Centre allemand d’histoire de l’art – DFK – Paris du 3 au 7 juillet.

Manifestation organisée par le Centre allemand d’histoire de l’art – DFK Paris, en coopération avec l’Université Paris Nanterre et l’Universiteit Leiden, avec le soutien de la Deutsch-Französische Hochschule – Université franco-allemande, Sarrebruck (http://www.dfh-ufa.org)

Programme complet :

Programm Paris-Photographie

Le 17.06.17 : “Centre Pompidou at 40”, Parsons, Paris, [ European Postwar and Contemporary Art Forum ]

Sophie Schenck, Vue de l'exposition "L'atelier de Giacometti", 2007
Sophie Schenck, Vue de l’exposition « L’atelier de Giacometti », 2007

Je donnerai une conférence sur « les expositions-ateliers au Centre Georges Pompidou » dans le cadre de la journée d’études « Pompidou at 40 » samedi 17 juin à Parsons Paris (45 rue Saint-Roch, 75001 ) :

Les « expositions-ateliers » sont un genre curatorial hybride, associant les lieux de la création au temps de la diffusion muséale. Elles donnent à voir l’art en gestation, à un moment donné. Ce choix d’accrochage s’accorde particulièrement bien à l’identité du lieu, véritable « porte ouverte » sur l’art vivant. L’atelier Brancusi est inauguré le 27 juin 1977. De surcroît, le centre Georges Pompidou organise une programmation triennale intitulée « Ateliers d’aujourd’hui » dédiée spécifiquement à des présentations monographiques (Jean de Gaspary, Deidi von Schaewen, Christian Fossier, Denis Rivière, Louis Quilici, Max Reithmann, Georges Jeanclos, Ivan Theimer).

Convoquer l’imaginaire associé aux ateliers de Man Ray (1982), Alessi (1989), Christian de Portzamparc (1996) ou Lucian Freud (2010) donne de la force à cette démarche qui va à l’encontre du contexte institutionnel traditionnel. Reconstituer l’atelier du sculpteur Alberto Giacometti en intégrant des murs d’origine dans l’exposition représente une prouesse mise en œuvre en 2007 sous le commissariat de Véronique Wiesinger.

Robert Doisneau, Alberto Giacometti dans son atelier, 1957
Robert Doisneau, Alberto Giacometti dans son atelier, 1957

L’atelier se définit comme un espace intime ou dédié au cercle étroit de l’artiste ou du designer dans lequel l’œuvre prend vie. Il occupe une place majeure dans les collections photographiques du Centre Pompidou et ses représentations sont des sources d’information pour les historiens de l’art. Ils peuvent ainsi restituer les conditions et modalités matérielles de la création. Ces documents seront mis en perspectives avec les restitutions « en volume » sous formes d’« expositions-ateliers ».

Sabine Weiss, Alberto Giacometti dans son atelier, 1954

En quoi cette forme curatoriale répond-elle aux partis-pris d’ouverture et de transdisciplinarité du Centre Georges Pompidou ? Quelles en sont les particularités ? Et comment s’adapte-t-elle chaque fois au lieu ?

Programme de la journée d’étude :

EPCAF – European Postwar and Contemporary Art Forum

Second June Colloquium – Parsons Paris

Saturday, June 17, 2017

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Publication : « Circulation entre les arts. Interroger l’intersémioticité »

Suite au colloque organisé par Muriel Adrien, Marie Bouchet et Nathalie Vincent-Arnaud,  mon article « Généalogie du roman-photo : origines, détournements et perspectives » est désormais disponible sur Fabula.

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« Bovary 73. Roman-photos paru dans le magazine « Nous deux ». Supplément du numéro 1340, 8 mars 1873.

Inspiré par l’esthétique cinématographique de l’après-guerre, le roman-photo connaît d’abord un succès florissant en Italie avant de devenir le sujet incontournable de certaines revues populaires dans toute l’Europe, adaptant son contenu au secteur de la presse féminine. C’est un genre souvent tourné en dérision et critiqué, qui s’adresse aux lecteurs de revues à grand tirage telles que Nous Deux, magazine dont Barthes répète qu’il est « plus obscène que Sade ». Il induit le développement d’une esthétique spécifique reposant sur l’usage combiné de gros plans sur des « têtes » dites « parlantes » aux expressions marquées et de vues plus générales donnant un effet de miniaturisation. Son apparence est directement empreinte des stéréotypes hollywoodiens qui sont caricaturés.

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Colloque international « Du fantôme », 7-8 juin 2016, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

l'âme du couteau
Alain Fleischer, L’Âme du couteau, collections du Centre Pompidou, 1982.

Je donnerai une conférence sur le travail d’Alain Fleischer dans le cadre du colloque sur les fantômes organisé par Miguel Egaña et Anne Dietrich.

(Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, UMR ACTE CNRS 8218)

Centre St Charles

47 rue des Bergers

75015 PARIS

7 et 8 juin 2016

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Journée d’étude « Les arts contemporains et leur espace institutionnel », INHA (salle Vasari), 9 avril 2016.

affiche-e1458246300676Journée d’études organisée par Pamela Bianchi (Maître de conférences) et Jee-Young Kim (doctorante de l’EDESTA)
Avec la participation de l’EPHA / AIAC, École Doctorale Esthétique, Sciences, Technologies des Arts (EDESTA), Université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis

Samedi 9 avril 2016, de 9h30 à 16h30
Institut national d’histoire d’art (INHA), Salle Giorgio Vasari
2 Rue Vivienne 75002 PARIS

PROGRAMME

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Inez Van Lamsweerde et Vinoodh Matadin, campagne « L’Invitation au voyage », Louis Vuitton, 2013.

PREMIÈRE SESSION : THÉÂTRALISATION DES ESPACES INSTITUTIONNELS

  • Le Louvre infiltré : Détournement et réinvestissement des valeurs de l’institution par la photographie de mode, Muriel BERTHOU CRESTEY, Docteur en esthétique, Critique d’art, Commissaire d’exposition
  • Exposition comme dispositif de la ré-expérience : l’acte-expérience de Koki Tanaka, Miki OKUBO, Maître de conférences en arts plastiques, Docteur en esthétique, Université Paris 8

Continuer la lecture de Journée d’étude « Les arts contemporains et leur espace institutionnel », INHA (salle Vasari), 9 avril 2016.

11-13.05. Colloque « Faire l’histoire de la mode dans le monde occidental »

Faire l’histoire de la mode dans le monde occidental / Producing the History of Fashion in the West

Colloque international co-organisé par Les Arts Décoratifs, le CERHIO-Rennes – UMR CNRS 6258, l‟IRHiS – UMR CNRS 8529, et à l‟initiative du Groupement d‟Intérêt Scientifique « Apparences, corps et sociétés » (dir. Jean-Pierre Lethuillier)

Programme du colloque

Mon intervention « Histoire et mode : une symbiose photographique » aura lieu le 11 mai, dans la section « IMAGES ET HISTOIRES DE LA MODE / IMAGES AND HISTORIES OF FASHION » Continuer la lecture de 11-13.05. Colloque « Faire l’histoire de la mode dans le monde occidental »

FRENCH FASHION PHOTOGRAPHY: 1947-1960 [Texte de mon intervention dans le cadre de l’ « Association of Dress Historians » Londres], 21.02.15

Fashion has changed over the years. Photography immortalizes a moment. The meeting of fashion and photography gives to the designers’ creation a timeless and unchangeable form; at the same time, it reveals the spirit of an era. The study of the relationship between photographic style and the garments depicted could reveal in part the mystery of fashion.

Introduction: post-war optimism and the emergence of the humanist movement

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Willy Maywald, Sur les quais de Seine, tailleur Bar de Christian Dior, lançant la mode New Look, 1947.

The stage photographs of the suits by Dior taken by Willy Maywald provide insight into the 1940’s mindset. Waist tucked; shoulders rounded; and skirts in the shape of a flower requiring forty meters of fabric appear in full frontal compositions. The oversize of the dresses provides optimism and hope post-war. Classical shooting amplifies the elegance of the model. In the United States, the inventiveness of the framings taken by Louise Dahl-Wolfe or Norman Parkinson brings a touch of modernity to Dior’s creations: the decorations of a tapestry brighten up for instance the ruby red tone of a silk velvet dress. Fashion photographs taken by the “Groupe des XV”’s members exacerbate the characteristic of practices in this movement, that is to say the interplay of light and shade, the classical manner and the control of the composition, the technical precision and the expression of the photographer’s sensibility. This association of fourteen photographers was inaugurated on the 8th of March 1946, in order to “give French Photography its place in the world”. They testify to the aesthetic, formal, anthropological and social transformations which appear post-war. Fashion photography is divided into two directions: physically it records fashion and formally, it shows it. On one hand, the images themselves depict a time thanks to visual and technical parameters, as the medium evolved. On the other hand, clothes are representative of a period of time. What kind of dialogue can bring together the fifties, the photographer’s gaze and the image of high fashion?

  1. Fashion photography and history: a symbiosis of shooting locations and designers’ creations.

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Cecil Beaton, Digby Morton suit, Vogue britannique, 1941.

During the war, selected locations were related to an historic use. In 1941, for instance, Cecil Beaton takes a photograph of a British Vogue model wearing a tweed Digby Morton suit; she poses in front of a ruined temple destroyed during the bombing of London. Post-war, French photographers prefered locations with strong French and cultural connotations.

*Sociological background and cultural heritage

In the French post-war era, society and feminine status evolved. Location selection was crucial. When Philippe Pottier said that he « fits a strict city suit with the geometric design of the elevated rail »[1], he reconciled both form and substance with a graphic and dynamic composition. Inside private mansions, marbles provides a setting to the Jean Dessès’ vaporous silk evening dresses.  According to him, « that evening dress would be better placed in a Louis XVI salon than an Empire decor, that city dress better in a provencal auberge than on the stairs of the Palais de Chaillot »[2].

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Philippe Pottier, modèle de couture signé Madame Grès, vers 1958-1960, Fonds Bibliothèque nationale de France

Fashion photography of the fifties gives an image of modernity. It associates the image of the woman with strongly suggestive locations and objects (car, plane, globe, encyclopedia, library…) First, the poses are less static and photographers want to show movement and natural scenes. The image of the woman is idealized and symbolizes both feminity and refinement. However, photographers give her a cultivated image. Sometimes, the model, by holding an object such as a book or perhaps even an artist’s monograph, gives preeminence to the geographical location. Photographers manage to combine both elegance and cultural values, by associating arts, museums and Haute couture. Pleat fabrics dresses fashioned by Madame Grès interact with the setting in the Musée de l’Île-de-France. Decorations of Louis XIV style are an answer to the sophistication of drapery and gathering. On a photograph presenting a Robert Piguet frock coat, there is a reiteration of the canine decor because of the little dog in the foreground.

Philippe Pottier tried to control light whether in the perfect environment of the studio or in the spontaneous environment of the outdoor. He expresses his technical rigor and precision in graphic “moods”. He always adapts his stage to the current topics of everydaylife. He references the car show of 1957 by taking a photograph of a couple in front of a convertible vehicle. Finally he introduces a future using a stage to create a dimension on playing on perspective to trick the eye. The model is photographed looking at an image of an architectural project planned for the future.

The Séeberger brothers also choose stereotypical positions for the fashion campaigns of Jean Patou, Jean-Louis Scherrer, the pleated coat of 1953 and the Bubble dress of 1954 created by Pierre Cardin. Models pose on the banks of the river Seine, or Place de la Concorde and in front of the Palais de Tokyo.

*Reference to the History of art
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Jeanne Lanvin, 1953 (« Salon des réalités nouvelles », devant un projet mural de Vasarely). Publié dans L’Officiel de la mode n°377-378, 1953, p. 190.

Avant-garde movements are a major inspiration for designers.  Fashion in the 1950 is in synergy with works of art belonging to the Op’art movement, abstraction, architecture and visual culture.  During the Salon des réalités nouvelles in 1953 which was organised to promote abstract art, P. Pottier gives an avant-gardist character to a series of photographs taken in the Musée d’art moderne. Ektachromes prints reveal this stage: the model with a Lanvin « cognac-colour » coat, is standing barefoot, on a stool, in front of the Vasarely painting. However, the publication reframes the picture at the ankles.

  1. The fifties in History of fashion photography

*Theoretical options: fashion photography as a gender

Fashion photography plays an increasingly important role in the world of communication since the fifties. Certainly there has been fashion iconography using photographic media since the nineteenth century. The first true fashion photographer, Adolf de Meyer, started in 1910. Yet it is only in the middle of the nineteenth century that fashion Photography was born. Photographers don’t just want to show the clothes but they also wish to express, to interpret, to incarnate and to capture every angle in just one image. The “Fashion photographer” is born from a request of the magazine’s directors and editors: Richard Avedon is employed by Alexey Brodovitch for Harper’s Bazaar; Irving Penn gives his photographs to Alexander Liebermann for Vogue. The History of Fashion photography has been written a posteriori, since 1970.

*The advent of the photographer’s profession in the fifties. A comparative approach.
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© Sabine Weiss

During the fifties, many photographers began to suggest some alternatives to the classical style and traditional shooting of the Seeberger brothers. Sabine Weiss, who was a young swiss photographer recently moved to Paris, took in the same time fashion photographs; she insisted on the technical training which was essential to acquire solid foundations. She followed professional training in Genèva and then, she entered the studio of Willy Maywald in Paris. During an interview she gave me two yweiss IIears ago, the photographer who was born in 1924 emphasized on the strangeness of the working conditions in the forties: there was no water in the studio, but she explained that everything was very still controlled by specific protocols. Now she is recognized among humanist photographers, she radically splits these two practices – on one hand to capture the weiss IIIkey instant, for the pleasure in catching an unexpected view, on the other hand, to produice stage photographs, for customers.  She uses both technics in her fashion photographs, in particular in her images for Vogue. “There are some stage photographs very difficult to take and on the contrary, spontaneous snapshots”. She insists on the physical and technical difficulties involved in taking this kind of photographs in the fifties – camera and materials were heavy and cumbersome – and the knowledge to count the lights, select the filters, and constantly adapt to changing lights. Sabine Weiss was searching for the perfect composition, by raising her objective to the mobile stages where everything was arranged to create the illusion of action. The model wearing a Chanel suit, sketches a gesture.

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Diane Arbus, Glamour, mai 1948.

Diane Arbus first worked for Glamour and then for Esquire in the fifties and for Harper’s Bazaar. Her photographs showed concrete methods for making an image. The photographer’s studio is separated into different parts, one part of it with a white background where the model poses. Everything is controlled; it is a team effort. So she is in a similar line to the French movements which the Séeberger brothers and Philippe Pottier participate.

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Frank Horvat, Paris, Jardin des Modes, “Male fashion at the Stock Exchange”, 1958.

While Frank Horvat, who takes photographs in the same period, breaks away from these approachs. Nevertheless, he shares the idea of a specific gender which could be fashion photography. But one of the big differences is to adopt the democratization of fashion, in contrast to traditional fifties idealism. Moving the shooting from the studio to the street with bystanders and dogs changed preconceived ideas.

Frank Horvat searched for natural and real expressions, refusing stereotypical poses. Instructions given to the models are revelatory: he wants relaxed and flexible poses; he asks the models not to smile and not to look at the camera.

He avoids the stylists and make-up artists’work which remove naturalness. His goal is narration through dress. He told me an anecdote: one day he had inadvertently photographed the back of a dress thinking it was the front; unexpectedly, the designer – Hubert de Givenchy – discovered this way showed better the details of the cloth.

Muriel Berthou Crestey

[1] Marie de Thézy, Paris 1950 photographié par le groupe des XV, catalogue de l’exposition organisée dans le cadre du Mois de la photo 1982, Paris, Bibliothèque historique de la Ville de Paris, 1982, p. 25.

[2] R. Seube, « Un photographe de mode : P. Pottier », Kodéco, mars 1959, cité par Dominique Versavel, « Philippe Pottier, un photographe au service de la mode », Revue de la Bibliothèque nationale de France n°21, 2005, p. 33.

Recherche menée à la Bibliothèque nationale de France 
avec le soutien de la Fondation Louis Roederer pour la photographie.

Conférence ayant reçu le "Soutien à la participation à des colloques internationaux", Institut National d'Histoire de l'Art, 2015.

« Mode et guerre en Europe. 1914-1918. Fashion, dress and society during World War I »

 

NURSE de meyerConférence : « Les photographies du baron Adolf de Meyer dans Vogue : formes, représentations, idéologies », Samedi 13 décembre, 9 heures, salle 0.1 de l’IFM, Paris. 

DANS LE CADRE DU COLLOQUE « MODE, VÊTEMENT ET SOCIÉTÉ EN EUROPE DURANT LA PREMIÈRE GUERRE MONDIALE », 12-13 DÉCEMBRE 2014, IFM (Dir. Maude Bass-Krueger & Sophie Kurkdjian)

mode et guerre en Europe

« 60 chercheurs internationaux venus du monde entier (Allemagne, Canada, Espagne, États-Unis, Finlande, Grande-Bretagne, Grèce, Hongrie, Italie, Norvège, Suède…)   interviendront sur l’histoire de la mode féminine et masculine, des femmes et de la presse féminine en temps de guerre, ainsi que sur les questions d’identité et de genre. Ce colloque sur l’histoire de la mode et de la beauté durant la Première Guerre mondiale est une initiative inédite. Jamais une conférence internationale n’a été organisée sur ce thème.

S’inscrivant dans le cadre des commémorations officielles du Centenaire de la Première Guerre mondiale, ce colloque permettra d’interroger le rôle des femmes durant le conflit, mais aussi des problématiques essentielles d’histoire sociale, économique, culturelle et même politique de la mode et de la beauté, telles que les questions liées au genre et à l’identité, à la production et consommation vestimentaire, à la presse féminine, aux couleurs et aux tissus. Ces questionnements, largement oubliés dans l’historiographie, enrichiront considérablement la recherche en histoire de la mode et de la beauté, en éclairant une période dont les femmes ont longtemps été oubliées. Si l’après-guerre est décrit comme une période de libération pour les femmes (même si, à l’exception des domaines de la mode et de la beauté, il faut en relativiser la portée),  et d’évolution formelle des vêtements qui vont vers plus de simplicité, il faut aller en rechercher les origines durant la Première Guerre mondiale, et c’est ce que colloque entend réaliser : comprendre, découvrir les ressorts de l’émancipation féminine de l’après-guerre, tout en abordant aussi la question de la mode masculine. La dimension internationale et pluridisciplinaire de ce colloque permettra de croiser les regards sur ces questions, et d’envisager l’histoire de la mode, de la beauté et des femmes dans une perspective d’histoire connectée. »

Toutes les informations relatives au programme se trouvent sur :

http://wwifashion.com/

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Colloque « La Parisienne, du Second Empire aux années folles ». 16-17, 30-31. 01.2014

Eugène Disdéri, La Taille, 1860s.
Eugène Disdéri, La Taille, 1860s.

Colloque « La Parisienne, création d’un mythe : représentations littéraires et artistiques du Second Empire aux  années vingt », en partenariat avec Paris Ouest Nanterre, sous la direction d’ Anne- Simone Dufief, P.J. Dufief, les 16- 17 janvier 2014 et les 30- 31 janvier 2014.

« Le premier XIX° siècle a connu la vogue des physiologies qui ont décliné toute la diversité des types sociaux que les romanciers ont mis en fiction en privilégiant la variété des personnages féminins. Paris exerce une fascination toute particulière et la période va voir progressivement le type de la Parisienne accéder au statut de mythe.

Le colloque s’attachera donc à analyser les différentes formes du type et du mythe dans les lettres, la presse et les arts.

Les interventions s’appuieront sur des approches critiques et des méthodologies diverses faisant appel aussi bien à l’histoire culturelle, à la sociologie et aux études de réception. »

(Extrait de la note d’intention de Anne Simone Dufief et Pierre Dufief).

Programme

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Journée d’étude « Les Vouloirs de l’empreinte ». 23/10/13

« Cette journée d’étude s’inscrit dans le cadre de recherches en arts plastiques et plus largement dans une réflexion pluridisciplinaire sur les moyens et les démarches de création.  » Direction : Hélène Saule-Sorbé.

Intervenants : Judith Avenel, Muriel Berthou Crestey, Laurence Cavalier, Jacques des Courtils, Alban Denuit, Ghislain Trotin, Hélène Saule-Sorbé.

Université Michel de Montaigne, Bordeaux III.

9h.30 – 17 h.

Maison des Sciences de l’Homme d’Aquitaine, Salle II, 1er étage.

Programme-empreinte

Colloque « Photolittérature, littératie visuelle et nouvelles textualités », 26-27. 10, NYU, Paris

Colloque international

NYU Paris,  Université Rennes2, Université du Québec à Montréal

Photolittérature, littérature visuelle et nouvelles textualités

« La photolittérature réfère à des productions imprimées dans lesquelles ont été insérées des photographies, le plus souvent à titre d’illustrations, au sein d’œuvres ayant un statut littéraire ou vocation à être perçues ou reconnues comme telles. Par extension, le mot désigne aussi l’ensemble des productions éditoriales dans lesquelles l’image photographique joue un rôle structurant. Ce colloque a pour ambition de contribuer à une réflexion sur l’histoire passée et la mutation contemporaine des littératures, du livre, de la photographie et plus largement des formes de textualités. »

ContactPhlit.org@gmail.com

Direction : Paul Edwards (NYUF, CHCSC, UVSQ) Vincent Lavoie (Uqàm) Jean-Pierre Montier (université rennes 2 )

Renseignements: Université NYU Paris

56 rue de Passy
75016 Paris
Tél. : +33 (0)1 53 92 50 80
Métro : Métro Passy ou La Muette Code rue B9821
Bâtiment de la deuxième cour

VENDREDI 26 OCTOBRE 2012

9h > session 1, plénière, salle 6
« Inventions photolittéraires » introduction par Paul Edwards

Catherine Clot (nYu) : « Le valois de Gérard de Nerval illustré par Germaine Krull »

Carla Manfredi (Queen’s university, Kingston, Canada) : « Fantasmagories du Pacifique: la photofiction de Robert Louis Stevenson »

Shaba kowsar (doctorante, uvsQ, ChCsC) : « Une séance de pose d’Henry Monnier en 1860 »

Xavier Fontaine (doctorant, Princeton, new Jersey) : « La photographie non-identifiée de Bruges-la-Morte »

14h > session 2, salle 11
« Fictionnalisations photolittéraires »

Emna Beltaïef (université de la Manouba, tunis) : « Paris tendresse, Brassaï & Modiano, de la photographie à l’écriture »

Côme Martin (doctorant, Paris iv) : « Usage thématique de la photographie dans extremely Loud & incredibly Close de Jonathan Safran Foer »

Catherine Poisson (Wesleyan university, Connecticut) :
« Textures : Le petit Chaperon rouge revu et supplanté par Sarah Moon ? »

Chantal Bizzini (Chercheuse indépendante, Paris) : « illuminations de Sebald »

14h > session 3, salle 6
« Littératies plasticiennes »

Ji-Yoon Han (doctorante, université de Montréal) : « La Poupée de Bellmer : variations éditoriales sur le montage d’une série photographique »

Jérôme Dutel (université Jean Monnet, saint-etienne, CeLeC) : « Les horizons incertains (2010) de Martine Aballea »

Danièle Méaux (université Jean Monnet, saint-etienne, CiereC)) : « Quand les artistes viennent questionner le dispositif photolittéraire »

Márcia arbex (université de Minas Geraïs, Belo horizonte, Brésil) : « Les récits-images de Jean Le Gac et de Michel Butor »

17h30 > Conférence de clôture, salle 6 suzanne Doppelt, écrivain

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SAMEDI  27  OCTOBRE 2012

9h > session 4, salle 6
« Intermédialités et visualités du livre »

Céline Cadaureille (docteure, Membre associée LLa-Créatis, toulouse) : « Les scripts secrets des fantasmes sur papier glacé »

Andrea oberhuber (université de Montréal) : « Par-delà l’illustration : projets photolittéraires et modes de lecture du livre-objet dans les années trente »

Gyöngyi Pal (docteure, universités rennes 2 et szeged, hongrie) : « Tendances et spécificités de la photolittérature hongroise »

Gersende Camenen(université de tours) : «Les étranges textes-images de Mario Bellatin»

9h > session 5, salle 11
« Mutations photolittéraires »

Dalhia El seguiny (université du Caire, égypte) : « Du visuel dans le scriptural : la photo dans l’autobiographie moderne »

Muriel Berthou Crestey (docteure, membre associée ITEM/CNRS) : « Rhétorique du référent invisible »

Anahí Alejandra Ré (université de Cordoba, argentine) : « De la “dés-adressibilité” à la naissance d’un nouveau langage : agrippa (1992) de Gibson »

Arcana Albright (albright College, Grande-Bretagne) : « Textualité sans frontière : Livre /Louvre de Jean-Philippe Toussaint »

14h > session 6 , plénière, salle 6
« Nouvelles textualités de l’image » introduction par Vincent Lavoie

Servanne Monjour (doctorante, rennes 2, Cellam) : « Penser les virtualités de la photographie en dehors du numérique : retour imaginaire d’Atiq Rahimi »

Érika wicky (Post-doctorante, uqàm, Figura) : « Transparence et aura : la reproduction de tableaux au XXIe siècle ».

Anne Reverseau (Post-doctorante, K.u. Louvain, Belgique) : « Les cartes postales du désordre : des nouvelles du continent numérique »

Anne-Cécile Guilbart (université de Poitiers, ForeLL) : « Photolittérature argentique des années 1980, le chant du cygne ? »

17h30 > Conférence de clôture, salle 6

Bertrand Gervais (uqàm, Figura) : « Une figure suspendue. Reprise et dédoublement de the Falling Man dans les fictions du 11 septembre 2001. »

Parution : « l’Esprit des lieux » (dir. G. Peylet / M. Prat), Eidôlon n°99, Presses Universitaires de Bordeaux

Les communications présentées lors du colloque éponyme ainsi que d’autres textes délimitent – en pointillé – le territoire heuristique de « l’Esprit des lieux ».

Détail des contributions :

Première partie : Pour une définition de l’esprit des lieux

Alain Milon : L’esprit des lieux et le temps du lien

Christophe Perez : L’esprit des lieux et la vision du cœur

Paul Carmignani : Echos et visions de l’esprit des lieux dans la culture américaine

Michel Prat : Le mythe de l’esprit des lieux dans Il Gattopardo de Giuseppe Tomasi di Lempedusa et The Alexandria Quartet de Lawrence Durrell

Yolande de Pontfarcy : Aux sources de l’esprit des lieux dans l’ancienne Irlande

Elizabeth Magne : Image, paysage et voyage

Elena Daniela Grigorescu : Musique et représentation romanesque de la métamorphose spatiale

Hélène Jacomard : Le génie du lieu « Australie » d’après Michel Butor

J-M. Rietsch : La Genève de Nicolas Bouvier, écrivain-voyageur (1929-1998)

Françoise Daspet : L’imaginaire de la vie à la campagne dans les élégies de Tibulle

Alain-Philippe Durand : Kiosques à journaux, salons de coiffure et fromageries chez Georges Amado

Mirella Witek : La musique dans les Lettres d’un voyageur de George Sand

Lydie Pearl : Chagall : La lettre et l’esprit du lieu

Deuxième partie : Ces lieux où souffle un esprit

Daniel-Henri Pageaux : Azorin entre levant et Castille ou les chemins de l’écriture

Lise Sabourin : Les lieux de l’esprit créateur au XIXème siècle

Raffaella Cavalieri : Quand l’esprit des lieux renouvelle le paysage et le voyage

Christiane Muratelle : L’Amazonie ou l’utopie contrariée

Marc Arino : La légende de Kalla ou l’esprit des lieux dans Sortilèges créoles. Eudora ou l’île enchantée de Marguerite-Hélène Mahé.

Robert Varga : La Hara et ses transformations. Images d’un quartier d’antan dans l’œuvre d’Albert Memmi.

Agnès Lhermitte : Le mal est au château : un thème décadent

Yves Clavaron : L’esprit des lieux comme enjeu colonial

Françoise Genevray : Bombay, entre imagerie exotique et mythe romanesque

Géraldine Puccini-Delbey : La Thessalie, terre de fascination dans Les Métamorphoses d’Apulée

Renée-Paule Debaisieux : Le mythe de l’esprit antique en Grèce dans la littérature néo-hellénique du début du XXème siècle : ses modalités, sa finalité

Antony Soron : Lieu dit et lieu du silence : lecture de La maison du retour

Elisabeth Vauthier : Djeddah, espace du mythe et de la tragédi dans Aride Paradis de Laylâ al-Juhanî

Bernard Urbani : Le mythe de Ferrare dans Le roman de Ferrare de Giorgio Bassani

Léonor Graser : La Cité de banlieue, au cœur de l’intrigue

Andrée Mansau : Buenos Aires vue par Julio Cortazar. Quand la marquise sort à cinq heures

Régine Atzenhoffer : Lieux clos et lieux ouverts dans l’œuvre de H. Courths-Mahler (1867-1950) : empreintes de modes de vie, de codes et de valeurs

Patrice Cambronne : L’autel de la Victoire, un lieu de Résistance dans la Rome du IVème siècle.

Troisième partie : L’esprit des lieux mis en question

Alain Mons : La trouée des lieux contemporains : mutations, perceptions, corps

Peter Kuon : La plaine du Pô : lieu et non-lieu dans l’œuvre de Gianni Celati

Sylvie Castets : L’œuvre habitée / habiter l’œuvre

Valérie de Daran : Les lieux dans les épopées poétiques de Peter Handke, La perte de l’image et La nuit sur la Morava

Sophie Limare : Génies du non-lieu

Martine Bovo-Romoeuf : L’esprit des lieux dans L’Ange d’Avrigue

Delphine Bahuet-Gaschet : Entre mythe et modernité : le Milan de Dino Buzzati

Yves-Michel Ergal : Des lieux et des hommes

Odile Gannier : « …Aux Marquises » : chorographie picturale des artistes voyageurs

Thorsten Schüller : Lieu lointain ou lieu commun ? L’image de l’Afrique dans les avant-gardes européennes

Laura Eugenia Tudoras : Lieux d’esprit féminin : la ville de l’évocation et de l’imaginaire dans Pourquoi nous aimons les femmes

Jean-Guy Cintas : Quel esprit pour le Manoir d’Ango ?

Muriel Berthou Crestey : L’esprit des lieux dans les photographies d’Edouard Levé

Olivier Belin : Une mémoire errante : la Tahiti de Victor Segalen

Ana Lavrador et A. Tavares : La représentation de la vigne : de symbole à spectacle

Journées d’études « Circulations entre les arts : interroger l’intersémioticité », 30-31.03

Journées d’études organisées à l’Université de Toulouse II – Le Mirail sous l’égide de Nathalie Vincent-Arnaud, Muriel Adrien et Marie Bouchet.

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Argument : « Comment penser la circulation de la représentation d’un code à l’autre dans les œuvres intersémiotiques ? Que se joue-t-il lorsque l’on passe d’une forme à une autre, comme dans l’adaptation, ou lorsque l’œuvre elle-même circule entre les codes sémiotiques et les mêle (opéra, film, bande dessinée, insertion d’une image dans le texte ou de texte dans l’image, installation) ? Y-a-t-il circulation fluide entre les codes ou prééminence d’un code sur l’autre, voire illusion de circulation, simple « effet » d’un autre code ? »

Programme :

Vendredi 30 mars 2012

salle AR201, Université Toulouse II-Le Mirail

9h00 Accueil des Participants

Ouverture de la Journée d’Etudes

Présidente de séance : Marie Bouchet

9h30 Théval Gaëlle Université Paris III

« L’écriture intersémiotique de Julien Blaine : l’exemple des « Poèmes métaphysiques » »

10h00 Cifuentes-Louault Juanita Université Paris III

« Circulations artistiques dans l’œuvre de Susana Thénon »

10h30 Nägeli Christina Université de Zurich (Suisse)

« L’articulation intersémiotique du souvenir chez Camille Laurens »

11h00 PAUSE CAFÉ

11h30 Berton-Charrière Danièle Université de Clermont-Ferrand

« Trans/ou inter-figurations » sémiotiques : réflexions sur « Theatre painting »

12h00 Vincent-Arnaud Nathalie Université Toulouse II-Le Mirail

« Itinéraire obstiné du Boléro :Thierry Malandain, Michèle Lesbre, ou deux regards contemporains à l’œuvre »

12h30 pause déjeuner

Présidente de séance : Muriel Adrien

14h00 Fitzgerald Annelie Université Toulouse II-Le Mirail

« Resisting Intersemioticity : Wyndham Lewis »

14h30 Gris Fabien Université de Saint-Etienne

« La mémoire comme composante de l’intersémioticité. L’exemple de l’intersémioticité cinématographique en régime littéraire »

15h00 PAUSE CAFÉ

15h30 Berthou-Crestey Muriel

« Généalogie du roman-photo : Origines, détournements et perspectives »

16h00 Jullier Laurent Université Nancy II

« Des promesses, toujours des promesses : Passer d’un code à l’autre avec le film et son affiche »

20h00 Dîner en ville

**********************************************

Samedi 31 mars 2012

Salle du Château, Université Toulouse II-Le Mirail

Présidente de séance : Nathalie Vincent-Arnaud

9h30 Arden Charles Université Paris VIII

« La critique musicale des compositeurs, une écriture intersémiotique »

10h00 Bennett Fionn Université de Reims

“Music & language in ancient verse : the dynamics of an antagonistic intimacy”

10h30 PAUSE CAFÉ

11h00 Février Etienne Université Toulouse II-Le Mirail

« « Cat ‘N’ Mouse » de Steven Millhauser : un cartoon linguistique »

11h30 Laborde Barbara Université Paris III

« L’adaptation de La Rue des Crocodiles de Bruno Schulz par Stephen et Timothy Quay (1986) : réflexion intersémiotique sur le corps comme signe »

12h00 pause déjeuner

Présidente de séance : Nathalie Cochoy

13h30 Meillon Bénédicte Université de Perpignan

“The Vertigo of Reiteration through Adaptation : Nicompictopoop Representations in City of Glass, and Smoke

14h00 Giordano Corinne Université Montpellier III

« Des Choses de la Vie à Intersection : Une question de transmodalisation »

14h30 Bénard Rosine Université Paris III

« L’Annonciation : du texte biblique à Godard en passant par Fra Angelico »

15h00 PAUSE CAFÉ

15h30 Meunier Emmanuelle Université Paris VIII

« Les métamorphoses intersémiotiques du mythe casanovien »

16h00 Sebbah Alain Université Bordeaux III

« Le dialogue des arts dans les adaptations des Liaisons dangereuses »

19h00 Musée des Augustins, Toulouse

Création « Ecrire la danse, danser l’écriture »

Atelier de danse Michèle Broda

Colloque « Leurrer la nature », 25 et 26.01.12

Dans le cadre du colloque « Leurrer la nature », j’interviens à propos de l’artiste Liu Bolin le jeudi 26 janvier au Collège de France (salle Halbwachs).

Liu Bolin, série "Hide in the City", Nine Dragons Screen, 03-2010

Comme les buissons de Dante ou Daphné métamorphosée par l’imagination d’Ovide, l’artiste contemporain Liu Bolin se défait temporairement de son apparence humaine. Le plus souvent, c’est dans les villes qu’il se fond, faisant du mimétisme un langage plastique. Le temps d’une photographie, il compose un ensemble de mises en scène afin de dissoudre sa propre image dans le tissu urbain. Voulant mettre au jour certaines préoccupations politiques et culturelles, il a choisi un code singulier pour faire passer ses idées : en 2005, Liu Bolin découvre son atelier pékinois dévasté. En se dissimulant dans le paysage, il donne un voir une représentation collective qui dénonce le statut de l’artiste dans son pays. Parfois imperceptible, sa présence dans l’image sollicite une attention particulière. Liu Bolin se cache dans l’oppression pour ne pas y disparaître, ne pas y laisser sa peau. Ses mues sont labiles, donnant parfois à sa détection une forme ludique. Intégré au centre culturel et politique de la Chine, le plasticien occupe volontairement des lieux chargés d’histoire et de sens, se métamorphose en fonction des diktats des lieux. L’artiste est pris dans le tissu conjonctif de l’image. Se pourrait-il qu’il devienne invisible aux yeux d’Argos ? Paradoxalement, Liu Bolin s’enferme dans l’image pour ne pas être prisonnier d’un système. Depuis cinq ans, celui-ci parait infatigable dans ce jeu de cache-cache et d’inclusion visuelle, produisant un art de la dissimulation et de la feinte, assimilant le fond et la forme pour fusionner avec l’environnement. La ville se présente comme un curieux théâtre où l’acteur devient invisible, pour reprendre le titre de l’ouvrage de Yoshi Oida, acteur japonais prônant l’art de disparaître dans le personnage qu’il incarne. Une leçon appliquée depuis longtemps par les adeptes du théâtre traditionnel chinois (canjunxi). Une fois photographiés, ces montages génèrent un nouveau type de trompe l’œil évoquant une mise en abyme du dispositif photographique, à savoir ce procédé « caméléon » en perpétuelle adaptation face aux innovations. Néanmoins, il y a un certain paradoxe à l’utiliser aujourd’hui comme un leurre mimétique alors même que l’on ne croit plus à une vérité photographique ou à la théorie du référent.

Colloque « Apparitions fantastiques », Angers, 24-26 novembre

COLLOQUE CRILA-CERIEC- CERLI

24-26 NOVEMBRE 2011


Apparitions fantastiques « Apparitions et disparitions dans la fiction brève (littérature et arts de l’image) »

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PROGRAMME :


JEUDI 24 NOVEMBRE

Accueil 13 h -14 h à la MSH

14 h 00 : Ouverture du colloque (Amphi G. Tillon)

14 h 15 – 15 h 15 : Conférence plénière de Michel Viegnes : « Être, apparaître, disparaître: quelques réflexions sur les enjeux du fantastique dans le récit bref ». (Amphi G. Tillon)

15 h 15 : Ateliers

Atelier A (Amphi G. Tillon)

Thème : Domaine nord-américain

Président de séance : Françoise Dupeyron-Lafay

15 h 15 – 15 h 45 : Marc Michaud, « La Transparence mythologique et l’apparition/disparition du père dans This is What It Means to Say Phoenix, Arizona de Sherman Alexie »

15 h 45 – 16 h 15 : Pascale Denance, « Entités fantomatiques et obsessions scopiques en tant que vecteur des états-limites du sujet dans un corpus composite du XIXe siècle ».

16 h 15 – 16 h 45 : Simone Grossman, « Ecriture et disparition dans le fantastique contemporain du Québec »

Pause café : 16 h 45 – 17 h 00

17 h 00 – 17 h 30 : Gerald Preher, Vrais-faux fantômes : « The Real Ghost » de Eudora Welty à Peter Taylor »

17 h 30 – 18 h 00 : Anne-Marie Baranowski, « Les récits fantastiques d’Ambrose Bierce (1842 – 1913 ?) : Une poétique de l’angoisse et de la subversion ».

Atelier B (Salle F. Kahlo)

Thème : Images de l’apparition (cinéma)

Président de séance : Jean Arrouye

15 h 15 – 16 h 00 : Gilles Menegaldo, « Dead of Night (1945) : spectres, miroirs et autres visions, l’effet fantastique dans la forme brève »

Pause café : 16 h 00 – 16 h 15

16 h 15 – 17 h 00 : Marie-Camille Bouchindomme, « Une écriture de l’invisible dans Le Horla de J-D Pollet »

17 h 00 – 17 h 45 : Charles Quiblier, « Apparitions de fantômes japonais : de l’écrit à l’écran, de la forme courte au long métrage »

Atelier C (Salle J. Gracq)

Thème : Les apparitions fantastiques (autres aires culturelle)

Président de séance : Michel Viegnes

15 h 15 – 15 h 45 : Roger Bozzetto, « Des nouvelles de Borges »

15 h 45 – 16 h 15 : Catherine de Wrangel, « Spectres, vampires et réflexion philosophico-politique dans les nouvelles de l’écrivain italien Tommaso Landolfi: du roman gothique à la critique des Lumières »

16 h 15 – 16 h 45 : Evelyne Jacquelin, « Entre Goethe et Kleist : des fantômes à la naissance de la nouvelle fantastique allemande »

Pause café : 16 h 45 – 17 h

17 h 00 – 17 h 30 : Pierre-Luc Landry, « Faire voir ce qui n’est pas là : disparition, enquête et surnaturel dans « L’éléphant s’évapore » d’Haruki Murakami »

17 h 30 – 18 h 00 : Gabrielle Napoli, « L’apparition fantastique ou les détours du témoignage dans Le Chercheur de traces d’Imre Kertész : Dürer et l’Apocalypse »


VENDREDI 25 NOVEMBRE

9 h 00 – 10 h 00 : Conférence plénière de René Godenne : « Le Fantastique dans la nouvelle d’expression française des XIXème et XXème siècles. » (Amphi G.Tillon)

Atelier D (Amphi G. Tillon)

Thème : Domaine anglo-saxon

Président de séance : Lauric Guillaud

10 h 00 – 10 h 30 : Patricia Crouan-Véron, « Quelques nouvelles de H. R. Haggard (1856-1925). Entre tradition orale africaine et littérature écrite. Forme et apparitions ».

10 h 30 – 11 h 00 : Françoise Dupeyron-Lafay, « Apparitions fantastiques : dialectique du réel et du surnaturel et ironie structurelle. Les paradigmes inversés de « The Open Window » (1914) de Saki et « On the Brighton Road » (1912) de Richard Middleton »

Pause café : 11 h – 11 h 15

11 h 15 – 11 h 45 : Stéphane Mercier, « L’apparition comme preuve de l’échec de la raison [chez Lovecraft] »

11 h 45 – 12 h 15 : Marie-Odile Salati, « L’apparition symptôme dans The Colour out of Space de H.P. Lovecraft (1927)  »

Atelier C bis (Salle J. Gracq)

Thème : Les apparitions fantastiques (autres aires culturelles). Approche comparatiste.

Président de séance : Roger Bozzetto

10 h 00 – 10 h 30: Arnaud Huftier, « Les nouvelles du « soleil liquide » : l’essence du fantastique chez Lord Dunsany, Jean Ray et Michel Tremblay »

10 h 30 – 11 h 00 : Patrizia d’Andrea, « Un champ de recherche protéiforme : la littérature fantastique et les courants ésotériques »

Pause café : 11 h 00 – 11 h 15

11 h 15 – 11 h 45 : Thierry Jandrok, « La rhétorique vampirique, entre jeux de miroirs et oppositions dialectiques »

11h 45 – 12 h 15 : Anne E. Duggan, « Du génie à l’ifrit: apparitions fantastiques dans les contes des Mille et une nuits »

Atelier B bis (Salle F. Kahlo)

Thème : Images de l’apparition (photographie)

Président de séance : Gilles Menegaldo

10 h 00 – 10 h 45 : Jean Arrouye, « L’apparition qui nous a à l’œil »

Pause café : 10 h 45 – 11 h 00

11 h 00 – 11 h 45 : Martine Lavaud, « L’apparition photographique dans les nouvelles spirites »

11 h 45 – 12 h 30 : Muriel Berthou Crestey, « Les spectres de la lumière »


Atelier E (Amphi G. Tillon)

Thème : Les apparitions fantastiques (aire francophone).

Présidente de séance : Anne-Simone Dufief

14 h – 14 h 30 : Catherine Botterel-Michel, « Le motif du miroir dans le récit de Maupassant : à la recherche de l’identité »

14 h 30 – 15 h : Nadia Ghelala, « L’apparition fantastique chez Théophile Gautier : De la rencontre au détachement »

15 h – 15 h 30 : Morgane Leray, « L’apparition du masque : la révélation du néant. Pour une lecture apocalyptique du fantastique de Jean Lorrain »

15 h 30 – 16 h : Daniel Long, « Dévoiler, décentrer et désencadrer le tableau imaginaire dans les nouvelles fantastiques de Zola »

Pause café : 16 h – 16 h 15

16 h 15 – 16 h 45 : Alain Néry, « L’apparition dans « Vera » et « L’intersigne » de Villiers de l’Isle-Adam »

16 h 45 – 17 h 15 : Thierry Santurenne, « L’apparition du serpent : étude comparée de Djoûmane (Mérimée) et de Catalina (Villiers de l’Isle-Adam) »

17 h 15 – 18 h 15 : Assemblée générale du CERLI

Amphi G. Tillon

Atelier F (Salle J. Gracq)

Thème : Atelier anglophone (communications en anglais)

Président de séance : Emmanuel Verdanakis

14 h 00 – 14 h 30 : Benedicte Meillon, « Unreal, Fantastic, and Improbable Flashes of Fearful Insight in Annie Proulx’s Wyoming Stories »

14 h 30 – 15 h 00 : Chartier Cécile, « “This is no Vision”: The Invisible “Something” and the Elocutionary Disappearance of the Author » [ Fitz-James O’Brien]

15 h 00 – 15 h 30 : Alice Clark, « « Imaginative Distortion in Robert Olen Butler’s Severance »

15 h 30 – 16 h 00 : Michelle Ryan-Sautour, « Authorial Evanescence and the Power of Unease in Angela Carter’s “The Lady of the House of Love” »

Pause café : 16 h – 16 h 15

16 h 15 – 16 h 45 : Ineke Bockting, « Apparitions and Evanescence in Short Fiction »

16 h 45 – 17 h 15 : Tanya Tromble, « Joyce Carol Oates : Fantastic, New Gothic and Inner Realities »

17 h 15 – 18 h 15 : Assemblée générale du CERLI

Amphi G. Tillon

20 h 30 : Dîner de gala


SAMEDI 26 NOVEMBRE

Atelier B ter (Salle : F. Kahlo)

Thème : Images de l’apparition (cinéma)

9 h 00 – 9 h 45 : Vincenzo Borlizzi, « Le thème de l’apparition de la revenante chez Poe et sa transposition cinématographique, de Jean Epstein à Roger Corman »

Atelier H (Amphi G. Tillon)

Thème : Les apparitions fantastiques dans la science-fiction

Président de séance : Gilles Menegaldo

9 h 00 – 9 h 30 : Marie Puren, « Ecriture sérielle et formes courtes dans les textes de science-fiction: Disparition et apparitions dans l’œuvre de Jean de La Hire (1878-1956) »

9 h 30 – 10 h 00 : Hervé Lagoguey, « Créatures parasites, apparitions, disparitions et substitutions dans quelques nouvelles inquiétantes de Philip K. Dick »

10 h 00 – 10 h 30 : Natacha Vas-Deyres, « Quand la nouvelle réécrit le roman: Le Livre des Ombres de Serge Lehman »

Pause café : 10 h 30 – 10 h 45

10 h 45 – 11 h 15 : Jérôme Goffette, « Apparition et disparition de soi et du corps
à propos de « The Barbie Murder » de John Varley »

11 h 15 – 11 h 45 : Sylvie Allouche, « Apparitions et disparitions inquiétantes dans les nouvelles de Greg Egan »

Fin du colloque

Colloque « Ne pas dire », 17-19 novembre

Lucien Levy-Dhurmer, Le Silence, 1895.

PRESENTATION GENERALE DU COLLOQUE ORGANISE PAR FREDERIQUE TOUDOIRE-SURLAPIERRE ET PETER SCHNYDER.

« Le non-dit est à la littérature ce que le silence est à la musique. Ce n’est pas un hasard si la rhétorique classique a catégorisé les degrés de densité expressive (et aussi leur absence) : ils vont de l’hyperbole à la litote,de la répétition à l’ellipse, de la redondance à la prétérition,de l’allusion à l’aposiopèse, etc. Mais il y a également le présupposé, l’insinuation, la suggestion, qui entrent à leur tour en lice, et il faut reconnaître que le non est plus qu’un jeu : ne peut-il pas exprimer, dans certains cas, l’indicible même ? La thématique pourra donc refléter à la fois les problèmes de l’interdépendance entre littérature et peinture, cette dernière ayant été saluée par Lessing comme étant « une poésie muette », cependant que la poésie pouvait être considérée comme une « peinture parlante », mais au-delà, réfléchir les limites mêmes du langage et le recours fréquent de ses usagers à des procédés autres, qui vont des gestes, des jeux de regard, de l’affectation et de l’insistance à des somatisations et finissent souvent dans des formes violentes. Du mutisme au geste qui signifie, la communication non verbale offre à notre époque un vaste champ d’activité pour expérimenter, dans une perspective pluridisciplinaire,des textes épiques, lyriques et dramatiques des lettres européennes dans leur ensemble, sans que soient négligés les apports des autres arts, à commencer par la peinture, choisis à partir de leur pertinence et de leur représentativité. Tout en cherchant à placer au centre l’analyse et l’histoire littéraires, les séminaires et le colloque de l’ILLE au cours de l’année 2010-2011 feront appel à des linguistes, historiens, sociologues, psychologues, théologiens, etc., car le non-dit, le secret, le tu, se dit et se lit entre les lignes et s’il est vrai que la parole a été donnée à l’homme pour déguiser sa pensée, selon le mot de Talleyrand, réfléchir dans notre université, avec des spécialistes de plusieurs disciplines, aux ressorts profonds de mécanismes de la recherche de la vérité et de sa dissimulation est se rendre compte de la santé mentale d’une époque, d’une société donnée – ou de son absence ».

Organisateurs : Peter Schnyder{ peter.schnyder@uha.fr }Frédérique Toudoire-Surlapierre{ frederique.toudoire@uha.fr }Coordination : Hélène Barthelmebs{ helene.barthelmebs@uha.fr }Inscription : 20€Entrée libre pour les étudiants de l’UHA,les conférenciers et sur invitationContact :FLSH – ILLE, 10 rue des Frères LumièreF – 68093 Mulhouse CedexTéléphone :+33 (0) 3.89.33.63.91 / +33 (0) 6.47.91.73.61www.ille.uha.fr

JEUDI 17 NOVEMBRE 2011

Salle du Conseil, Maison de l’Université

9 h ‐ 9 h 30

Ouverture par M. Alain Brillard, Président de l’UHA

Présentation par les organisateurs

9h. 30 – 11 h. REFLEXIONS GENERALES

Président : Peter Schnyder, directeur de l’ILLE

Roger Kempf [Zurich]

Voies et Voix du secret

Marc Courtieu [Lyon]

Parler du non‐dit? Quand les écrivains partent à « la conquête du silence » (Joë Bousquet)

Luc Fraisse [UdS]

ce que ne dira pas le romancier de la Recherche

{ 11 h Discussion et pause }

11h.30 – 13 H. LES INTERSTICES ET ESPACES BLANCS

Président : Peter André Bloch, président de l’APEFS

Muriel Berthou‐Crestey

Le silence iconographique : une réserve d’images

Ingrid Molard‐Gicquel [Sorbonne]

Négations, silences et espaces blancs : une heuristique du non‐dit dans les Pensées de Pascal et les Maximes de La Rochefoucauld

Élise Montel [Poitiers]

Se taire – Ne pas dire – Mais écrire : Le silence d’Erri De Luca comme tension

{ 13 h Déjeuner }

15h. – 16h. 30. LES PAROLES SILENCIEUSES.

Présidente : Frédérique Toudoire‐Surlapierre, directrice adjointe de l’ILLE

Julie Dekens [Zurich/Paris 4]

Eurydice, celle qui ne dit mot…

Michel Arouimi [Littoral]

La « loquacité de la nuit » ou la parole de Victor Hugo

Tatiana Musinova [ILLE]

Voyage au bout de la nuit : la dimension du non‐dit dans la relation dichotomique Bardamu – Robinson

{ 16 h 30 Discussion et pause }

17h. – 19 h. ARTICULATION DU NON-DIT.

Présidente : Cécile Meynard, Responsable des Manuscrits de Stendhal

Vincenzo Borlizzi [Paris 3]

Répétition, absence, allusion, ambiguïté : L’Année dernière à Marienbad entre Resnais et Robbe‐Grillet

Sébastien Thiltgès [UdS/Luxembourg]

Du motif au thème : la description du silence et l’expression de l’indicible dans le roman réaliste

Marjorie Rousseau [Tours]

Non‐dit et religion orthodoxe chez Dostoïevski

{ 18 h 30 Discussion }

{ Dîner en ville pour les conférenciers }

VENDREDI 18 NOVEMBRE 2011

Salle du Conseil, Maison de l’Université

9h. – 10h. 30. L’IRONIE.

Présidente : Tania Collani, directrice du Département d’Italien, FLSH

Peter‐André Bloch [ILLE]

Les silences d’André Weckmann

Sylvain Trousselard [Saint‐Étienne]

Les enjeux du portrait chez Rustico Filippi : annonces et dénonciations

Pierre Jamet [Franche‐Comté]

Invisible en plein jour (aperçus de l’ironie shakespearienne)

{ 10 h 30 Discussion et pause }

11h. – 12h. 30. LA REFLEXIVITE OU LE SILENCE EXPLIQUE.

Présidente : Caroline Casseville, coordinatrice des Nouveaux Cahiers François Mauriac

Cécile Meynard [Grenoble 3]

Se délester de l’indicible : Le voile noir, Je vous écris et Les chats de hasard d’Anny Duperey

Matthieu Jung [UdS]

Raymond Roussel/Michel Foucault : quelques silences autour de « quelques étés »

Nicholas Manning [Rennes II]

Rhétorique du silence : le non‐dit comme forme d’argumentation dans la poésie moderne

Dorottya Szávai

[Université Pannon de Veszprém, Hongrie]

Du non‐dit a l’indicible dans la poésie moderne (Rilke, Celan, Pilinszky)

{ 13 h Déjeuner }

14h. 30 – 16h. DIRE ET NE PAS DIRE LA SEXUALITE.

Salle du Conseil, Maison de l’Université

Présidente : Régine Battiston, directrice de Département (IUT)

Max Kramer [Saskatchewan]

Le non‐dit queer dans la poésie moderne

Magalie Wagner [ILLE]

« Ouïr » et « jouir » : plaisir des corps et des mots à travers une lecture de l’implicite dans la Délie de Maurice Scève

Justine Legrand [Sorbonne]

Du non‐dit à la synonymie des anonymes dans l’œuvre d’André Gide

{ 16 h Discussion et pause }

16h. 30 – 18h. QUAND NE PAS DIRE INTERROGE LE GENRE LITTERAIRE.

Présidente : Dorottya Szávai, rédactrice des Studii si Cercetari Filologice, seria Limbi Romanice,

Université Pannon de Veszprém, Hongrie

Caroline Casseville [Bordeaux 3]

La notion de non‐dit dans l’œuvre de François Mauriac

Anna Maziarczyk [Lublin]

Fiction et dissimulation : le cas de Jean Echenoz

Serge Bourjea [Montpellier]

Garder au silence (Paul Valéry)

{ 18 h Discussion }

{ 18 h 30 Déplacement }

19 h 30 Buffet dînatoire à la Filature.

{ 20 h 30 Théâtre  pour les conférenciers et les invités }

« Les mots sont des !eurs de néant. Je t’aime. » de Richard Brautigan – Luc-Antoine Diquéro

SAMEDI 19 NOVEMBRE 2011

9h. 10h. 30 LES DETOURS DE LA PAROLE.

Salle du Conseil, Maison de l’Université

Président : Luc Fraisse, président de l’ADIREL

Craig Hamilton [ILLE] & Peter Crisp [Chinese University of Hong Kong]

L’Allégorie implicite dans Les mouches de Sartre

Tania Collani [ILLE]

Dire et ne pas dire. Propos politique et censure littéraire : La Technique du coup d’état de Curzio Malaparte

Ariane Luethi [ILLE]

Les silences de Nicolas de Chamfort, André Chénier et Joseph Joubert interprétés à la lumière de L’Art de se taire

{ 10 h 30 Discussion et pause }

11h. – 13h. QUAND LE NON-DIT (RE)TRAVAILLE LE LANGAGE.

Président : Sylvain Trousselard, secrétaire adjoint de la Société des Italianistes de l’Enseignement supérieur

Till R. Kühnle [Limoges]

« … ce silence inhumain » qui s’impose – les didascalies chez Racine, Schiller, Horváth et Beckett

Philippe Wellnitz [Berlin]

du paradoxe du silence au théâtre

Sophia Dachraoui [Strasbourg/Fribourg]

Écriture des œuvre d’art de Pompéi : du « ne pas dire » à l’au‐delà du « dire »

13 h Conclusions

{ 13 h 15 Clôture du colloque }

Colloque : « Réfléchir la projection », Université de Poitiers, 26-28 mai 2011

 
 

Hiroshi Sugimoto, Theater (Ohio), 1980

Réfléchir la projection : Colloque international organisé à l’Université de Poitiers du 26 au 28 mai 2011 (Laboratoire FoReLL, EA 3816, équipe B3)

Extrait de la note d’intention : « La polyvalence d’un dispositif et d’une notion qui permettent de croiser plusieurs champs disciplinaires est à l’origine de la recherche que propose ce colloque. La projection est un phénomène complexe qui articule les domaines de l’optique, de la représentation picturale et architecturale, des arts du spectacle et de la psychologie. Au fondement des mythes de la fille du potier Dibutade et de la caverne platonicienne, elle est aussi le point de rencontre originel de l’histoire de la représentation artistique et de la représentation cognitive. Sur le modèle du transport physique des images, se calque un sens second, qui fait de la projection un processus mental et affectif. Quel que soit le champ dont elle relève, la notion conjugue déplacement, transfert et rapport, dans l’espace et dans le temps. […] » (Dir. Véronique Campan)

Jeudi 26 mai 2011 (salle des conférences)

9h : Accueil des participants

9h15 : Ouverture du colloque : Dominique Moncond’huy (Doyen de l’UFR Lettres & Langues)

9h30-12h30 : Histoire et évolution des formes de la projection

Modérateur : Véronique Campan

_ 9h30 : Gilles Menegaldo (Pr Etudes anglophones, Université de Poitiers) : Dispositifs projectifs, processus mémoriels et jeux réflexifs dans quelques films hollywoodiens classiques et contemporains

_ 10h10 : Marc Cerisuelo (Pr études cinématographiques Université de Provence) : Les enfants de Shakespeare et de la Black Maria : les vivants, les morts, le romanesque et la projection

 _ 11h : Jean-Louis Déotte (Pr philosophie Paris 8 – Vincennes Saint-Denis) : De l’ère projective à l’ère numérique

_ 11h40 : Erica Magris (Scuola Normale Superiore de Pise) , La projection en temps réel sur le plateau de théâtre : corps, visages et voix entre jeu et réception.

14h30-18h30 : Dispositif projectif, transmission, mémoire

Modérateur : Marc Cerisuelo

_ 14h30 : Christa Blümlinger (Pr études cinématographiques Paris 8 – Vincennes Saint-Denis : Constellation de dispositifs de mémoire (l’attrait du cinéma)

_ 15h10 : Elise Domenach (MCF Etudes cinématographiques, ENS, Lyon) : Le concept de projection dans la pensée de Stanley Cavell

_ 15h50 : Marie Martin (MCF, Université de Poitiers) : Projection, l’écran du trauma

_ 16h50 : Sylvie Rollet ( MCF, Université Paris III – Sorbonne Nouvelle) : Exposition et transmission : la réflexion ciné-photographique de Harun Farocki et Rithy Panh

_ 17h30 : Jean-Marie Dallet (artiste, enseignant, chercheur en arts numériques – EESI Poitiers) : Dispositifs projectifs et arpentage de la mémoire

Vendredi 27 mai 2011 (salle des conférences)

9h30-12h30 : Penser la projection ?

Modérateur : François-Xavier Molia

_ 9h30 : Raymond Bellour ( Directeur de recherche émérite CNRS – EHESS Paris) : Le spectateur de cinéma, une mémoire unique

_ 10h10 : Eric Thouvenel (MCF, Université Rennes 2) : De quelques usages de la projection dans le cinéma expérimental

_ 11h : Francisco Ferreira, (Docteur en études cinématographiques, enseignant Université de Poitiers) : Dans le dos de la nuit, ou la projection selon JLG

_ 11h40 : Véronique Campan (MCF études cinématographiques, Université de Poitiers) : De la projection sonore

14h30-18h30 : Aux frontières d’un dispositif

Modérateur : Denis Mellier

_ 14h30 : Barbara Lemaître (MCF études cinématographiques, Paris III – Sorbonne Nouvelle) : Ombres projetées et défiguration

_ 15h10 : Lorraine Duménil (Université Paris VII – Diderot, La Sapienza – Universita di Roma) : Les Dispositifs projectifs d’Henri Michaux

_ 15h50 : Emmanuel Siety (MCF études cinématographiques, Paris III – Sorbonne Nouvelle) : Projection et pesanteur

_ 16h50 : Teresa Faucon (MCF études cinématographiques, Paris III – Sorbonne Nouvelle) : Eblouissements projectifs

_ 17h30 : Pascale Thibaudeau (MCF études hispaniques, Paris 8 – Saint-Denis) : Projeter les corps et les images : la mise en scène de la danse dans les films de Carlos Saura

Samedi 28 mai 2011

9h-12h30 : Pratiques contemporaines de la projection d’images

_ 9h00 – 9h45 : Jean-François Peyret (Universitaire, Ecrivain, Metteur en scène de théâtre)

10h – 13h : Parcours Projections et arts visuels

(salle Guillaume Le troubadour)

10h : Muriel Berthou-Crestey (Docteur en esthétique, Bordeaux III, spé. photographie) : La photographie : poudre de projection du cinéma ?

10h45 : Frédéric Curien (artiste plasticien sonore, EESI Poitiers) : Modèles d’actualisation des espaces sonores et musicaux interactifs

11h30 : Stefania Kenley (architecte, Paris) : Dessin en coupe et projection des rayons X

14h30-18h : Pratiques contemporaines de la projection d’images

Modérateur : Francisco Ferreira

_ 14h30 : Fabrizio Montecchi (marionnettiste, spécialiste du théâtre d’ombres, Teatro Gioco Vita, Milan) : L’art immatériel : projections dans le théâtre d’ombres contemporain

_ 15h10 : Dork Zabunyan (MCF études cinématographiques, Université de Lille) : Projection et reproduction : The Details, d’Avi Mograbi

_ 16h : Loig Le Bihan (MCF études cinématographiques, Université Montpellier III) : Lorsque projection rime avec actualisation, à la recherche du « film-installation ?» ?

_ 16h40 : Pascale Borrel (MCF arts plastiques, Rennes 2) : Fixités fugaces – La projection comme mode d’existence de l’image photographique

17h20 : mots de conclusion

L’Esprit des lieux dans les photographies d’Edouard Levé

Préprint : Préfiguration de la publication des actes du colloque « L’esprit des lieux » (organisé par Gérard Peylet et Michel Prat, LAPRIL, 10-12 mars 2010, Maison des Sciences de l’Homme d’Aquitaine, Université Bordeaux III). Le texte de cette intervention intervient en écho à l’exposition Dreamlands dans laquelle Edouard Levé est notamment représenté.

Edouard Levé, Entrée d'Angoisse, 2001. Courtesy galerie Loevenbruck

« Les choses de l’art commencent souvent au rebours des choses de la vie ».

Georges Didi-Huberman, Génie du non lieu. Art, poussière, empreinte, hantise, 2001

A la recherche d’un esprit des lieux propre à Bordeaux, le protagoniste du dernier ouvrage d’Edouard Levé paru en 2008 chez P.O.L. entreprend « de tuer le temps »[1] au lieu de le retrouver. Il ne s’agit pas, comme dans le voyage probablement pédestre d’Hölderlin de 1802 entre Bordeaux et l’Allemagne, de ressentir la poésie des lieux traversés entre deux destinations.

Non, deux siècles plus tard, la ville, au contraire, devient le théâtre d’une errance, sans but, se prêtant alors à des descriptions moins lyriques. Serait-ce le signe que l’esprit des lieux se niche aussi dans les aspects les plus crus de la réalité ? C’est du moins le sens d’un certain nombre de haïkus contemporains. Ainsi, du poème de Kiyosaki Toshio : « Il assiège / la porte de la cuisine – le cosmos »[2]. Souvent, la photographie a été comparée à un haïku, de par ses propriétés inhérentes : brièveté, éclair, lapidaire. Cécile Hanania (de la Western Washington University) remarque, par exemple, dans un article intitulé « De Hiroshima à Éroshima » paru dans Voix et images (2005), que « le flash du haïku […] est celui d’une photographie que l’on prendrait très soigneusement, mais en ayant omis de charger l’appareil de sa pellicule »[3]. Force est de constater que le style très laconique de l’écrivain répond parfaitement à ces caractéristiques, et ce sont autant de photographies latentes qui apparaissent progressivement au cours de cette description précise et presque phénoménologique d’une déambulation dans Bordeaux. C’est d’abord une marche aléatoire qui l’amène à découvrir la ville : la place Saint Projet, dont la signalétique aurait pu faire l’objet d’une photographie. Les quais, déserts en cette saison. Puis, il y a des rues, certains détails qui émergent peu à peu du paysage. L’exposition de photographes intitulée « Nouvelles zones urbaines » qui se tient alors dans une galerie du centre. Et enfin le musée des Beaux arts, autour duquel s’engagent ces réflexions : « Tu recherchais, écrit-il, dans les musées de Province, les tableaux plus insolites de petits maîtres locaux, dont les sujets mineurs ou la facture maladroite faisaient l’originalité. Celui-ci en était peu pourvu, si ce n’était un panorama monumental des quais de la Garonne. […] »[4] Le parcours se fait au fil de l’eau, en suivant les quais, mais sans donner lieu à un roman fleuve, bien au contraire. Il ne voyage pas jusqu’au bout de la nuit mais plutôt jusqu’au déclin du jour. Et quelques pages plus loin, arrive la déduction : « A la ville actuelle, que tu avais traversée, tu préférais la ville passée que t’avait montrée le panorama du musée des Beaux-Arts, ou la ville future que construisait ton esprit d’après ce que tes yeux lui donnaient à voir. »[5] Ce goût des « non lieux », tel qu’il a été défini par Marc Augé, intervient déjà dans un ouvrage précédent : Autoportrait, écrit cette fois à la première personne du singulier : « Lorsque je rentre de voyage, le meilleur moment n’est ni le passage à l’aéroport ni l’arrivée à la maison, mais le trajet en taxi qui relie les deux : c’est encore du voyage, mais plus vraiment. »[6]

Oui mais, chez Edouard Levé, le flâneur, a contrario de celui de Baudelaire, est cartésien. Le jour d’après, poursuivant sa marche dans Bordeaux, le personnage du livre s’impose la contrainte volontaire de prendre la première rue à droite, puis la deuxième rue à gauche, la première rue à droite et ainsi de suite, sans dévier de cette méthode afin de ne pas se laisser guider par l’attrait de ce qui se présentait. Méthode oh combien paradoxale quand il s’agit de partir à la recherche de l’esprit des lieux, si l’on en croit la définition qu’en donne Isabelle Eberhardt, reposant davantage sur la sensation que sur les faits objectifs : « Il est des heures à part, des instants très mystérieusement privilégiés où certaines contrées nous révèlent, en une intuition subite, leur âme, en quelque sorte leur essence propre, où nous en concevons une vision juste, unique et que des mois d’étude patiente ne sauraient plus ni compléter ni même modifier. »[7] Et pourtant, malgré cette épuration des indices qui nous sont donnés à voir et réduits à leur plus simple expression, il se dégage bien du style lapidaire d’Edouard Levé, comme le négatif d’une photographie, soit quelque chose comme une essence propre à la ville. En se focalisant sur les lieux et sur leur appellation, en se cantonnant à leur description précise, c’est toute la charge émotionnelle qui transparaît et se dégage de ces indices.

L’ambition d’une approche théorique rétrospective consiste seulement à pointer des faits, à engager des réflexions plus qu’à apporter des réponses. C’est davantage une déambulation plutôt qu’un parcourt avec une ligne de départ et un point d’arrivée. Il s’agit alors de donner une autre vision possible de l’esprit des lieux à partir de ce que Michel Poivert nomme « le théorème de Levé ». Ce texte  a été écrit à l’occasion de son exposition Transferts, réalisée dans le cadre d’une résidence d’artistes : Edouard Levé avait choisi d’investir le musée des Beaux arts de Tours en reconstituant sous forme de photographies les scènes de tableaux historiques. On se propose ici de transférer ce texte à d’autres œuvres d’Edouard Levé. Michel Poivert parle, pour désigner ces photographies, d’une « troublante suggestion expressive »[8]. L’auteur résume ainsi le projet de l’artiste en ces termes : « Comme un coup de dés soumis aux règles d’un jeu n’abolit pas le hasard, les travaux d’Édouard Levé allient l’application de principes rigoureux et la surprise que leur conduite produit au cœur de la représentation »[9]. Dans cette perspective, les données sont lacunaires. L’écriture photographique est blanche. Et par ce manque d’informations, les lieux se dessinent à la fois sur le papier où s’écrivent les contours de certains vides révélés par la lumière, mais ils se forgent tout autant dans l’esprit du spectateur, susceptible de les imaginer. La restitution topographique des images sous une forme psychique éveille alors à l’esprit le mode de mémorisation séculaire consistant à associer chaque souvenir à une pièce mentale, construisant des memory rooms comme des memorySticks. La tactique d’Edouard Levé est à rapprocher en ce sens de « la stratégie de l’énigme » définie par Yves Bonnefoy à partir du tableau de Piero Della Francesca, La Flagellation du Christ. Ainsi est-elle déployée, selon l’auteur, « pour voir et donner à voir dans les perceptions les plus simples l’intensité que l’existence ordinaire néglige d’y reconnaître, au détriment alors de ses capacités spirituelles. Elle a pour fonction d’ôter les œillères, d’aider à percevoir l’évidence dans la donnée naturelle […] »[10]

Difficile d’éloigner les lieux communs dès lors qu’il s’agit d’examiner la procédure d’Edouard Levé. Il n’est qu’à jeter un regard sur la manière dont il dédicaçait parfois ses ouvrages pour mettre le doigt sur son obsession des lieux. La préoccupation locative, omniprésente, semble presque trop évidente. C’est la désignation du lieu qui constitue souvent un préalable, même si, bien des interprétations pourraient se dégager, en puissance, de tous ces groupes d’initiales nageant dans le vide de la page de garde, blanche. Ses photographies procèdent d’un même système, c’est-à-dire qu’on doit reconstituer mentalement le climat intime qui l’accompagne. Il ne s’agit pas véritablement de proposer une « psychotopographie » installée à partir d’un environnement géographique, comme a pu le faire un photographe tel que Holger Trülzsch  mais bien d’aller au-delà des sentiers battus de l’imaginaire. Pour cela, Edouard Levé pose néanmoins des balises afin de provoquer un hiatus entre le signifiant des lieux et le signifié de l’environnement. Derrière l’objectif du photographe, c‘est toute la subjectivité qui affleure. Edouard Levé bouleverse les codes, comme le dit Quentin Bajac à propos de ses Reconstitutions : son travail s’inscrit « sous le signe des troubles du regard et du logos, du décalage entre le video et l’intelligo »[11]. Et c’est dans cette tension pointillée entre les images que nous plaçons notre approche, en nous axant sur les séries qui inaugurent et clôturent l’œuvre photographique d’Edouard Levé : Angoisse et Amérique[12].

Six parties peuvent être dissociées au sein de cette argumentation :

E tat des lieux.

S igne photographique.

P rincipe de l’énigme « Levé »

R egards dans les impasses.

I ndicateurs comme vecteurs de métamorphoses.

T rajet qu’il nous reste encore à accomplir.

1. Etat des lieux

Edouard Levé, Entrée d'Angoisse, 2001. Courtesy galerie Loevenbruck

La première série s’intitule Angoisse. Elle a été réalisée dans le petit village éponyme de Dordogne, en 2001, et se présente sous forme de différents clichés à l’esthétique épurée, représentant, au sein de cadrages frontaux et simples, différentes vues légendées comme suit : Entrée d’Angoisse (où le panneau indicateur de la ville se détache des bas-côté d’une route comme on peut voir communément dans les lieux périphériques et ruraux) Sortie d’Angoisse (panneau barré), l’épicerie d’Angoisse, la Maison d’Angoisse, l’école d’Angoisse, le monument d’Angoisse, la discothèque d’Angoisse, la Mairie d’Angoisse,   la Messe à Angoisse, le restaurant d’Angoisse, le Bar d’Angoisse, le cimetière d’Angoisse, la place d’Angoisse, les fleurs d’Angoisse, la machine d’Angoisse, et enfin Angoisse de Nuit. Thomas Clerc résume cette série en disant qu’« en se faisant nom propre par un mécanisme inexpliqué, un mot dont le signifié est devenu signifiant a fixé le destin d’une commune »[13]. En eux-mêmes, sans le texte, les clichés s’apparenteraient presque à des photographies unaires selon la définition qu’en a donné Barthes, dans La Chambre Claire : « la photographie est unaire lorsqu’elle transforme emphatiquement la « réalité » sans la dédoubler, la faire vaciller […] aucun duel, aucun indirect, aucune disturbance […] les photos de reportage sont très souvent des photographies unaires […] Dans ces images, pas de punctum : du choc – la lettre peut traumatiser -, mais pas de trouble ; la photo peut « crier », non blesser […] »[14]

Oui mais il y a bien une légende qui fait vaciller ces lieux banals aux allures prosaïques du côté de l’inquiétante étrangeté. Dominique Baqué, dans son ouvrage La Photographie Plasticienne, montre bien que ce jeu sur le signifiant est vecteur de trouble : ainsi parle-t-elle d’un « travail autour du signifiant, autour du nom propre et de ses immanquables connotations historiques, sociologiques, affectives [pour décrire l’] Entrée d’Angoisse : une route départementale, des bas côtés herbeux, une paisible bourgade, ni plus laide ni plus séduisante que tant d’autres villages typiquement français… Mais : ce nom auquel on ne saurait échapper, panneau routier encadré de rouge, tel une balle de revolver en plein coeur de l’image, Angoisse, donc… Et tout bascule. […] De ce nom, Angoisse, dont chacun essayera de rire, comme pour mieux s’en débarrasser, le dénier, sans y parvenir jamais tout à fait, – tant il va de soi que l’angoisse insiste toujours, résiste, revient là où, soulagé, on ne l’attendait plus. Économie des moyens, refus de l’insolite, minimalisme de la pose, mais poids du signifiant : c’est toute la force et l’originalité de la démarche de Levé que d’oeuvrer ainsi au coeur du neutre pour le faire imploser »[15]. Une autre définition de ce travail pourrait être trouvée dans l’ouvrage de Bernard Noël intitulé Un Trajet en Hiver : « Dans chaque espace visuel, tu cherches ce qui est – ce qui doit être commun à tous les espaces : la substance spatiale ! »[16] C’est un peu, semble-t-il, la recherche d’Edouard Levé.

Edouard Levé, série Amérique, Entrée de Paris, 2006. Courtesy galerie Loevenbruck

Formellement, la deuxième série n’est pas très différente de la première et se présente sous forme de vues générales au centre desquelles surgit un panneau indicateur. Doux leurre prêt à accueillir le regard du passant : tombé dans le panneau. On l’aura compris, avec Edouard Levé, l’esprit des lieux réside davantage dans le hors champ des photographies, à savoir la légende. Et celui qui en parle le mieux, c’est peut-être Edouard Levé puisqu’il se définit d’ailleurs comme un spécialiste de lui-même : le principe de son roman Œuvres consiste ainsi à décrire 533 œuvres dont l’auteur a eu l’idée mais qu’il n’a pas réalisées, à l’exception peut-être de la n° 20 : « Aux Etats-Unis, un voyage est accompli pour photographier des villes homonymes de villes d’autres pays. […] dans ces villes, sont photographiés des lieux communs, au double sens de lieux banals et de lieux où la communauté se retrouve. Les photographies sont présentées accompagnées d’un titre : Cuba, la mairie ; Un bar à Berlin »[17] Pour cette présentation succincte, nous prendrons quelques exemples parmi plus de cinquante occurrences : soit Paris, Rome, Delhi, Berlin, Calcutta, comme autant de villes made in USA. Répertoriant les noms américains de villes homonymes, Edouard Levé provoque un trouble dans la réception de ses clichés à l’esthétique épurée. Pour l’artiste, Delhi, Berlin, Rio, Stockholm, évoquent aussi des lieux américains, comme des univers parallèles investis d’une double dimension. D’ailleurs parle-t-il souvent de ses photographies comme étant « au carré ». Dans un entretien avec l’artiste réalisé en 2006, Edouard Levé évoque la recherche d’une Amérique profonde, disant s’être « promené à la recherche du réel »[18]. C’est tout un jeu de mise en abyme qui intègre alors le signe paysager à celui de la photographie.

2. Signe photographique

Edouard Levé, Place d'Angoisse, 2001. Courtesy galerie Loevenbruck.

Pour revenir aux clichés d’Angoisse, il émerge autant d’indices décrivant le cadre bucolique d’un village dont les clichés dépouillés dresseraient l’inventaire distancié. Si ces vues documentaires basculent dans l’autre scène du visible que représente le champ psychique, c’est bien qu’il y a sporadiquement un signe – toujours le même – qui les invite à y pénétrer. Aussi faut-il nous plonger plus avant dans les fondements sémiologiques de la photographie pour comprendre ses caractéristiques épistémologiques : Albert Piette rappelle en ce sens que « la photo est une image emplie d’indices capables de révéler de nombreux détails de la vie sociale »[19]. Encore faut-il savoir les voir, pourrions-nous ajouter. Bien sûr les autochtones du village, les angoissés, ne prêtent certainement plus attention au panneau situé aux abords de leurs lieux de vie. C’est probablement devenu un habitus perceptif. Et pourtant, une personne venue de l’extérieur ne pourra occulter le sens qu’il revêt alors à ses yeux.

Umberto Eco, auteur de L’œuvre ouverte, préconisant une approche de la création réactive aux stimuli de celui qui la regarde, est aussi un fameux sémiologue : soit deux caractéristiques qui jalonnent la production photographique d’Edouard Levé et permettent de mieux la comprendre. Prenant en considération la distinction tripartite proposée par Peirce, l’auteur, dans le célèbre article intitulé « Sémiologie des messages visuels », conçoit un processus d’association entre la définition du signe et le phénomène de communication visuelle qui lui est associé. Sans détailler cette classification, il s’agit plutôt de voir dans quelles catégories pourraient se positionner les œuvres d’Edouard Levé et notamment ces premières photos tirées d’Angoisse. Trois formes correspondent, à mon sens, à cette série : si l’on considère l’en-soi, les photographies d’Edouard Levé concernent le « Sin-sign », en rapport à l’objet, le panneau signalétique devient un indice, et en rapport à l’interprétant, un « Dici-sign » c’est-à-dire que le lieu est investi en fonction du mot, et donc du sens pouvant lui être associé. Pour résumer, on pourrait dire que le lieu ne fonctionne pas tout seul. Il est forcément habité par un esprit, celui en l’occurrence, de la lettre, du mot et du sens ainsi véhiculé.

Le langage est au fondement de cette pratique dans laquelle l’Oulipo n’est jamais très loin. Aussi n’est-ce pas un hasard si Hervé Le Tellier, qui revendique cette appartenance, a choisi de rendre hommage à l’artiste dans son dernier ouvrage, où Edouard Levé apparaît sous le pseudonyme de « Hugues Léger ». Un de ses livres, rebaptisé pour la circonstance Définition, et donc défini comme une « litanie de phrases, près d’un millier, où l’écrivain esquisse, par fragments disjoints, son autoportrait »[20]. On émet l’hypothèse de l’intégration possible de ce travail au sein de l’ouliphopo : soit l’ouvroir de littérature et de photographie potentielle. Edouard Levé revendique par ailleurs son affiliation avec Raymond Roussel, ayant fortement influencé le mouvement. Et la consultation des bulletins de l’ouphopo (branche plus générale concernant la photographie) étaye d’ailleurs cette hypothèse : dans le premier numéro, les statuts sont définis : « l’ouliphopo fait une littérature de la photographie. Ainsi elle s’intéresse aux relations entre texte et photographie ; aux photographies en tant que littérature ; et aux théorie de la photographie »[21].

L’artiste parvient donc à concilier le langage scriptique à celui de la lumière, mais aussi à celui de la ville. Dans les Prolégomènes à l’Esprit des villes, Gilles Verneret remarque en ce sens que « la ville est une syntaxe spatiale que l’on peut traverser aussi bien avec son enveloppe corporelle que par l’abstraction mentale du souvenir et de la mémoire gelés dans le temps »[22].

3. Principe de l’énigme « Levé » : dans le sillage de Proust ?

A la recherche du temps vécu, Edouard Levé s’attache plus à sonder l’état des lieux existentiels plutôt qu’à dresser une véritable carte de paysages vernaculaires. Il s’agit d’éveiller chez le spectateur un sentiment quelque peu similaire à celui de Proust qui, trouvant une photographie dans un album, considère qu’il « s’en dégage brusquement, chimiquement, le passé »[23].  Le panneau signalétique a l’effet d’un « flash » dans l’imaginaire du spectateur. Adoptant une esthétique très neutre et froide, le photographe parvient néanmoins à sonder un mystère propre aux lieux, dont le caractère apparemment anodin est troublé par le signifiant. L’esthétique est volontairement épurée. La prise de vue, frontale. Ce sont finalement de véritables litotes photographiques qui nous sont données à voir. Dans une auto-interview, Edouard Levé résume son intention : « on se trouve confronté à une énigme dont on suppose qu’elle peut être résolue, mais dont on ne connaîtra jamais avec certitude la solution. Des indices sont donnés »[24]. Il n’y a pas de date. Tout se veut intemporel, dans ces clichés[25]. Entre l’image photographique et l’image fantasmée du spectateur se dessine alors un réseau considérable de signifiés. S’élabore progressivement une arborescence de références générées par l’ellipse visuelle. Le mode d’emploi de ces photographies semble égaré, laissant libre cours à l’expression du musée imaginaire de chacun.

Angoisse existe en soi, en-dehors de tout évènement, loin de toute expérience. Il ne s’est rien passé de particulier dans ce village. Aucun punctum. Les photographies d’Edouard Levé cristallisent l’expression d’un « être » propre à ce village. Elles s’imposent au présent au lieu d’un « ça a été ». Le panneau semble planté dans un présent qui dure, intemporel. Dès lors, c’est bien aux lieux et non aux espaces que le photographe s’intéresse (si l’on se réfère à la distinction qu’en fait Jean Starobinsky). « Ainsi, le lieu s’accomplit par la parole, écrit Marc Augé, dans son Introduction à une anthropologie de la surmodernité, il s’accomplit poursuit-il, dans l’échange allusif de quelques mots de passe, dans la connivence et l’intimité complice des locuteurs. Vincent Decombes évoque […] une « cosmologie » ce que le narrateur de la Recherche appelle la « philosophie de Combray » […] Si un lieu peut se définir comme identitaire, relationnel et historique, un espace qui ne peut se définir ni comme identitaire, ni comme relationnel, ni comme historique définira un non lieu »[26]. A défaut d’y trouver des non-lieux, allons donc voir dans les impasses ce qui s’y trouve.

4. Regards dans les impasses

A propos d’Amérique, il n’y a rien à voir entre l’église Saint Pierre de Rome en Italie et l’église Saint Pierre de Rome en Amérique. Et Gérard Gavarry, dans son hommage littéraire rendu à Edouard Levé sous le titre Expérience d’Edward Lee, paru chez POL, tend à aller dans ce sens, en retranscrivant ce trouble sous forme littéraire. A partir de cette photographie, dévie une description dans laquelle l’auteur a ôté à chaque fois le début et la fin de chaque paragraphe.

« qui nous laisse intérieurement arasé et désert, sans recoin où puisse germer aucune émotion nouvelle, et ressentant même les souvenirs comme un contenu pétrifié, insignifiant et lourd. Rien d’autre en nous

que le regard aurait longtemps parcouru, volant, s’élevant, planant sous les nuages, en quête d’au moins un oiseau exécutant de pareils mouvements aériens. Puis de même il aurait passé en revue les branches d’arbres, les corniches, les gouttières, les arêtes faîtières et tous autres possibles perchoirs. En vain. Et quant à des êtres plus soumis à la pesanteur, ni côté rue, ni côté pelouse, et pas davantage aux fenêtres du presbytère

qu’il ne saurait désormais constituer en pensée, comme si, opérant de l’intérieur, l’attraction vidangeuse avait d’abord empêché les mots de franchir les lèvres, puis les avait retenus au fond de la gorge avant de carrément supprimer, en amont de tout lexique »[27]

A défaut de trouver des châteaux hantés à Séville, la petite ville américaine qu’il traverse, ce sont des châteaux en Espagne qu’Edouard Levé préfère alors construire.

5. Indicateurs comme vecteurs de métamorphose

Pointant le « désignateur rigide » qui bascule leur mode de réception, ces clichés font du signifiant un élément constitutif de l’œuvre, où les lieux se gorgent d’une impression nouvelle à l’épreuve de leur évocation langagière. Faudrait-il alors se faire « voyant » selon l’acception rimbaldienne, afin de percevoir les indices latents qui se dégagent au contact de la parole ? Rimbaud écrit, dans Une Saison en Enfer : « Je m’habituai à l’hallucination simple : je voyais très franchement une mosquée à la place d’une usine, une école de tambours faite par les anges, des calèches sur les routes du ciel, un salon au fond d’un lac ; les monstres, les mystères ; un titre de vaudeville dressait des épouvantes devant moi ! Puis j’expliquai mes sophismes magiques avec l’hallucination des mots ! »[28]. Investie d’une nouvelle charge sémantique, la représentation objective d’un endroit sans qualité se superpose à l’image fantasmée induite par le signifié. L’alchimie du verbe a transformé celle de l’image. On pourrait alors voir une maison d’Angoisse là où il n’y a finalement qu’une maison. Les clichés issus de la série Amérique (2006) reposent sur un même principe d’enchevêtrement entre l’image et le langage, brouillant l’esprit des lieux. Chaque fois, c’est le mot qui l’insuffle et le révèle. Le signe agit en regard d’une modification cognitive de notre expérience. Il participe par ailleurs, à un brouillage des codes propres à l’image. L’esthétique s’apparente au registre documentaire[29]. C’est tout l’art d’accrocher le regard sur des aspects qui le transforment, à travers l’expression la plus sobre.

Tout est déplacement, dans l’œuvre d’Edouard Levé. Non seulement celui du regard mais aussi des flux, des va-et-vient de sens, de signes et de modes opératoires, changeant incessamment de registre. L’espace littéraire, tel qu’il fut défini par Maurice Blanchot comme lieu d’expression du neutre, est transposé, chez Edouard Levé, dans le champ de l’image. Au lieu d’employer le « Je » de dupe ayant inondé ses premières propositions littéraires et plastiques, il se tourne ensuite vers le « Tu ». S’inscrivant dans les plis de cette démarche, nous lui opposons au contraire une optique à la troisième personne du singulier, celle dont Maurice Blanchot précise qu’ « elle n’est pas une troisième personne et met en jeu le neutre »[30]. Avec Edouard Levé, le transfuge du concept d’impartialité dans le champ de l’image gomme tout aspect anecdotique. Quelque part, il semble avoir déplacé une pièce du puzzle de la réalité qui, solitaire, est départie de sens. Dans les espoirs vacants : le hors-champ narratif se déploie. Partout, les interprétations prolifèrent. Ailleurs, Edouard Levé assemble, additionne (le nom à un lieu, l’impression au réel). Plus souvent, il soustrait. Il élague toute surenchère visuelle. Chaque fois, ses « pirouettes visuelles » émanent d’un « dynamitage de la fonction traditionnelle de la légende et de l’illustration »[31] : Edouard Levé participe de l’évolution du paysage photographique contemporain, en favorisant la porosité des frontières et en estompant la notion de catégorie.

6. Trajet qui reste encore à accomplir

En guise de conclusion dans ce parcours, il resterait maintenant à se mettre en contact direct avec les œuvres, à se confronter peut-être aux terres d’Angoisse ou bien à aller voir Paris aux Etats-Unis. Faire l’expérience in situ de l’énigme. Pour cela, il faudra probablement investir d’autres lieux. L’ironie sera peut-être de voir le Paris des Etats-Unis à Paris, en France[32]. Le signifiant d’origine – le nom de la ville – continue donc à coloniser progressivement d’autres territoires, à savoir les musées et galeries d’exposition, pour insuffler cette fois leur esprit à d’autres contrées (culturelles).

Norbert Hillaire considère que « la question du lieu est comme une boîte de Pandore qui permet de tirer tous les fils rouges qui forment l’horizon incertain de notre temps »[33]. Nous pouvons au contraire appréhender cette notion comme une clé pour ouvrir la boîte de lecture dont Benjamin nous rappelle qu’elle constituait autrefois une source ludique d’apprentissage. Plus encore, elle devient, chez Edouard Levé, un code d’accès à une nouvelle lecture des images, le sésame capable de découvrir les mystères nichés dans le boîtier photographique.

Muriel Berthou Crestey

Je remercie les organisateurs, Gérard Peylet et Michel Prat, de m’avoir permis de participer à ce colloque.


[1] Edouard Levé, Suicide, Paris, P.O.L., 2008, p. 63.

[2] Corinnne Atlan, Zéno Bianu (dir.), Le poème court japonais d’aujourd’hui, Paris, Gallimard, Poésie, 2007, p. 183.

[3] Cécile Hanania, « De Hiroshima à Eroshima : Une érotique de la bombe atomique en forme de haïku selon Dany Laferrière », Voix et images, vol. 31, n°91, Montréal, Presses de l’université du Québec, 2005.

[4] Edouard Levé, Suicide, Op. Cit. , p. 52.

[5]Idem, p. 54-55.

[6] Edouard Levé, Autoportrait, Paris, P.O.L, 2005, p. 9.

[7] Isabelle Eberhardt, citée en exergue par Yves Martin, in Etat des lieux, ce que vous auriez pu imaginer, Paris, L’Esprit des péninsules, 1997

[8] Michel Poivert, « Transfert, théorème de Levé », catalogue Images au Centre 04, Cherbourg, Point de Jour, 2004.

[9] Idem.

[10] Yves Bonnefoy, La stratégie de l’énigme, Paris, Galilée, p. 44

[11] Quentin Bajac, « Le trouble du spectateur », Reconstitutions, Paris, Filéas Fogg, 2003, p. 89

[12] La chronologie est déterminée par les parutions et expositions, indépendamment des dates de prises de vue.

[13] Thomas Clerc, « Angoisse », texte disponible sur le site de la galerie Loevenbruck : http://www.loevenbruck.com/artist.php?id=leve&view=download

[14] Roland Barthes, La Chambre claire, Paris, Cahiers du cinéma, Gallimard/Seuil, 2005, 1980 (1ère éd), p. 69

[15] Dominique Baqué, Photographie plasticienne, l’extrême contemporain,  Paris, Ed. du regard, p. 62

[16] Bernard Noël, Un Trajet en hiver, Paris, P.O.L., 2004

[17] Edouard Levé, Œuvres, Paris, P.O.L, 2002, p. 12

[18] Entretien avec l’artiste, Paris, 16. 05. 06

[19] Albert Piette, « Fondements épistémologiques de la photographie », in Ethnologie française, Arrêt sur images, Photographie et anthropologie, vol. 37, 2007/1, p. 23-28.

[20] Hervé Le Tellier, Assez parlé d’amour, Paris, Jean-Claude Lattès, 2009, p. 130

[21] Bulletin de l’ouliphopo, n° 1, 1995, collection de la BnF.

[22] Gilles Verneret, « Prolégomènes à l’esprit des villes, in Europa, L’Esprit des villes, Paris, Lieux dits, 2004.

[23] Jean-François Chevrier, Proust et la photographie, La résurrection de Venise, Paris, L’arachnéen, 2009, p. 45.

[24] Edouard Levé, « Auto-interview », in Reconstitutions, Paris, Phileas Fogg, 2003, p. 84

[25] Notons une correspondance littéraire avec Journal, un écrit dans lequel Edouard Levé relate des faits d’actualités de façon décontextualisée, dans une écriture blanche. Il photographie comme il écrit. Il écrit comme il photographie.

[26] Marc Augé, Introduction à une anthropologie de la surmodernité, Paris, Seuil, 1992, p. 99

[27] Gérard Gavarry, Expérience d’Edward Lee, Versailles, Paris, P.O.L, 2009

[28] Arthur Rimbaud, Une saison en enfer, Délires II, Paris, J.M. Poot, 1873, p. 230

[29] L’esthétique de ses photos d’Angoisse pourrait être rapprochée « d’une certaine neutralité de la photographie documentaire classique, telle qu’emblématisée par la DATAR vingt ans auparavant » (Quentin Bajac, « Formes documentaires contemporaines », in Collection Photographies, Paris, Centre Pompidou, 2007, p. 383).

[30] Maurice Blanchot, L’Entretien Infini, Paris, Gallimard, 1969, p. 102.

[31] Chloé Conant. « Histoires d’images et de textes : les œuvres photo-fictionnelles de Sophie Calle et d’Edouard Levé », in Jean-Pierre Montier, Liliane Louvel, Danièle Méaux et Philippe Ortel (dir.), Littérature et photographie, Rennes, PUR, 2008, p. 367

[32] Ainsi la série Amérique est-elle présente dans l’exposition Dreamlands (commissariat : Didier Ottinger, Quentin Bajac, Centre Pompidou, 05.05 – 09.08. 2010).

[33] Norbert Hillaire, L’expérience esthétique des lieux, Paris, L’Harmattan, « Ouverture philosophique – esthétique », 2008, p. 12.